Episodes
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Esta semana Carlos Cano nos propone recordar el segundo disco de Dover, el mítico Devil Came to Me de la banda madrileña.
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Hay canciones que lo cambian todo, la vida de sus autores, la de sus intérpretes y la de los oyentes. En 1964 un experimento musical dio como resultado The Girl From Ipanema, una canción eterna que frenó la conquista mundial de los Beatles y que elevó la bossa nova a una nueva categoría.
Firmado por Stan Getz y Joao Gilberto, el disco cuenta también con Tom Jobim al piano, y autor también de las canciones, y presenta al mundo a Astrud Gilberto, la joven mujer de Joao. Astrud llegó de casualidad al proyecto y el éxito de los dos temas que cantó la convirtió en una estrella.
Esta semana invitamos al Sofá Sonoro a Arturo Lezcano para adentrarnos en la historia de este disco y de sus personajes para entender cómo se gestó este histórico disco y que supuso para sus intérpretes, que volvieron a coincidir en nuevos proyectos en los siguientes años.
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Missing episodes?
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En la fotografía a blanco y negro del disco se ve a un hombre en mangas de camisa y con corbata fina. Está sentado frente a un micrófono en una habitación que parece un sótano. En la pared hay un reloj inmenso y una carpeta con pinza. En la mesa, junto al micrófono, se ve un cenicero medio vacío, a su lado unas cerillas y un paquete. Mas allá hay un tocadiscos. La imagen es misteriosa, inquietante, hermosa. Arriba, con letra firme en color azul se le un nombre y un título. Donald Fagen. The Nightfly.
Tras media vida junto a Steely Dan, Donald Fagen grabó un disco en solitario. Un disco extraño, seductor. Nocturno y algo oscuro. En aquellas canciones, Fagen miraba con nostalgia a su infancia, a esos años 50 atenazados por el desastre nuclear y la Guerra Fría. Pero ese poso y esa mirada se van desarrollando a lo largo del disco en unas letras complejas que Fagen tardó ocho meses en terminar.
Aquel álbum poderoso fue disco de oro a comienzos de los años ochenta, en plena era de las estrellas del pop. Aquel logro resultó totalmente inesperado. Fagen no lo buscaba ni lo anhelaba. Él, que se había calificado de esnob del jazz, había triunfado conjugando pop y jazz con enorme maestría en una grabación compleja. Fagen tardó casi un año en dar por concluido el disco y después entró en una profunda crisis personal.
Donald Fagen no volvió a grabar un disco en 12 años. Su historia, como su música, resulta hipnótica. Hoy queremos recordar este The Nightfly, un trabajo que recorremos de la mano del periodista Fernando Neira y con los reportajes de Lucía Taboada.
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Las canciones de este episodio:
BCUC - Yinde
Big Bad Voodoo Daddy - Mr. Pinstripe Suit
Asagaya - In The Mountain of Bliss
The Attomic Fireballs - Man With The Hex
Los Mambo Jambo - La Rubia de la Curva
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Con Camino Soria, el primer disco de Gabinete Caligari en EMI, el grupo madrileño asaltó la banca y se convirtió en una de las grandes bandas de los años ochenta con unas canciones originales, frescas y que reclamaban las raíces españolas frente a las influencias anglosajonas y el modernismo de cierta ola de la Movida Madrileña.
Hay discos que captan un momento clave de una banda, una época de enorme inspiración donde todas las piezas encajan fácilmente, de una manera sencilla. Como por arte de magia. Tras un lustro intenso ese momento llegó para Gabinete Caligari con su disco de 1987. Treinta y tantos años después la obra culmen de Gabinete sigue teniendo fuerza y sonando de cine.
Camino Soria es en realidad un disco de ruptura, de desamor, una oda a los perdedores, a los que lo intentan y nunca lo consiguen. Sobre esas bases fueron tomando forma las canciones de un disco que también tiene espacio para los amigos caídos y para los poetas rotos. Las muertes de Uli, saxofonista de la banda, y de Eduardo Haro Ibars, que murió antes de que se editase el disco, dejaron su huella en este disco.
Cuando el álbum llegó a las calles, la carrera de Gabinete cambió de la noche a la mañana. Tras una década de duro trabajo en el underground musical, el grupo se abrió paso en las grandes ligas y comenzaron a actuar en las grandes plazas con un gira eterna y presencia constante en las radios.
