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En este episodio, se habla del entrañable vínculo creativo entre directores y actores.
Natalia Beristáin es una reconocida directora mexicana de cine y televisión con más de veinte años de trayectoria. También ha trabajado como directora de casting en más de veinticinco producciones, entre ellas: El violín, de Francisco Vargas, 600 millas, de Gabriel Ripstein, Abel, de Diego Luna, y La jaula de oro, de Diego Quemada-Diez. En 2012, presentó en Rotterdam su ópera prima No quiero dormir sola, ganadora del Premio a Mejor Largometraje Mexicano en Morelia. También dirigió las películas Los adioses y Ruido, esta última estrenada en el Festival de San Sebastián en 2023. En su filmografía, sostenida por grandes actuaciones y personajes sensibles, ha retratado a artistas inmersas en contextos sociales y políticos que desafían su relación con el cine, la literatura y el arte.
Por otro lado, Alice Braga es una de las actrices brasileñas más reconocidas internacionalmente. Debutó en 2002 como una de las protagonistas de Ciudad de Dios, de Fernando Meirelles, una obra que se ha convertido en uno de los principales referentes de la nueva ola de cine latinoamericano del siglo XXI. Su papel en la película de ciencia ficción Soy leyenda, de Francis Lawrence, le abrió las puertas a la industria norteamericana. Desde entonces ha participado en películas y series dirigidas por directores como Luca Gudagnino, Robert Rodríguez y James Gunn. También ha colaborado con directores de Latinoamérica como Walter Salles, Pablo Frendrik y Felipe Braga.
Natalia y Alice se reúnen aquí para hablar de cómo reconocieron su vocación artística y su pasión por la actuación.
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En este episodio, se habla de algunos de los problemas estéticos más importantes del cine y del arte contemporáneo.
Alejandra Moffat es una guionista y escritora chilena. Ha sido coguionista de importantes películas recientes de su país como: 1976, de Manuela Martelli; La casa lobo y Los hiperbóreos, de Joaquín Cociña y Cristóbal León, y Cuando las nubes esconden la sombra, de José Luis Torres Leiva–películas presentadas en escenarios como la Quincena de Cineastas de Cannes, la Berlinale, Jeonju y San Sebastián. Ha participado en la escritura de proyectos de cine experimental, documental y animación, en los cuales el guion se desarrolla de manera paralela a la producción. En 2022, publicó su primera novela, Mambo.
Por otro lado, Juan Cárdenas es un escritor colombiano, autor de siete novelas y dos libros de relatos como Los estratos, Zumbido, Ornamento y Elástico de sombra. En 2018, fue seleccionado como parte de Bogotá 39, del Hay Festival, y en 2019 obtuvo el Premio de Narrativa José María Arguedas por su novela El diablo de las provincias. En su obra, caracterizada por mezclar registros lingüísticos diversos, narrativa y ensayo, ha revisado de forma crítica y aguda cierta tradición artística, literaria y política de su país, para ofrecer una lectura punzante del presente. Ha traducido obras de William Faulkner, Nathaniel Hawthorne, Eça de Queirós y Machado de Assis. Su más reciente novela es Peregrino transparente.
Alejandra y Juan se reúnen aquí para hablar de su interés en el cine y de las políticas que hoy rigen el mercado cinematográfico y literario.
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En este episodio, se habla de la representación del cuerpo y la sexualidad en el cine.
Gustavo Vinagre es un director brasileño que en 15 años de carrera ha dirigido una veintena de cortometrajes y largometrajes con estilos muy distintos. Es uno de los más importantes exponentes contemporáneos del cine LGTBI de Brasil. Desde la ficción y el documental ha retratado personajes cuir con quienes ha construido obras en contra de la estigmatización del VIH, las personas trans y la homosexualidad. En 2023, su sexto largometraje, Tres tigres tristes, obtuvo el Teddy Award de la Berlinale a Mejor Largometraje de Ficción. Sus películas se han presentado en escenarios como Rotterdam, IDFA y Cinéma du Réel.
