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Artist
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In Episode 54 of Metralla Rosa, Carla is in London, talking to Rosalind Lyons, an artist whose work is inspired primarily by the Elizabethan and Shakespearean period.
Rosalind has a successful career as an illustrator of children’s stories and academic publications, but it is her devotion to her Renaissance inspired figurative paintings that has, since the 1990s, led to regular exhibitions, winning her accolades from both galleries and the general public from, not only her native United Kingdom but also, around the world. The characters and their universes, created by Rosalind with her meticulous adornment and impeccable attention to detail, are treated with a style that appears to reside halfway between past and present, innovation and tradition, the obvious and the obliquely referential and the disturbingly and culturally unprecedented.
Rosalind’s portraits offer a fascinatingly unique and perfectly personal encounter, in which the weight of history is made light of and, in which the memories of a literary and historical past are intertwined with the painted gesture, giving rise to not only a revision of traditions but also experimentation. By combining legacy and innovation, imagination and reality and classical visions and futuristic visions, Rosalyn gives the viewer of her paintings the space in which to experience an alternative truth, that is subject to neither time or an expiration date. With a style that is strongly influenced and inspired by the aesthetics of Renaissance Italy, Elizabethan and Jacobean portraiture and 16th century Northern Europe style, her work also reflects the theatrical traditions of William Shakespeare. Together – and individually – it offers a window to a reality full of characters, who, despite their unique individuality, resonate deeply with their universal archetypes.
During this interview you will come to understand how a graphic artist, with extensive experience in the world of publishing, found herself being kidnapped by the anachronistic and timeless meticulousness of the fine arts. You will discover how the exquisite ambiguity present within her work allows you to travel to other times, inviting you to be seduced by the mystery of an unknown, which is, at same time, deliciously familiar. Rosalind also tells us, ahead of her solo exhibition, ‘Shadows, Counterfeits & Familiars’ – held in October 2022 at the Fosse Gallery – about her working methods during the build up to showing her work, why literature is so closely linked to her creative process, how her fascination with Elizabethan theatrical lavishness led her to be the artist-in-residence at Shakespeare’s Globe Theatre in London and how her work has come to be a bridge between the exquisitely anonymous and the inexorably public.
And now, enjoy the interview!Support the show
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Actriz | Creadora Teatral | Profesora de Drama
Pepa Duarte, nuestra invitada de esta ocasión, es una hacedora, creadora y forjadora teatral con un don para la provocación y un talento para la improvisación, imposibles de desestimar. Limeña de nacimiento (de un barrio llamado Barranco), Pepa vive desde hace una buena cantidad de años en Londres, ciudad desde la cual construye experiencias teatrales incómodamente reflexivas, politicamente divergentes, anticonformistas y anticolonialistas.Pepa es una fascinante cuenta cuentos, impregnados de humor critico. Una imparable gastadora de experiencias teatrales, que en torno a temas como la migración, el feminismo, las tradiciones y los conflictos de genero, crea espacios de dialogo cultural y puestas en escena que son siempre vitales reivindicaciónes de valores universales como la diversidad y la anti homologación. Desde que Pepa llegó a Londres para hacer un master de actuación y creación teatral en RADA (Royal Academy of Dramatic Arts), esta ciudad se ha vuelto su centro de operaciones creativas, permitiéndole a su vez volcar la mirada hacia problemáticas sociales de escala universal. Uno de sus personajes más populares, Señorita Rita, es una encantadora latina bio-drag-queen que se abre paso en el Reino Unido con subversivo humor feminista y con escalofriante información estadística acerca de temas como femicidio, racismo y discriminación. Por otra parte, la segunda temporada teatral de Eating Myself en Londres, fue un éxito de audiencias, y recibió excelentes comentarios por parte del la critica. Pepa es la autora y la actriz de esta obra que examina con gracia y con agudeza, la alienante relación que existe entre los cuerpos, sus apetitos, los roles de géneros y los estigmas sociales vinculados al alimento como símbolo de coherción social y de estatus. Esta obra pone de manifiesto de una manera incómodamente elocuente, la incidencia contradictoriamente complejo que juega la nutrición en nuestras vidas. Eating Myself es una obra que ha logrado además, diseminar un mensaje de relevancia universal, mas allá de las salas de teatro británicas, rindiendo palpable la fe que Pepa deposita en el teatro como herramienta de empoderamiento creativo.