Esta semana recordamos la historia de estas canciones y el contexto de este álbum de la mano de la periodista Arancha Moreno y con los reportajes de Lucía Taboada.
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Hay pocos artistas que hayan tenido la habilidad, la capacidad y el talento para cambiar el rumbo de la música. Entre 1959 y 1960 Miles Davis, Bill Evans y John Coltrane y lo hicieron dos veces. Juntos con Kind of Blue y por separado. Coltrane con Giant Steps y Evans con sus Portrait in Jazz.
Ocho meses del monumental Kind Of Blue, Bill Evans volvió a un estudio de grabación junto a al bajista Scott LaFaro y él batería Paul Motian e hicieron un disco mágico en el que cabe todo y que retrata todo.
¡El pianista reinventó el sonido del trío en el jazz poniendo todos los instrumentos en primer plano y con un peso equitativo, un experimento sonoro que nació sin ensayos y que se basa en el enorme talento de los músicos y en su capacidad de conectar, responder y conectarse al sonido que iban creando. Por desgracia el trío de Evans no duró mucho, poco después de empezar a rodar, en julio de 1961, Scott LaFaro murió prematuramente. A pesar de ello el legado sonoro de estos tres músicos es enorme y figura entre lo más destacado de la apabullante discografía de Bill Evans, protagonista del episodio de esta semana al que invitamos al periodista Fernando Navarro.
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Las canciones de este episodio:
Zé Ramalho - Negro Amor
David Bowie - Amsterdam
Rosalía - I See a Darkness
Nina Simone - Ne Me Quitte Pas
Mayssa Karaa - White Rabbit
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El año 2017 fue un año aciago para la música. Ese año nos dejaron figuras mayúsculas como Chuck Berry, Gregg Allman, Chester Bennington, Glen Campbell, Tom Petty, Fats Domino o Malcolm Young. Ninguno congregó a tanta gente en su adiós final como Johnny Hallyday. Casi un millón de personas acompañaron su cuerpo sin vida por los Campos Elíseos de París para despedir a un ícono francés. Una leyenda que moría a los 74 años y que vivió cada uno de ellos como si fuese el último ya fuese pisando el acelerador de su deportivo como esnifando hasta la última raya.
Hallyday representó mejor que nadie ese ideal del rock de vivir de deprisa y morir joven, pero vivió demasiado para esa máxima y su carrera y su figura se instalaron en una montaña rusa que tanto le subía al cielo de lo música como lo convertía en un paria, en algo obsoleto pasado de moda. Pero Johnny siempre volvía, se reinventaba y cuando no sabía qué hacer copiaba alguna nueva moda. Muchas de esas jugadas le salieron bien y su legado fue enorme.
Johnny coleccionó excesos, deportivos, mujeres, amantes, depresiones, pero sobre todo fue un hombre de escenarios. Nadie giró más que él o al menos nadie giró como lo hizo él. "En el escenario me evado. Estoy en mi propio mundo, puedo hacer de todo. Ya no soy yo mismo. No estoy allí. Olvido quien soy e intento interpretarme. Me da la confianza que no tengo como persona cuando no trabajo. Olvido quién soy en la vida real”, contaba Johnny en el documental de Netflix.
La carrera de Johnny Hallyday no tiene comparativa, Johhny lo hizo casi todo y fue único intentando ser otros. El adolescente que empezó copiando a Elvis y luego a las bandas inglesas, acabó siendo algo inimitable. Con una voz potente, unos profundos ojos azules y su melena rubia, Hallyday se comió Francia y también el mundo. Se puede decir que no inventó nada o que no fue el mejor en nada y sin embargo esto no quizá un ápice de mérito a su carrera. Hoy queremos recordar parte de su viaje y hemos puesto el ojo en Rivière Ouvre Ton lit su disco de 1969, un trabajo que se mueve entre el blues rock y la psicodelia de la época y que fue uno de sus trabajos más ambiciosos. Para recordar la obra de Johnny y sus canciones nos acompañan el músico Igor Paskual y Lucía Taboada con sus reportajes.