Por otro lado, Anahí Berneri es una directora argentina con veinte años de trayectoria en cine y televisión. En 2005, su ópera prima Un año sin amor se estrenó en el Panorama de la Berlinale y obtuvo el Teddy Award a Mejor Largometraje de Ficción. A esta misma sección del festival regresó con su segundo largometraje Por tu culpa. En su filmografía reciente ha retratado con gran realismo personajes femeninos que cuestionan temas como la maternidad, la abolición del trabajo sexual y la violencia de género. Ha hecho parte de la competencia oficial de San Sebastián en tres ocasiones y fue la primera directora latinoamericana en ganar la Concha de Plata a Mejor Dirección por su largometraje Alanís.
Gustavo y Anahí se reúnen aquí para hablar de su relación con la escritura y el montaje y la construcción de sus personajes.
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En este episodio, se habla de la relación entre escritura y montaje.
Soledad Salfate es una montajista chilena con 25 años de carrera y más de treinta películas editadas. Inicialmente, trabajó con Alicia Scherson y Rodrigo Sepúlveda, y se convirtió en una frecuente colaboradora de Sebastián Lelio, de quien editó Navidad, Gloria y Una mujer fantástica, ganadora del Oscar a Mejor Película Extranjera. Además de trabajar con otros reconocidos directores de su país como Fernando Guzzoni, Cristián Jiménez y Alejandro Fernández Almendras, su experiencia también comprende obras de Panamá, Costa Rica, México y Colombia como: Plaza Catedral, de Abner Benaim; Delirio, de Alexandra Latishev; Pedro Páramo, de Rodrigo Prieto, y Horizonte, de César Augusto Acevedo, estas dos últimas estrenadas en el Festival de Toronto.
Por otro lado, Alejandra Márquez Abella es una directora mexicana con quince años de experiencia en cine y televisión. En 2015 presentó en Toronto su ópera prima Semana Santa, y tres años después allí mismo estrenó Las niñas bien, por la que obtuvo el Premio a Mejor Película Iberoamericana en Málaga y catorce nominaciones a los Premios Ariel. A través de su filmografía, que parte del naturalismo y ha adoptado un carácter cada vez más expresionista, ha cuestionado la superficialidad de la élite mexicana, el lugar de las mujeres en una sociedad machista y el concepto de familia. En 2023, estrenó en el Panorama de la Berlinale su tercer largometraje El norte sobre el vacío, ganador del Premio a Mejor Película Mexicana en el Festival de Morelia y en los Premios Ariel.
Soledad y Alejandra se reúnen aquí para hablar de su interés por evidenciar el artificio en sus obras y de la importancia del sonido en el proceso de edición.
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En este episodio, se habla de la relación del cine con la memoria.
José Luis Torres Leiva es un director chileno con más de dos décadas de trayectoria y una de las voces más prolíficas y singulares de su país. Entre cortometrajes, largometrajes, documentales, ficciones y trabajos híbridos, es autor de casi una veintena de obras que abordan, de forma emotiva, asuntos como el duelo, la soledad y la vida rural.
Su filmografía, de carácter melancólico y casi siempre protagonizada por personajes femeninos, ha hecho parte de las principales competencias de festivales como San Sebastián, Rotterdam y Venecia. Recientemente, estrenó en Jeonju Cuando las nubes esconden la sombra, protagonizada por María Alché.
Por otro lado, María Aparicio es una directora argentina, que en menos de diez años ha ocupado un lugar significativo en el cine de su país. Sus películas, ubicadas en contextos precisos como Córdoba o La Patagonia, son el vehículo para reflexionar sobre la palabra, el cine mismo y la vida diaria.
Ha dirigido Las calles, Sobre las nubes y Las cosas indefinidas, exhibidas y premiadas en festivales como BAFICI, Mar del Plata, Marsella, FICUNAM y Gijón.
José Luis y María se reúnen aquí para hablar de las emociones que puede provocar el cine y de la decisión de trabajar bajo pequeños esquemas de producción.
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En este episodio, se habla del cine como una intensa pulsión personal.