Para el momento en el que esta entrevista fue llevada a cabo, en Londres, Pepa estaba a cargo de la dirección del Southwark Playhouse’s Young Company, era facilitadora de clases de drama para el Old Vic Theatre y Tender Charity y había liderado cursos de drama y creación teatral para King’s College, Latin American Women’s Rights Services y Routes, certificando con diversificadas acciones, su compromiso con la función inclusiva del teatro en la comunidad. Como creadora y como docente, para Pepa Duarte el teatro ha sido desde muy niña, una herramienta para la exploración y la discusión de la experiencia social, que permite reír, jugar, soñar, y al mismo tiempo, denunciar, transformar y resistir.
¡Y ahora, disfruten la entrevista!
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Episodes manquant?
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Poeta | Escritor | Antropólogo
Poeta, crítico literario y antropólogo, Alfredo Chacón es el especialísimo invitado de este, el episodio 52 de Metralla Rosa. Tal, y como es advertido al principio de esta entrevista, que tuvo lugar en el hogar de Alfredo en Caracas, esta es una conversación que se mece, entre la calidez y la espontaneidad de la tertulia afectiva, y el afán y la formalidad periodística, del siempre bienaventurado género de la entrevista de personalidad. Padre e hija, desnudan visiones, memorias, ideas y reflexiones, con la intención de encontrarse en el camino del medio, y reconstruir los trozos de una Venezuela atravesada por la narrativa pendular de dos generaciones.
Pausada, sosegada, profunda y generosa, la visión poética de Alfredo, uno de los pensadores menos encasillables de la historia cultural de la Venezuela moderna, se hace disertación atmosférica en este documento audiovisual, solo apto para audiencias con disposición para recorrer los espacios intermedios, y sin prisa por llegar a conclusiones excluyentes. Desde los días de su infancia en un caserío a orillas del rio Meta, en el Estado Apure, hasta su próxima obra sobre la poesía de los años sesenta en Venezuela, aun por ser publicada, pasando por un sin numero de proyectos literarios consumados, de visiones políticas progresistas, de venturosas gestiones culturales, y de experiencias transformadoras basadas en el afecto, Alfredo se pasea por la memoria de un país que siempre fue, y que sigue siendo, frondosa posibilidad vital, gracias a su compromiso incorruptible con la vida como obra y a la creación como aspecto irrenunciable de la vida.
Esta entrevista es un soplo de aire fresco que pone en evidencia cuan importante es la actitud que tenemos frente a los acontecimientos que nos alcanzan, y como el punto de vista es siempre un espacio de soberanía y una forma efectiva de resistencia. A sus 85 años, con un amplio curriculum de textos de poesía, de ensayos, critica literaria y gestiones culturales de envidiable éxito, Alfredo revela en esta conversación, cómo edificar una voluntad creativa fértil y longeva, tiene mas que ver con mantenerse interiormente abiertos, flexibles y permeables, que con la contención o el apoyo de los andamios institucionales de las supremacías sistémicas. Esta entrevista es un paseo por las posibilidades que habitan el compromiso genuino con el pensamiento, el arte y la cultura, con el ejercicio reflexivo de la existencia amena y con la vida como la manifestación inextinguible de la creación.
¡Y ahora, disfruten la entrevista!
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Butoh Dancer | Choreographer
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In Episode 51 of Metralla Rosa, Carla is in London, talking to Mai Nguyen Tri, a Franco-Vietnmese experimental Butoh dancer.
As a self labelled Zen Punk artist, Mai exploits her natural affiliation to water in order to give her gestural expressions a fluidity of movement that flow directly from her unconscious mind – a source deep enough to have provided her with twenty years worth of inspiration for her improvised performances. Butoh originated from 1950s post-war Japanese culture and, although Mai draws on the anti-stylised fluidity and slow, controlled movement of this relatively contemporary school of dance, she also honours the very specific social context of its birth by injecting her own experimental fantasy into her performances.
Mai left Brittany over thirty years ago, drawn to London by her fascination for English poetry, literature and culture, with Hackney Wick immediately becoming the base for her creative nest. It was in this eclectic and unorthodox side of urban London, her adopted city, that her soul finally found its home, where, from the moment she decided to put down roots, the contrasting sides of her expressive identity and artistic personality began to flourish.
The source of Mai’s inspiration fluctuates between the rebelliousness of London’s punk ethos and the minimalism of her zen heritage, and, with her background in literature and a keen interest in mental health, she has created her own, unique language that precedes her and defines her. She is curious and visionary and, as such, has collaborated with artists from various disciplines, including the reggae musician Clapper Priest, the multidisciplinary Xuân Sinden, the Afro-Irish poet Grassy Noel Macken and the ambient-noise bands Ampersand and Fear of Fluffing. However, and above all else, one of her greatest achievements, has been managing to remain uncompromisingly truthful and uncomfortably relevant in a city filled with commercial art, trendy newcomers and an insanely competitive cultural scene.
