Episoder
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Es imposible abordar un nuevo álbum de Pearl Jam sin detenerse a pensar en toda la escena de la que surgieron.
Desde su último lanzamiento, Gigaton de 2020, hemos perdido al líder de Screaming Trees, Mark Lanegan, tras la trágica desaparición de Kurt Cobain, Layne Staley, Chris Cornell y Scott Weiland, lo que convirtió a Eddie Vedder en el último de los cantantes masculinos de grunge de renombre en pie.
Sin embargo, siempre pareció ser el más alejado del grupo de líderes de Seattle, menos maldito por el atractivo de la adicción o por tener la piel delgada para hacer frente a las presiones de la fama y del mundo en general.
Siempre hubo una ética punk en su trato con la máquina del rock, sí, pero Pearl Jam estuvo listo para ser una banda de estadios desde el primer día, lo que bien podría ser el secreto de su longevidad.
Más de tres décadas después, Dark Matter los encuentra volviendo sobre sus pasos, con el productor Andrew Watt (quien recientemente trabajó con los Rolling Stones en su álbum Hackney Diamonds) animándolos a revisitar y reevaluar el fuego, obras histriónicas y dramáticas de sus primeros y más queridos álbumes: Ten, Vs y Vitalogy.
Todo está ahí, desde el sonido inicial reconocible al instante de “Scared Of Fear”, el baterista Matt Cameron dándole ese colosal golpe familiar para darle vida al conjunto, Vedder, con fina voz, recordando la escena idealista, aunque a menudo mordaz, que ellos generaron y reconociendo la pérdida y el dolor que la era dejó a su paso.
Es la esencia de Pearl Jam embotellada, agitada y descorchada, con la guitarra de Mike McCready acaparando la atención sin pedir disculpas.
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La otra cara del enfoque personal de “Scared Of Fear” viene en la forma de “Something Special”, probablemente una de las canciones más abiertamente sentimentales de la banda.
Un alegre paseo musical, encuentra al líder de Pearl Jam ofreciendo consejos paternales, apoyo y amor puro a sus hijas pequeñas. “Creemos en ti”, canta, configurando la canción como su propia versión de Kooks de David Bowie.
“Something Special”, junto con la pegadiza “Wreckage” (una creación de rock clásico suave y de buen gusto que se hace eco del melodicismo de Tom Petty, las cuerdas de R.E.M. de mediados de los 90 e incluso toques de Fast Car de Tracy Chapman) que proporcionan los momentos más delicados del disco, siendo un hermano mucho más optimista de la canción “Daughter” de Vs (aunque las letras posteriores al desastre pintan un panorama completamente más oscuro).
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Pero no todo es tan dulce, en otros lugares han hecho todo lo posible para subir el volumen y hacer las cosas lo más pesadas posible, sobre todo en la canción principal “Dark Matter”.
Si bien no es de mis favoritas del álbum, es una explosión de tambores retumbantes, riffs punzantes y la furia de Vedder contenida en esa entrega vocal bellamente profunda, atacando el status quo y ofreciendo la sobria advertencia: "Una vez escuché un pecado/Y ahora está atrapado en mi cabeza/¿O es la prensa?/Nadie sabe qué pasará después”.
En un momento en que las fuerzas oscuras están conspirando para amordazar a cualquiera que intente exigirles responsabilidades, esta una declaración potente.
Mientras tanto, “Running” es una diatriba punky, irregular y con mucho bajo en el estilo de “Spin The Black Circle”, completamente absurda (parece tener algo que ver con las aguas residuales) pero totalmente magnética.
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Vedder ha recibido algunas críticas en los últimos años por ser a veces indescifrable, pero su voz es un instrumento asombrosamente poderoso, lleno de alma, rabia, compasión e inteligencia.
Por otro lado, el genial dúo de guitarristas Mike McCready y Stone Gossard no para de lucirse durante todo el álbum, particularmente el primero.
Desde la línea de guitarra new-wave, con el bajo a lo Peter Hook de Joy Division a juego de Jeff Ament, de la canción de amor desfallecida “Won't Tell”, hasta los característicos fuegos artificiales en los trastes de “Upper Hand” (una canción que se desvanece cinematográficamente a la vista, oscura, con eco y nostálgica), McCready es potencia absoluta, un placer para el oído.
Además, que Pearl Jam no sólo haya sobrevivido todos estos años, sino que haya prosperado, enfrentándose a conglomerados y expectativas a lo largo del camino y continuando atrayendo a grandes multitudes, es algo digno de celebración. Especialmente porque a muchos de sus contemporáneos se les negó cruelmente la oportunidad de hacerlo.
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"Waiting for Stevie", es una canción que evoca el sentido inherente de majestuosidad de Pearl Jam.
La letra sugiere los días en los que el horizonte parece ilimitado, una estética que solía ser la fuerza unificadora en los discos de Pearl Jam, pero que aquí se utiliza como un estilo efectivo en un álbum que, sobre todo, pretende complacer.
Ese impulso es poco común en Pearl Jam y es genial escucharlos aprovechar sus puntos fuertes en Dark Matter.