Lila Avilés es una directora mexicana que debutó en 2018 con La camarista, película seleccionada en los festivales de Toronto, San Sebastián, BFI y Morelia, nominada a los Premios Goya y merecedora de nueve nominaciones y una estatuilla de los Premios Ariel. En 2023, presentó su segundo largometraje, Tótem, como parte de la Competencia Oficial de la Berlinale, donde obtuvo el premio del Jurado Ecuménico y luego fue seleccionado en festivales como San Sebastián, Toulouse y Telluride. Con aguda sensibilidad, sus películas logran exponer la vitalidad, la riqueza narrativa y la intimidad de universos mínimos.
Por otro lado, Laura Citarella es una directora y productora argentina, cofundadora de El Pampero Cine, una de las productoras más prolíficas en Argentina y cuyo trabajo ha sido presentado y premiado en festivales como Rotterdam, Locarno, Venecia y la Quincena de Cineastas de Cannes. Ha producido películas como La flor e Historias extraordinarias, de Mariano Llinás; Por el dinero y Castro, de Alejo Moguillansky, y sus propias películas como directora: Ostende, La mujer de los perros, Trenque Lauquen y El affaire Miu Miu, obras en las que juega con la construcción del misterio y la ficción.
Lila y Laura se reúnen aquí para hablar de su relación con la producción como directoras y de su interés en la creación cinematográfica desde la intuición.
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Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.
En la séptima temporada de Encuentros conversan Lila Avilés + Laura Citarella, José Luis Torres Leiva + María Aparicio, Alejandra Márquez Abella + Soledad Salfate, Gustavo Vinagre + Anahí Berneri, Alice Braga + Natalia Beristáin y más.
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En este episodio, se habla del cine como un arte ligado a la intimidad y la memoria.
Hernán Rosselli es un crítico, director y montajista argentino. Es creador y editor de la publicación de cine Las Naves, realizada en colaboración con la revista alemana Revolver.
En 2014, su ópera prima Mauro fue seleccionada en el Festival de Rotterdam y reconocida en el BAFICI con el Premio Especial del Jurado y el Premio FIPRESCI de la Crítica Internacional. En 2018, presentó allí el documental Casa del teatro y, recientemente, estrenó su tercer largometraje Algo viejo, algo nuevo, algo prestado en la Quincena de Cineastas de Cannes.
Desde hace 20 años trabaja como montajista y ha colaborado en películas argentinas como Adiós a la memoria, de Nicolás Prividera, y Qué será del verano, de Ignacio Ceroi.
En entrevista con la programadora italiana Eva Sangiorgi, Hernán habla de su interés por el cine negro, el material de archivo y el montaje como un prolongado proceso de reescritura.
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En este episodio, se habla de la necesidad de escapar del realismo como convención del cine actual.
Nele Wohlatz es una directora y guionista alemana que vivió doce años en Argentina. Allí realizó algunos cortometrajes y su primera película en codirección con Gerardo Naumann, Ricardo Bär, presentada en BAFICI y luego en FIDMarseille.
En Buenos Aires también rodó su primera ficción en solitario, El futuro perfecto, que obtuvo el Premio a Mejor Ópera Prima en el Festival de Locarno en 2017. A partir de recursos del documental y la ficción, Wohlatz se ha preguntado en su filmografía por las limitaciones del lenguaje, la mirada extranjera y la construcción de la identidad de personajes migrantes. Su segundo largometraje, Dormir con los ojos abiertos, rodado en Brasil, se estrenó en la Competencia Encounters de la Berlinale, donde obtuvo el Premio de la Crítica FIPRESCI.
Por otro lado, Rodrigo Moreno es un director y guionista argentino con treinta años de experiencia. Fue parte del Nuevo Cine Argentino y colaboró en largometrajes colectivos como Historias breves, Mala época y El descanso.
En solitario dirigió las ficciones El custodio y Un mundo misterioso, ambas estrenadas en la Competencia Oficial de la Berlinale y con la primera obtuvo el Premio a Mejor Ópera Prima en 2006. En su filmografía, de narrativas aparentemente mínimas, emergen preguntas sobre el trabajo, el tiempo y el placer.