And now, enjoy the interview!
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Editor | Fotógrafo | Librero
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Los 50 años de esta emblemática casa editorial que contra viento y marea se ha mantenido de pie en un momento tan desafiante, no solo por la asfixiada realidad cultural que atraviesa Venezuela, sino por la crisis que aqueja universalmente al mundo del libro, se inició en noviembre 2023, con la presentación de los nuevos títulos de OT editores como parte de su colección de Poesía y de su colección de Narrativa. Y la celebración se extenderá hasta el 2024 con la presentación de los libros autobiográficos de Carsten Todtmann en la Asociación Cultural Humboldt de Caracas. Tres tomos titulados ‘Dos mundos’ I-II-III, publicados en español y en alemán, narran en clave de crónica-confesional, la vida de una familia de inmigrantes alemanes que se reintentaron en Venezuela, la historia social y política de un país petrolero en pleno auge modernista, y las conquistas culturales de un editor que se autodefine como un editor guerrillero y que Venezuela considera un editor insigne e ineludible.
Compartir con el mundo esta entrevista nos llena de esperanza por el futuro del libro en Venezuela, y celebrar la publicación de nuestro episodio número 50, en el marco de la celebración del año aniversario de los 50 años de Oscar Todtmann Editores, confirma que el engranaje perfecto de acontecimientos triunfa siempre, mas allá de las distancias geográficas, cuando permitimos que la pasión cultural y la fe en el legado del pensamiento humano nos determinen.
¡Y ahora, disfruten la entrevista!
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Journalist | Author
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Whether you are in love with riotous combinations of colour, curious about the physical phenomenon in which light is translated into clear and distinct chromatic tones, a scholar - or a novice - of chromotherapy, or completely oblivious to the interactive role that colour plays in the dynamics of our day to day communication, you will, in this interview, discover that it is possible to instinctively connect to a source of light, life and pure infinite energy, beyond the superficial observations we tend to make about colour. Momtaz has forged her own path when it comes to the discovery of colour and, along the way, she has discovered that not only is there an inner wisdom in her understanding of the colours that surround her, but also a vast ancestral legacy that she has dedicated herself to unearthing and sharing.
‘Hello Rainbow: Finding Happiness in Colour’ is the result of an excavation into the importance that various cultures have placed onto the ethereal powers attributed to colour. It is also an accumulation of years of personal experiences gained in organising walks, talks, group activities, exhibitions and events that have brought together anyone, of any age, who has a love for life, and who is, unsurprisingly, also in love with colour. Discover, in this interview, rituals that help you tap into the magical power of the sun, light and colour as well as how to become a hunter and collector of rainbows. Discover too, the seven fundamental aspects of Hello Hue, the colour theory developed by Momtaz that, from an anti colonialist point of view, challenges the colour theories developed and popularised by a Eurocentric white, male perspective.
And now, enjoy the interview!
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Cantante | Compositora
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Como vocalista todo comenzó con la agrupación afro peruana Malambo, luego pasó a ser parte fundamental de WARA, y mas recientemente su potente voz estuvo al servicio de dinamizantes proyectos cooperativos como London Afrobeat Collective y Animanz. Su arrolladora voz, su presencia decidida, enérgica y cautivadora, y sus variopintas influencias musicales que atraviesan un registro amplio y afortunado que no muchos cantantes pueden darse el lujo de honrar, hacen de Juanita una cantante difícil de pasar por alto. De hecho, en su recién estrenado primer álbum, Mabanzo, desde la rumba congoleña hasta el tango pasando por la cumbia, la salsa y el bolero coexisten, logrando una perfecta decantación de tantas y tan eclécticas influencias. En 2020 su sencillo ‘Alma Seca’ dió apertura a la tercera temporada de la serie Killing Eve, y a los días de haber sido finalmente lanzado el album al mercado, Elton John compartió en su programa de radio RocketHour el tema ‘Mboka Moko’ — una oda a sus memorias en el Congo.
No hay dos temas iguales en este album lleno de fusión y experimentación, y así como este show, Metralla Rosa, abraza la posibilidad de crear puentes entre el ingles, el español y el italiano, Mabanzo, el album debut de Juanita en solitario, también abraza el multi-lingualismo como parte de su identidad cultural y presenta un delicioso compendio de temas en español, en ingles, en francés y Lingala. En esta entrevista verás a dos hermanas afro descendientes y sudamericanas reír y llorar, embriagarse con sentimientos de revendicación femenina y feminista, y planificar acciones acertivas movidas por el deseo de habitar un mundo mas consciente, congruente y altruista.
¡Y ahora, disfruten la entrevista!