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Rickie Lee Jones es una artista que ha hecho de todo. Desde sus días de camarera en el Troubadour de Los Ángeles, hasta su merecido estatus de maestra de la canción. Su carrera y su vida han transitado mil caminos y por ese viaje ha retratado personajes de todo tipo.
Jones es una mujer difícil de calificar. En su música hay riesgos y aventuras. A lo largo de los años ha hecho discos de pop, de folk, de jazz e incluso de electrónica y a veces lo ha mezclado todo. Su discurso, además, resulta interesante. Hoy queremos sentar en el Sofá Sonoro un disco que es apabullante y también una locura. Con The Sermon On Exposition Boulevard, la cantante y compositora creó un álbum diferente que registró en una exposición y adaptando a canciones los textos del libro The Words, de Lee Cantelon, un proyecto que buscaba adaptar las palabras de Jesucristo para audiencias modernas.
Partiendo de esta premisa, Jones se sumerge en un mundo fascinante que retrata ideas y sentimientos que se distancias de sus trabajos habituales. Con este disco, Jones dio un paso más en una dirección desconocida y puso a la crítica a sus pies rendida a la carrera de una mujer todoterreno que en este trabajo subió la apuesta. Para recordar estas canciones y esta historia nos acompañan Toni Castarnado y Lucía Taboada.
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Hay pocos músicos que hayan dejado una huella tan profunda, siendo tan distantes, como Morrissey, un artista capaz de arañar el alma con sus canciones. Tras una breve etapa con The Smiths, en la que marcó el rumbo de la música inglesa de sus años, Morrissey emprendió un viaje en solitario, un viaje marcado por sus siempre polémicas declaraciones y sus casi siempre tremendas canciones. Hoy vamos a aparcar al misántropo para recordar al músico sensible que hace veinte años editó Are You The Quarry, uno de los discos más recordados de aquel año.
En 2004 Morrissey regresó a las tiendas tras siete años de silencio discográfico. A sus 45 años, Morrissey era ya un hombre maduro con una carrera fascinante que se remontaba tiempo atrás y que parecía que ya no tenía que demostrar, sin embargo el cantante y compositor entregó un álbum intenso, hermoso y poderoso que era de lo mejor de su carrera, aquel disco llegó a una Inglaterra muy diferente de la de sus inicios.
Sara Morales nos acompaña por la historia, contexto y canciones del regreso de Morrissey.
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Las canciones de este episodio:
Malcolm Holcombe - Pitiful Blues
Motorama - To the South
Lukas Nelson - Carolina
Anna Ash - Righteously
Matthew E. White - One of These Days
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Astral Weeks, el segundo disco de Van Morrison es una de grandes obras maestras de la música. Una religión para músicos como Bruce Springsteen. Un disco marcado por la mafia, la presión extrema y la seguridad de un chico de Belfast de 22 años que estaba convencido en las canciones que quería hacer, aunque nadie las quisiera escuchar.
Cuando Van Morrison llegó al número 1 cantando Brown Eye Girl parecía que el viento soplaba a su favor, todo lo que pasó en los siguientes meses fueron golpes y más golpes. Muertes, demandas, negociaciones con matones, intentos de deportación, una boda fugaz y una huida a Boston para un nuevo comienzo. Tras esquivar mil obstáculos, Morrison terminó un disco que no gustó a nadie pero que es parte del maravilloso legado musical de los años sesenta.
La historia de Astral Weeks lo tiene todo y fue el primer trabajo del músico de Belfast para Warner, un sello que quería fichar a la nueva estrella del pop y que se llevó a casa un viejoven huraño y estraño que hacía canciones próximas al jazz y que nadie entendía.
Pero todos estos riesgos, miedos y obstáculos quedaron en nada con el paso del tiempo, cuando el disco de Morrison fue ganando peso y erigiéndose como un álbum mayúsculo, hermoso y poderoso, como una obra maestra de la música popular de los años sesenta. Esta semana invitamos al periodista Fernando Neira a recorrer esta joya de la música.
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Las canciones de este episodio:
Richard Hawley - Tonight the Streets are Ours
Jarvis Cocker - Aline
Jacques Dutronc - Et Moi Et Moi Et Moi
Pretenders - I Hate Myselft
Blackberry Smoke - Little Bit Crazy
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El 9 de octubre de 1973 murió Sister Rosetta Tharpe. Apenas nadie acudió a su funeral y nadie puso dinero para una lápida en condiciones. Rosetta llevaba una década malviviendo en un piso barato con una pierna amputada y sin apenas visitas. Así fue el final de una de las mujeres más importantes de la historia de la música.