En 2023, presentó Los delincuentes en la sección Una cierta mirada del Festival de Cannes, una obra personal, lúdica y libre que reinventa las películas de atracos. Con ella obtuvo importantes premios en San Sebastián, Chicago, Ghent y Filadelfia.
Nele y Rodrigo se reúnen aquí para hablar del quehacer cinematográfico a partir de los esquemas y los medios de producción.
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En este episodio, se habla de la necesidad de cuestionar la formación cinematográfica y los paradigmas que allí se instalan.
Niles Atallah es un cineasta y artista visual chileno-norteamericano, cuyo trabajo ha comprendido largometrajes, cortometrajes, videoinstalaciones y obras de realidad virtual.
Junto a Joaquín Cociña y Cristóbal León, fundó en 2009 el colectivo Diluvio con el que han creado obras de ficción y animación fuera de los estándares tradicionales de producción. Su ópera prima, Lucía, se estrenó en San Sebastián y su segundo largometraje, Rey, obtuvo el Premio Especial del Jurado de Rotterdam. Allí regresó recientemente para presentar su nuevo largometraje, Animalia Paradoxa.
Por otro lado, Elena Pardo es una artista y cineasta mexicana que ha explorado formatos como la animación, el documental, la videoinstalación y el performance.
Es cofundadora del Laboratorio Experimental de Cine-LEC, con quienes ha trabajado por más de diez años en la divulgación, producción y programación de cine experimental en formatos fílmicos. Su más reciente trabajo, Nanacatepec, codirigido con Azucena Losana, se estrenó en el Forum Expanded de la Berlinale.
Niles y Elena se reúnen aquí para hablar de la experimentación como una forma natural de aproximarse al cine y reclaman que sean aceptadas nuevas formas de crear.
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En este episodio, se habla de la escritura y la dirección de cine como oficios profundamente íntimos y emocionalmente demandantes.
Ana Cristina Barragán es una joven y prolífica directora ecuatoriana reconocida internacionalmente por su ópera prima Alba, película que obtuvo el Lions Award en el Festival de Rotterdam y el Premio de la Crítica FIPRESCI en Toulouse. En poco más de diez años, ha dirigido varios cortos y dos largometrajes que se han presentado en escenarios como Locarno, San Sebastián, Toronto y Thessaloniki. En sus obras ha retratado, de manera inquietante y en ocasiones sombría, experiencias íntimas de niñas y adolescentes que se enfrentan por primera vez a la muerte. Alba y La piel pulpo, su segundo largometraje, obtuvieron nominaciones al Goya a Mejor Película Iberoamericana.
Por otro lado, Sofía Quirós Ubeda es una directora y guionista de Costa Rica. Su cortometraje Selva y su ópera prima Ceniza negra fueron las primeras obras seleccionadas de su país en la Semana de la Crítica de Cannes. Su largometraje también fue nominado al Goya como Mejor Película Iberoamericana. A través de una forma poética, Quirós ha creado atmósferas en las que el mundo espiritual dialoga con el mundo material. La sensibilidad y el deseo de sus personajes femeninos permean el entorno natural que las rodea. Su cortometraje más reciente, El silencio de los niños, se estrenó en la Competencia Latinoamericana del Festival de Mar del Plata.
Ana Cristina y Sofía se reúnen aquí para hablar de los aprendizajes que representaron sus primeros largometrajes y los desafíos de sus próximos proyectos.
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En este episodio, se habla de las imágenes cinematográficas como materia y como espectros.
Alberto Gracia es un director, escritor y artista español. Es uno de los nombres más sobresalientes del llamado Nuevo Cine Gallego, aunque se ha desmarcado del mundo rural que éste suele retratar. Ha dirigido los largometrajes El quinto evangelio de Gaspar Hauser, La estrella errante y La Parra, películas estrenadas en la selección oficial del Festival de Rotterdam, donde obtuvo el Premio de la Crítica FIPRESCI por su ópera prima. Es autor del libro Microfugas, teoría y juego de la profanación, un ensayo que cuestiona la representación de la realidad en el arte contemporáneo.