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Baterista | Diseñador de Sonido
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Junto a Stereophonics, banda que llegó a tener 7 álbumes en la posición numero uno en los billboards en Inglaterra y que le ha abierto giras a agrupaciones legendarias como los Rolling Stones y Oasis, Javier viajó el mundo entre los años 2004 y 2012. Como baterista es certero, agraciado, preciso y poderoso, sin embargo, sus ambiciones artísticas no le han permitido la indulgencia de gozarse únicamente las mieles que ser un instrumentista fuera del montón. Sus búsquedas artísticas le han permitido reinventarse desde múltiples ángulos, perspectivas y facetas de la creación musical. Como compositor, al mando de los botones de una cónsola, frente a una computadora o armado de un par de baquetas, Javier logra moverse siempre como pez en el agua, sobresalir y despertar admiración.
Incansable, estado de gira junto a Stereophonics, compuso y grabó “Lágrima” bajo el pseudónimo de Capitan Melao. Este su primer album en solitario vió luz en 2007, y fue este compendio de canciones de musicalidad poéticas y líricas muy personales, lo que le permitió reencontrarse con el español y colaborar con creadores musicales de la talla de Phil Manzanera, el guitarrista de Roxi Music y Natalia Lafurcade, aùn la voz femenina mas solvente de la escena indie mexicana. Javier no ha parado de crecer como músico y como creador de sonidos desde su llegada a Londres en 2001, de hecho sus clases magistrales de diseño de sonido han sido un éxito en Buenos Aires. Responsable de la banda sonora del film ‘El Yaque’ (2012), también dirigió la banda sonora de ‘Maradona en México’, la serie producida por Netflix (2020). En la actualidad, gerencia junto a un grupo de ingenieros y músicos de Londres, 5dbmedia, un espacio único en su estilo y oferta, creado con la intensión de generar oportunidades comunitarias para la conexión y el encuentro amigable entre músicos.
Javier en esta entrevista nos facilita un vertiginoso recorrido a lo largo de su excitante carrera y sin escatimar en opiniones polémicas acerca de la industria musical, nos ofrece también una refrescante y optimista visión de la vida y la creación.
¡Y ahora, disfruten la entrevista!
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Músico | Activista Cultural
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Desde muy joven Phaxsi es intérprete de instrumentos de viento tradicionales andinos, tales como los aerófobos de la familia de los Sikus, Quenas, Pinquillos y Tarkas, e incluso yendo en contra de supersticiones populares que mantenían a las mujeres alejadas de estos instrumentos, Phaxsi se especializó en su estudio y constante divulgación a lo largo y ancho del mundo. Fue parte de varias agrupaciones musicales como el Taller Boliviano de Musica Popular Arawi, del grupo de mujeres de música Latinoamericana Warmi y del movimiento cultural de música tradicional Sikuris sin Frontera. En 2002 formó parte del renombrado grupo Bolivia y entre 2003 – 2008 formó parte de instituciones musicales bien establecidas dentro del panorama musical boliviano como la Orquesta Musica de Maestros y Bolivian Jazz, ambos proyectos con estilos muy diferenciados entre sí, que le permitieron consolidar su adaptabilidad como músico invitado, y su evolución y aprendizaje constante como instrumentista de la escena folclórica regional. Sin embargo, el hecho mas trascendental y relevante de su carrera llegó con la creación de la agrupación de mujeres Comunidad Sagrada Coca, de la que fue directora desde su creación en el año 2003 y hasta el 2008. Este agrupación rescató música autóctona Aymara y Quechua con un gran afán investigativo, y replanteó de forma positivamente transgresora el rol de la mujer como intérprete de instrumentos de viento.
Asentada en Londres desde el 2008 y hasta el presente, Phaxsi es hoy por hoy integrante pilar de la agrupación de fusión de sonidos del mundo Lokandes, de la que su esposo, el conocido y carismático Kanti Qena es también integrante esencial. Por otra parte, también junto a su compañero de vida y de aventuras musicales, Kanti, y a su hijo Raymi – quien al momento de escribir este texto tenía solo once años- conforma la agrupación musical ‘Sagrada Familia’. Su vida privada y su vida pública ofrecen un orgánico homenaje al imperio cultural del cual Phaxsi se sabe heredera, mensajera y reina.
¡Y ahora, disfruten la entrevista!
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Born in Nairobi, the London based artist Julie Bloom grew up between Africa, Asia and Europe – or more specifically between Kenya, Hong Kong, Germany and the United Kingdom – and it is this concealed cultural diversity that can be found in both her work and personality, shaping her decidedly eclectic and modern visual language. Being the daughter of an architect and having been nurtured by such varied urban landscapes throughout her life, Julie explores an artistic language that is heavily influenced by the role architecture plays in the lives of those of us who allow ourselves to inhabited by the cities we inhabit.