Cuando el mundo se volvió loco con el rock and roll a finales de los años cincuenta, Sister Rosetta llevaba 20 años tocando una Gibson E150 y haciendo una música que partiendo del góspel, el jazz y el blues había llevado en una dirección que bien se podría identificar como rock and roll. Aquella mujer que sonaba en las radios de las casas de los chicos negros y blancos fue la maestra de la siguiente generación.
Medir hoy en día el legado de Rosetta es complicado, quizá la forma más adecuada es seguir el rastro de sus seguidores más apasionados. El Elvis adolescente la adoraba, Buddy Holly la era su fan número uno. Little Richard dio su primer concierto nocturno junto a ella y Chuck Berry se llegó a calificar como el mejor imitador de Sister Rosetta. Cuando Johnny Cash ingresó en el salón de la fama del rock en su discurso recordó a la gran maestra de los pioneros con un gran tributo.
Medio siglo después de su muerte esta semana queremos recordar a esta pionera en el Sofá Sonoro y lo hacemos recordando su vida y sus canciones de la mano de Mario Tornero y Lucía Taboada.
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Las canciones de este episodio:
No Repl- Jesucristo García
Miki Hirayama Denshi Lenzi
Mei Semone- Inaka
Ezra Furman - Forever in Sunset
Sarah Shook - Motherfucker
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En la música abundan los hermanos. Los hermanos cabrones. Los que se odian, insultan y compiten. Los lazos de sangre que han impulsado el rock. Los Davies, los Gallagher, los Knopfler o los Allman. Luego están ellos, los Young, los exiliados escoceses que crecieron marginados en Australia y que se conjuraron para vivir siempre por y para el rock and roll. George, Malcolm y Angus crearon ACDC y convirtieron esa banda en la más grande del rock y siguieron juntos, hermanados. Hasta que, como los buenos matrimonios, la muerte los fue separando.
ACDC irrumpió en la música con la idea de ir a por todas, de no dejarse nada dentro. En 21 meses grabaron sus cuatro primeros discos y luego llegaron a Europa y más tarde a EEUU para comerse el mundo. Cuando mejor estaban, cuando tras mucho trabajo, las cosas se ponían de cara, murió su cantante. “Al principio no sabíamos qué hacer, no queríamos a nadie que lo imitase, cuando Brian apareció nos voló la cabeza”, contaba Angus en una entrevista de la época.
La muerte de Bon Scott llegó con la banda irrumpiendo en EEUU, país que conquistaron a base de giras y más giras. "En un año hicimos más que los Rolling Stone en toda su carrera", bromeaba el grupo. A pesar del duro golpe, ACDC se levantó rápido. Unos meses después de la muerte de Scott volvían al estudio junto a su nuevo cantante para grabar Back in Black, su tributo al amigo caído.
Con aquel disco los hermanos Young tocaron el cielo, vendieron millones de copias impulsados en parte por el morbo y en parte porque habían firmado una colección de canciones que se ganarían la eternidad y que pasarían a ser recitadas de memoria.
Esta semana dedicamos el Sofá Sonoro a recordar esa historia y esas canciones de la mano de Toni Castarnado y Lucía Taboada.
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Las canciones de este episodio:
Charles Bradley - Changes
Bobby Womack - Somebody Special
Fantastic Negrito - Black Hole Sun
Angel Olsen - Big Time
Mon Laferte - Tu falta de querer
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El año 2004 nos dejó una tremenda colección de discos que en los próximos meses cumplirán su vigésimo aniversario: Arcade Fire, The Killers, Wilco, Interpol, Tom Waits o Nick Cave.
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Lucía Taboada recorre los inicios del músico gallego hasta el final de Deluxe.
Escucha el episodio dedicado a Atlántico de Xoel López
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Esta semana no hay programa con motivo de los Goya así que recuperamos este Sofá Sonoro que dedicamos al 'Básico' de Antonio Vega junto a Arancha Moreno y Lucía Taboada.
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