Por otro lado, Theó Court es un director chileno de ascendencia española. Su cortometraje El espino fue seleccionado en la Cinéfondation del Festival de Cannes y su ópera prima, El ocaso, se estrenó en 2011 en el Festival de Rotterdam. Court ha explorado de manera aguda las tensiones coloniales que conforman los cimientos de la sociedad chilena y ha explorado las cualidades plásticas de la imagen para hacer visible la fabricación misma de las películas. Su segundo largometraje, Blanco en blanco, recibió el Premio a Mejor Dirección y el Premio de la Crítica FIPRESCI en la sección Orizzonti del Festival de Venecia.
Alberto y Théo se reúnen para hablar de la necesidad de suscitar con sus películas reflexiones sobre la manipulación de las imágenes.
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En este episodio, se habla del oficio actoral como una búsqueda permanente por suspender el tiempo.
Luis Gnecco es un actor chileno con una amplia trayectoria en teatro y televisión desde los años 90. En la última década, su versatilidad ha sido reconocida internacionalmente por colaborar con importantes directores latinoamericanos como Rodrigo Sepúlveda, Fernando Meirelles y Carlos Carrera. En Neruda, de Pablo Larraín, y El bosque de Karadima, de Matías Lira, interpretó a dos conocidos y polémicos personajes de la historia chilena, suscitando interesantes discusiones sobre la ficcionalización de la realidad y la representación del horror.
Por otro lado, Esteban Bigliardi es un actor argentino con una filmografía diversa en registros dramáticos. Su trabajo con directores como Lisandro Alonso, Romina Paula, Alejandro Fadel y María Alché, le ha permitido explorar géneros tan distintos como el drama familiar, el thriller, narrativas experimentales e incluso el terror.
En el último año, protagonizó Los delincuentes, de Rodrigo Moreno, y La práctica, de Martín Rejtman, estrenadas en Cannes y San Sebastián. También hizo parte de La sociedad de la nieve, de J. A. Bayona, estrenada en Venecia y nominada al Oscar a Mejor Película Extranjera.
Luis y Esteban se reúnen aquí para hablar de la espera como una experiencia que atraviesa su oficio y reivindican la libertad de la creación actoral.
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En este episodio, se habla de la escritura como un ejercicio permanente en la creación cinematográfica.
Santiago Mitre es un director argentino reconocido inicialmente por su trabajo como guionista en películas de Pablo Trapero, como Leonera, Carancho y Elefante blanco, todas estrenadas en el Festival de Cannes. Con su ópera prima El estudiante obtuvo el Premio Especial del Jurado en Locarno y desde entonces ha desarrollado una exitosa filmografía como director, usando las estrategias del cine clásico para renovar las posibilidades narrativas de géneros como el thriller político. Recientemente, obtuvo un Globo de Oro y fue nominado a los Premios Oscar por su largometraje Argentina, 1985, también galardonado con el Premio FIPRESCI en el Festival de Venecia.
Por otro lado, Alejandro Landes es un director nacido en Brasil que creció entre Ecuador y Colombia. Después de trabajar algunos años en la prensa y televisión de Estados Unidos, debutó como director en Sundance con el documental Cocalero, un registro de la campaña electoral de Evo Morales en Bolivia. En 2011 estrenó en la Quincena de Realizadores de Cannes Porfirio, una ficción inspirada en hechos reales que utiliza elementos documentales en su puesta en escena. Siete años después obtuvo el Premio Especial del Jurado del Festival de Sundance por Monos, una ambiciosa representación de la juventud y del conflicto armado en Colombia, que también fue seleccionada para ser parte del Panorama de la Berlinale.
Santiago y Alejandro se reúnen aquí para hablar de los procesos de investigación que nutren sus guiones y su trabajo con actores naturales y profesionales.
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Voces destacadas del cine y la cultura en Latinoamérica se reúnen en este espacio para pensar sus propios métodos y procesos para abordar el oficio, hablar sobre sus experiencias personales e íntimas y reflexionar sobre películas y cineastas que han influenciado o inspirado su trabajo.