Parallel to this, Julie tirelessly develops collections of work created with various media. Her body of work contains an incredibly fertile mix of abstract pop paintings and drawings inspired by the graphic language of geometric shapes, as well as prints and lithographs which she creates in limited editions. With a frankly enviable versatility, Julie also allows herself to flirt with figurative representations of iconic characters from the pop world, as can be seen in her series of urban landscapes inhabited by Marilyn Monroe.
An assorted amalgamation of influences in her work reveals a fascinating contrast between her admiration for the urban landscape and her thirst for nature, which is clearly derived from a life of travel and experiences in different parts of the world. In fact, the fusion of her life with her creative experiences can also be seen in her performances and interactions, in which she carries out an unapologetic and covert dialogue with the urban landscape, showing her work precisely where she wants it to be seen in the time honoured fashion of ‘guerrilla art’. In her work Julie not only reveals herself while hiding, but also plays at transforming herself as she dares to push the limits of art and its institutionalised conventions.
One of Julie’s most recent artistic projects are her fantastic Translations – Interactive experiences in which she creates images during a dynamic real-time exchange with her subjects, giving their words and emotions form and colour. Indeed, in this episode of Metralla Rosa you will watch and see the results of Julie’s ‘Translation’ of Carla’s very own stream of consciousness.
And now, enjoy the interview!
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Curadora de Arte
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Comenzó su carrera en el mundo del arte en el 2015 como Fine Art Consultant y como gerente de espacios de galería. Rápidamente pasó a ocuparse del desarrollo de la presencia digital de galerías en Artsy, una importante plataforma dedicada a la venta de arte. De hecho, tras coordinar el manejo virtual de casi 100 galerías en Europa, India y Estados Unidos, obtuvo una comprensión estratégica de los múltiples aspectos vinculados con el mercado del arte y sus protocolos, convenciones, y manejos políticos tras bastidores, que de otro modo le habría tomado años adquirir. También estuvo involucrada en London Collective brindando asistencias curatoriales privadas a Vortic.art y tuvo la oportunidad de desarrollar iniciativas de naturaleza humanitaria y ecologista dentro de la escena del arte global, como Parley Collective, por la limpieza de los océanos, y Reprieve Colective, por los derechos humanos.
Sin embargo, en materia de curaduría de arte, ningún acierto puede compararse con la satisfacción que para Elena significó concebir y desarrollar Female voices of Latin America: una exhibición virtual que logró convocar, y celebrar, el trabajo de más de 150 mujeres artistas vivas en la región, representadas por más de 60 galerías y museos. Esta ambiciosa exhibición virtual fue inaugurada el Día Internacional de la Mujer, el 8 de marzo del 2021, resultando ser la presentación más grande de artistas femeninas latinoamericanas en la historia. Diecinueve países respondieron a la convocatoria de Female Voices of Latin America, y entre las galerías y museos que participaron se incluyeron el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) en Colombia, el Museo Tamayo en México y el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC) en Costa Rica.
La respuesta de la prensa fue decididamente positiva no solo en Latinoamérica si no también desde importantes tribunas de cobertura informativa internacional como The Financial Times y, gracias a este episodio de Metralla Rosa, descubrirás porque Female Voices of Latin America ha sido para Elena la confirmación de que el arte y las visiones altruistas pueden ir de la mano.
¡Y ahora, disfruten la entrevista!
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With more than two decades of experience as a music producer and DJ, Chris Inperspective, our latest guest for this episode of Metralla Rosa, is the founder of Inperspective Records, Eloisa Records and Black Junglist Alliance.
Thanks to his ongoing stance against racism and his conviction that black artists must work to reclaim the importance of black culture in the history of the western world, Chris has constantly found himself in a position of being able to create musical experimentation and spaces in which the cultivation of quality and innovation are the only priority. With a successful career as an artist on the London Jungle and Drum’n’Bass scene Chris has, for many years, been an active voice within a movement that was born in the early nineties from the hearts and souls of young people living in primarily black and socially marginalised communities on the streets of the English capital. Culturally, these musical movements were responding to the limitations and anger arising from post Thatcher Britain, a spontaneous musical genre that promoted cultural diversity and social unification through dance. It was a musical scene that, with its priority of rhythm over melody and its acknowledgement of a musicality present within its sequences of accelerated breaks, inadvertently brought people together in their desire to positively destabilise the status quo in more ways than one.