En la sexta temporada de Encuentros conversan Alejandro Landes + Santiago Mitre, Esteban Bigliardi + Luis Gnecco, Alberto Gracia + Théo Court, Ana Cristina Barragán + Sofía Quirós Ubeda, Elena Pardo + Niles Atallah y Nele Wohlatz + Rodrigo Moreno.
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En este episodio, se habla del cine de archivo como un medio para hablar del futuro.
Agustina Comedi es una directora argentina reconocida internacionalmente por su ópera prima El silencio es un cuerpo que cae, estrenada en el IDFA, y Playback. Ensayo de una despedida, premiado como Mejor Cortometraje en Mar del Plata y ganador del Teddy Award de la Berlinale. A través de archivos familiares y de la escena underground de los años 80, Comedi ha señalado el conservadurismo de la sociedad cordobesa y la consecuente represión sexual, al tiempo que ha dado forma a una filmografía comprometida políticamente desde la libertad y la desobediencia del ensayo cinematográfico.
Por otro lado, Jerónimo Atehortúa es un director, productor y crítico colombiano. Ha producido los largometrajes Pirotecnia, de Federico Atehortúa, y Como el cielo después de llover, de Mercedes Gaviria, presentados en Rotterdam y Visions du Réel. Es codirector de Mudos testigos, largometraje póstumo de Luis Ospina, en el que toma como materia prima las imágenes del cine colombiano silente y explora su amplio potencial expresivo como material de archivo. También es autor del libro Los cines por venir, publicado en Colombia, España y Argentina, una recopilación de diálogos con importantes directores contemporáneos.
Agustina y Jerónimo se reúnen aquí para hablar de la política del cine y del ensayo cinematográfico como un laboratorio para crear nuevas formas.
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En este episodio, se habla del cine como un motivo para regresar y marcharse del lugar de origen.
Elena López Riera es una directora española. Dirigió los cortometrajes Pueblo, Las vísceras y Los que desean, tres obras con un exitoso recorrido y el último de ellos premiado con el Pardino de Oro del Festival de Locarno. En 2022, su ópera prima El agua, se presentó en la Quincena de Realizadores de Cannes, Toronto y San Sebastián y fue nominada a dos premios Goya. En su filmografía, rodada enteramente en Orihuela, ha explorado la sensación de convertirse en extranjera, el deseo y la tradición oral de su pueblo natal, conjugando de forma sensible la realidad con la fantasía y el documental con la ficción. También ha trabajado como programadora para los festivales de Sevilla, Entrevues Belfort y Visions du Réel.
Por otro lado, Eduardo “Teddy” Williams es un director argentino, cuyo singular reconocimiento comenzó con su primer cortometraje Pude ver un puma, estrenado en la Cinéfondation del Festival de Cannes. Tras dirigir varios otros cortometrajes, en 2016 estrenó su ópera prima El auge del humano en Locarno, donde obtuvo el Premio Cineastas del Presente. Siete años más tarde, volvió a la competencia oficial de este mismo festival con El auge del humano 3 y obtuvo el Premio Tabakalera de San Sebastián. En su filmografía, caracterizada por su innovación técnica y espontaneidad, se ha aproximado a la virtualidad, escenarios geográficamente distantes y el desenfado y el malestar de distintos jóvenes alrededor del mundo.
Elena y Eduardo hablan aquí de la necesidad de reconocer otros esquemas de producción que hoy permiten la creación de un cine diverso.
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En este episodio se habla del cine como un espacio para integrar las voces y los relatos ignorados por las Historias oficiales.
Laura Huertas Millán es una artista visual y cineasta franco-colombiana cuya investigación se ha preocupado principalmente por cuestionar los discursos coloniales, las formas en que la etnografía se ha acercado a los sujetos que estudia y la relación del ser humano con la naturaleza. Su obra, de una fuerte impronta experimental, está compuesta por videoinstalaciones y trabajos de corta duración como El laberinto y Sol negro, que se han presentado en los festivales de Toronto, Berlín, Rotterdam, Locarno y Marsella. El Film Archive de Harvard, la Cinemateca de Bogotá y festivales como Mar del Plata y FICUNAM han organizado retrospectivas de su trabajo.
Por otro lado, Luis López Carrasco es un director y productor español de cine experimental, con un especial interés en la creación y la reflexión sobre el material de archivo. En su filmografía, que explora la idea del “fake found footage”, ha retratado de formas oblicuas relatos y personajes de la contracultura española que subvierten los relatos oficiales posteriores a la dictadura. En 2008 cofundó con Javier Fernández Vásquez y Natalia Marín Sancho el colectivo Los Hijos, con quienes codirigió su ópera prima Los materiales. En solitario ha dirigido los largometrajes El futuro, estrenado en Locarno, y El año del descubrimiento, ganador del Tiger Award como Mejor Película del Festival de Rotterdam en 2020.
A partir de sus propias biografías, Laura y Luis se reúnen para hablar de una urgencia personal por crear un archivo de imágenes y sonidos que cuestione las ideas instauradas en el pasado de Colombia y España hasta su historia reciente.
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En este episodio, reunimos a dos figuras emblemáticas del cine en español que comparten una larga amistad y admiración mutua.
Víctor Gaviria es un director y poeta colombiano reconocido internacionalmente por los largometrajes Rodrigo D. No Futuro y La vendedora de rosas, primeras películas en la historia de su país en competir por la Palma de Oro de Cannes en los años 90. Su obra se ha caracterizado por el trabajo con actores naturales y su persistencia en retratar, sin prejuicios ni concesiones, las realidades más violentas de los márgenes de Medellín. Esto lo ha convertido en una figura ineludible del cine latinoamericano y una gran influencia para las nuevas generaciones de cineastas de Colombia.
Por otro lado, Fernando Trueba es un director y guionista español ganador de numerosos premios Goya, un Premio Oscar y el Premio Nacional de Cinematografía de España. Su filmografía, que comprende casi 20 títulos, ha explorado temas tan diversos como la música, el teatro y la crisis política que produjo la Guerra Civil, pero siempre desde una perspectiva luminosa y cercana a la comedia. Ha dirigido ficciones como Ópera prima y Belle Époque, el documental Calle 54 y las animaciones Chico y Rita y Dispararon al pianista, la primera nominada al Óscar y la segunda estrenada en San Sebastián. También adaptó al cine la novela colombiana El olvido que seremos, película seleccionada en Cannes.
Gaviria y Trueba hablan aquí de su amor por el cine y de las mayores influencias en su obra.
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En este episodio, se habla del cine como un espacio en el que es posible conjugar elementos del mundo simbólico con la realidad.
María Alché es una actriz, directora y guionista argentina. Debutó en el cine como protagonista de La niña santa, de Lucrecia Martel. En sus obras como directora se ha interesado por retratar personajes impredecibles en contextos familiares disfuncionales, en los que la vida cotidiana se diluye con la fantasía y la dimensión onírica.
Dirigió los cortometrajes Noelia y Gulliver, seleccionados en las competencias de ZINEBI y Locarno. En 2018 estrenó su ópera prima Familia sumergida, también presentada en Locarno y ganadora del Premio Horizontes Latinos de San Sebastián, festival en el que también obtuvo el Premio a Mejor Guion por su segundo largometraje, Puan, en codirección con Benjamín Naishtat.
Por otro lado, Marcelo Martinessi es un director y guionista paraguayo, cuyo trabajo ha cuestionado la desigualdad y el conservadurismo de su país. En 2010 se encargó de la creación de la primera televisión pública de Paraguay y con ello emprendió un revolucionario proyecto cultural que, rápidamente, se vio truncado por el golpe militar.
Dirigió los cortometrajes Karai Norte, Calle última y La voz perdida, con el que ganó el León a Mejor Cortometraje en el Festival de Venecia. En 2018, su primer largometraje, Las herederas, hizo parte de la Competencia Oficial de la Berlinale y obtuvo el Premio a la Mejor Ópera Prima, el Premio de la Crítica FIPRESCI y el Oso de Plata a Mejor Actriz.
María y Marcelo se reúnen para hablar de sus primeras experiencias cinematográficas y del ritual colectivo que entrañan las salas de cine.
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