Join us to explore the artistic journey of a DJ who has touched several generations with his music and to see how political and business decisions within major record labels and the music world affect the day to day reality of the international Jungle and Drum’n’Bass scene. In this interview, Chris and Carla discuss, amongst many other things, the lack of representation for black women on the British dance scene, how the necessity for him to self-manage and self-promote led to the creation of the Black Junglist Alliance and how his passion for discovering new and emerging talents has allowed Chris to face the future with optimism and a spring in his step.
And now, enjoy the interview!
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Adele Brydges’ ceramic creations sit perfectly and harmoniously at the crossroads between tradition and innovation. Her style and artistic projections live in a world that hovers between the tranquil inspiration of classical beauty and a vindictive voice that breaks the rules, whilst voluntarily placing itself in the absolute centre of the eye of a hurricane.Believing that Art can be therapeutic, pleasure can be healing and sex can be sacred, Adele creates dildos and other erotic toys that are eco-friendly and aesthetically refined, allowing you to explore the art of pleasure through creation. And by learning ancient techniques used to create durable, every day objects and applying them to her pieces made for self pleasure, whilst at the same time staying true to her own tastes and sensual preferences, she has elevated the creation of utilitarian ceramic pieces to a new level.
To be welcomed into one of Adele’s East London workshops is to be invited into her innermost sanctuary, an intimate and sacred space, and the generosity implicit in this inclusive and welcoming gesture creates an immediate sense of gratitude and respect. Whether attending couples workshops, mixed sex workshops, or female – and female identifying – only workshops, your experiences will be enormously liberating, revitalising and healing. They will encourage you to go on a journey that reconnects you with creativity and self-pleasure, whilst helping you recognise that both are intrinsically intertwined and that neither of these life experiences should be seen as a final destination or a specific goal. The pleasure of creating and, in turn, using creation as a means of exploring the erotic self, lies in the journey itself – one of constant and continuous exploration and which is, according to Adele, full of seeds that will readily erupt into flower. It is for this reason that Adele’s stunning pieces are such elegant symbols of power, well-being, worth and beauty that will shamelessly open the doors to pleasure.
Discover, in this interview, the connections between her creations, her childhood and her grandmother, what she feels her most successful collaborations have been and where she feels her future and current challenges lie, in the face of the conservative, patriarchal morality.
And now, enjoy the interview!
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For more than forty years, Sue Dray has been communicating with her art in many capacities and on many levels – starting as an illustrator for pioneering feminist publications such as Spare Rib and The Women’s Press, both now considered cult magazines and historical treasures, archived and faithfully preserved as study material by The British Library.
Throughout the 1980s, Sue illustrated book covers for renowned authors such as Fay Weldon and Margaret Atwood, put her talents to use illustrating cookbooks and magazines such as Gay News and Gai Pied, completed a master’s degree in art that led to her teaching at universities in the United States and produced some of her most personal work, inspired by her two young daughters. She has since drawn live alongside the catwalk during shows by designers such as Pam Hogg, Vivienne Westwood and Zandra Rhodes, illustrated behind the scenes for Andrew Logan‘s Alternative Miss World and appeared drawing backstage during the 2018 film 'Westwood: Punk, Icon, Activist'. Her style is a combination of strong lines, painterly textures and intense, contrasting colours. Yet, despite her constant search for evolution and change, these characteristics of her artistic language have remained intact since the beginnings of her prolific career, during the golden eighties.
Today Sue is regularly commissioned by magazines and designers for the drawings and sketches she creates during the unveiling of collections in all the major fashion capitals, throughout fashion season. In 2018 she was Fashion Scout‘s first resident artist for the Spring/Summer collection of London Fashion Week, during which we could see her standing in a sea of surrealism at her elegant easel, a mouth full of paintbrushes, surrounded by throngs of press photographers, all competing with her for the best images from each collection. Following an approach by Apple in 2015, she has also found time to experiment with digital drawing – a medium she has come to appreciate when working under the hectic conditions of fashion shows.
Last but not least, it is impossible to ignore the extent of her teaching experience: Sue has taught in the United Kingdom, Australia and the United States and was, for eight years, course leader of the Fashion Illustration Course at The London College of Fashion. She continues to contribute to this renowned institution as a guest lecturer, nurturing future generations of fashion artists with her vibrant teaching style and a faith in the arts that exudes life, spontaneity, authenticity and innovation.
And now, enjoy the interview!
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Músico | Cantante | Sanadora
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Hoy por hoy Luzmira es una cantautora de voz potente, de formidable presencia escénica y de fama y reconocimiento internacional. Le ha dado prácticamente la vuelta al globo terráqueo con su cuatro, y compartiendo su sensacional voz sin mezquindades, ni divismos, ni recelos. El mismísimo Manu Chao la invito a tocar junto a él después de escucharla cantar en el desierto, en un festival en Sahara Occidental, confirmándole que tenía una voz imposible de ignorar.
Con su agrupación Family Atlantica se presentó en un sin numero de escenarios internacionales, y grabó un par de álbumes que fusionan el folclore venezolano con sonidos del mundo europeo y africanos, tradicionales y contemporáneos. Estas grabaciones recibieron una excelente acogida por parte del público y de la crítica especializada.
Luzmira es madre, es hija, es hermana latinoamericana, es una mujer incansable desde el punto de vista artístico, pero sobre todo es músico en mayúsculas. Su interés por las raíces sonoras de su país natal, Venezuela, la han hecho urgar incansablemente en la trascendencia universal de ritmos y sonidos de la Venezuela profunda – como el Tamunangue – y en la importancia de conquistar audiencias globales sin renunciar a su expresión auténtica.
Descubre gracias a este episodio como Luzmira se ha convertido en la reina del folclore venezolano en Europa, y por que viajar de su pueblo natal directo a Londres fue lo mejor que pudo haberle sucedido al público de este lado del Atlántico.
¡Y ahora, disfruten la entrevista!
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Family Atlántica: Soundway Records | YouTube | Bandcamp | Facebook
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Artist
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Susan’s paintings – and subsequent limited edition prints of the paintings – are large format and high impact. They inevitably contain subliminal messages that, intentionally or not, seem designed to simultaneously awaken the troublemaker and the philosopher that lie within us all, awaiting patiently for some unexpected stimulus. Born in Montgomery, Massachusetts to a Polish father and Russian mother, Susan studied Fashion Illustration at the Boston School of Fashion and, shortly after, decided to travel around Europe before eventually settling in London, where she met Mark Charles who is, to this day, her accomplice in love and her closest creative ally. After years of dedicating herself to both music (with the rebellious electro-noise band Gobsausage) and fashion (with the highly successful glam-punk brand, Charles of London), Susan has returned, and is fully dedicated to, her former love of painting.
This episode is a walk through the life and work of an explosively creative mind, a colourful journey through the experiences of an artist who has lived a career full of adventure and fascinating stories, and through which you will be lovingly guided by Metralla Rosa.
And now, enjoy the interview!
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Actor | Writer | Director
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Born in the Amazon, in northern Brazil, Gaël is a writer, director and actress who moved to London at a young age, having already qualified with a degree in environmental biology. Once in London she did a masters in cultural studies and took a course that used theatre to teach English, thereby igniting her vocation as a storyteller and her desire to create in order to bring communities together with her art, which was often developed in close collaboration with organisations dedicated to defending the rights of women, young adults and migrants.
Skilled in the art of the monologue and widely recognised in London for her success as a one-woman-show, Gaël has not only played Frida Kahlo, Camille Claudel and Ana Mendieta, but also every female immigrant whose voice has been unjustly silenced. Despite her self-sufficiency as an artist and creator, Gaël’s strength lies in building alliances with other actors, activists and theatre companies and proudly assumes the mantle of representative to the community of Latin American migrants in the UK who fight against stereotypes that restrict, limit and pigeonhole us. The many obstacles she has come up against have only served to reinforce her need to develop her own theatrical style and defend her voice – and message – through thick and thin. Today Gaël continues to create a dignified reputation for herself within the world of international theatre and juggles to act, write and direct, whilst at the same time pass on the valuable lessons she has learned and which she knows she can translate into invaluable and constructive inspiration for future generations.
And now, enjoy the interview!
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DJ | Music Promoter | Events Producer
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Latin American music owes a large part of its diffusion, promotion and continuous celebration within London to Callum Simpson. Mostly known as Dj Cal Jader, he has been the driving force behind the emotions and very existence of Movimientos – a project created with two clear and distinctive intentions: To offer spaces for fun, dancing and joyful recreation and to create political resistance out of the cultural reaffirmation of diversity and differences.Emma Goldman, the well known anarchist and writer, once said ‘If I can’t dance to it, it is not my revolution’ and it is almost as if this has served as the inspiration for Movimientos’ creation of its solid artistic agenda, in which the right to be different is a fundamental part of its fight against the homogenisation of predominant cultures. Movimientos, in addition to being the most active and productive non-profit organisation dedicated to the creation of Latin American music events in the United Kingdom, is also the most interesting because it combines club culture with the promotion of the live music. Movimientos has, for years, offered support to emerging Latin American talent seeking exposure within London, while offering the more established names the opportunity to connect with British audiences by performing in the English capital.
Listen to this entertaining conversation in order to discover how a political student from the north of England and with Scottish roots ended up in love with Latin American music after taking an interest in South America’s political movements of the 20th century. Also discover what it has been like to co-produce Love Carnival, probably the best known and most fiery tropical party in the city, playing the musical fusions so loved by Cal. And finally, discover what it feels like to be a leading light of the scene he has embraced with his brotherly and multi-rhythmic beat, giving the Latin American diaspora his loyal support as well as his absolute commitment.
And now, enjoy the interview!
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Historiadora | Feminista | Escritora
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Desde la organización sin fines de lucro LAWA, Latin American Women’s Aid, ofrece ayuda y protección a mujeres y niños latinoamericanos que sobreviven condiciones de violencia doméstica – esta organización cuenta con el único refugio para mujeres y niños víctimas de abuso doméstico de este país y Europa creado por y para mujeres latinas. Desde LAWA dirije el programa Change Makers – The power of our Ancestors, creando así las condiciones idóneas para que mujeres lésbicas, transgénero, queer, negras, o de cualquier otra minoría étnica, se atrevan a resignificar su posición en la sociedad y a contar sus propias historias, sin miedo, y como un acto de reafirmación cultural, auto validación personal y disidencia política.
Su propia historia está llena de abusos y de luchas, pero también de formidables victorias auto gestionadas. Su voz tiene la autoridad y la ecuanimidad de quien ha logrado desafiar los obstáculos que los estados y las sociedad patriarcales siembran al paso de quienes son blanco certero para la perpetuación de modelos de poder corruptos, violentos y desiguales. Y a nosotros en Metralla Rosa nos fascinan especialmente las victorias de Jael vinculadas a su rol de editora y escritora, y sus invaluables contribuciones culturales como miembro de The Feminist Library, como fancinera impenitente, y como fundadora de Feminopraxis. Este último, un espacio digital creado para la discusión de los feminismo que Jael gestiona junto a otras tres autoras mejicanas, y desde el cual publica Militancias, una columna que debería ser lectura de rigor para comprender las disidencias feministas del mundo, con una mirada latinoamericana y en español.
¡Y ahora, disfruten la entrevista!
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Jael de la Luz: Instagram | YouTube
Feminopraxis: Website | Instagram
Latin American Women’s Aid: Website | Instagram
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Artista plástica
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Enriqueta Ahrensburg es la cabal personificación del artista que existe inmerso en el proceso creador y casi totalmente desapegado del resultado que su obra podría generar en el mundo que la co-crea. Es la personificación del artista que respira, vive y produce experiencias visuales consecutivas y continuas, con la única y genuina finalidad de preservar su esencia vital y su sanidad mental, y sin esperar necesariamente el aplauso o la validación de un mercado que no siempre se alinea con su proceso. Estando en un momento histórico en el que todos estamos reconciliándonos más que nunca antes con la existencia como espacio para la evolución y la transformación constante, y no como un destino repleto de certezas, nos pareció justo y necesario conversar con Enriqueta e indagar en su práctica artística, fecunda, íntima, vital y libre de compromisos de mercado y de etiquetas.De ascendencia alemana, Enriqueta nació, creció y se formó como artista en Venezuela, y hoy por hoy vive en Londres donde cada día de su vida se aferra con mayor sentido de fusión a su imparable producción plástica. Su lenguaje pictórico es abstracto y expansivo. Sus lienzos son un viaje que parte del caos, de una chispa inicial capaz de crear capas de materia física cuya comprensión no debe ser lineal ni vertical sino en espiral. Capas de geologías pictóricas en las que la materia, como la naturaleza, se entrelaza, se encuentra, se manifiesta y se hace presencia.
Por otra parte, sus dibujos realizados con el seudónimo Juana De Monch, ensamblan alegorías simbólicas repletas de eclécticas mitologías y arquetipos variopintos. De expresión figurativista, sus dibujos son sincréticas expresiones de cosmológicas en las que el Tarot, el folclor medieval, el ocultismo y la metafísica se unen para crear obras que podrían ser ilustraciones antiguas o estampillas provenientes de realidades paralelas. Bajo este alter ego, estas visiones mágico religiosas aterrizan, se circunscriben y dan vida a una de las facetas más prolíficas de su obra.
Este episodio de Metralla Rosa es un viaje hacia el mundo interior de una artista que a pesar de los obstáculos que supone la vida en la diáspora, y las limitaciones generales de la vida moderna, inhala inspiración y exhala creación todos los días de su vida. Esta conversación es un viaje hacia el corazón de una artista que crea por la misma razón que respira, y cuyas visiones de futuro están impregnadas de dinámicas humanas y convicciones del mercado del arte altamente revolucionarias.
¡Y ahora, disfruten la entrevista!
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