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Con el álbum Dark Matter, aunque nunca podría aspirar a competir con la brillantez incendiaria de su debut y los discos que le siguieron inmediatamente, han pintado un retrato de una banda cómoda en su propia piel, conocedora de sus propias fortalezas y capaz no solo de mirar hacia atrás, recordando lo grandioso del trabajo que hicieron cuando eran jóvenes, sino también recuperando parte de la magia que los impulsó (y los mantuvo) en su camino hacia la cima de su talento.
Es cierto, han inspirado directamente a algunos aspirantes al trono verdaderamente terribles en los años intermedios, pero Dark Matter los ve barrer a esas bandas, restablecer y recuperar su propio sonido característico.
Nos despedimos con la canción que cierra el álbum, un viaje al sol con aires desérticos, que es la bellísima “Setting Sun”.
Esto fue “Dark Matter”, de Pearl Jam, en Punto Muerto. -
Estos demos inéditos de Joni Mitchell aparecieron en una forma terminada radicalmente diferente en Hissing Of Summer Lawns lanzado en noviembre de 1975.
En el álbum, Joni había continuado su cambio en la dirección musical iniciado en Court And Spark (1974), alejándose de su estilo folk hacia el jazz y lo que ahora llamaríamos world music.
Las canciones grabadas en estos demos se interpretan principalmente con guitarra acústica y piano, lo que da a estas versiones una sensación similar a los álbumes Blue (1971) y For The Roses (1972).
En esta colección de demos faltan The Jungle Line, Don't Interrupt The Sorrow y la canción principal del álbum, The Hissing Of Summer Lawns.
De las nueve pistas, dos no aparecieron en el álbum terminado, Dreamland se omitió y finalmente apareció en Don Juan's Reckless Daughter (1977) en su forma completa, Hunter es una toma descartada del que quizás sea el álbum más famoso y profundamente personal de Joni, Blue (1971).
Estos demos también circulan como Seeding Of Summer Lawns; con la misma lista de canciones, arte diferente, si bien la versión incluida aquí fue corregida en nivel de tono y fase por el sello de bootlegs Remasters Workshop, en noviembre de 2009.
Por otro lado, algo que pienso que es bastante interesante fue que en estos demos originales, Joni canta partes que eventualmente serían interpretadas por instrumentos de viento, y no hay lugar más evidente que en el demo de “Edith and The Kingpin”, canción que escucharemos inmediatamente, donde cada verso está puntuado por un coro resonante, armonizando para simular los vientos por venir.
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Joni entró al estudio en la primavera de 1975 para grabar demos acústicos de algunas canciones que había escrito.
Estas cintas incluían una primera versión de "Dreamland", canción que 2 años después aparecería en el álbum 'Don Juan's Reckless Daughter'.
Unos meses más tarde, grabó versiones ya con una banda con la mayoría de los mismos músicos que empleó en 'Court And Spark'.
Este ciclo de temas fue lanzado en noviembre de 1975 como el álbum 'The Hissing Of Summer Lawns'.
El LP fue un gran éxito y alcanzó el puesto número 4 en las listas de álbumes de Billboard.
Pero, en general, el álbum fue recibido con menos entusiasmo.
El hecho de que Joni hubiera dejado de ser una devoradora de pecados confesional y hubiera dirigido sus agudas observaciones hacia la sociedad, no era lo que los fanáticos y los críticos esperaban o querían de ella.
Probablemente era la primera vez que se cuestionaba la dirección musical de Joni y eso la hirió mucho.
Todavía hoy habla del dolor que sintió por esas malas críticas.
Sin embargo, en realidad, también hubo bastantes buenas críticas para el álbum.
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Joni se unió a Rolling Thunder Review de Bob Dylan mientras viajaba por América del Norte, y actuó en algunos espectáculos a finales de noviembre y principios de diciembre, incluidas paradas en Boston y Toronto.
Antes de la Navidad de 1975, comenzaron los planes para una gira para promocionar 'The Hissing Of Summer Lawns', que se estaba vendiendo muy bien.
Los L.A. Express, la banda que acompañaba a Tom Scott, fueron reclutados y convencidos de embarcarse en una segunda gira con Mitchell que comenzaría en enero de 1976.
Para cerrar este repaso, he incluido como extra la canción "Hunter (The Good Samaritan)" originalmente ideada para 'Blue', porque es la única pista original del álbum Blue que nunca fue lanzada.
Por otro lado, el álbum oficial es una de las joyas subestimadas de Joni.
Escúchenlo si pueden y denle una segunda oportunidad. -
Manglende episoder?
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La mayoría de los artistas ven los discos en solitario como una oportunidad para reinventarse a sí mismos de maneras distintas a como son con las bandas de las que forman parte.
Full Moon Fever de Tom Petty, su primer álbum en solitario, es una desviación interesante de ese concepto, en el sentido de que gran parte de ese álbum se ha integrado en el canon musical de The Heartbreakers, la banda que venía acompañando a Petty desde siempre.
¿Qué importancia tiene la fiebre de la luna llena en la historia de los Heartbreakers? Tres de los diecisiete temas que integran su álbum Greatest Hits (acreditados a Tom Petty and the Heartbreakers) provienen de Full Moon: "Free Fallin'", "I Won't Back Down" y "Runnin' Down a Dream".
Otros cuatro de Full Moon podrían estar como "Feel a Whole Lot Better", "Love Is a Long Road", "A Face in the Crowd" y "Yer So Bad".
De hecho, el único álbum con más representación en Greatest Hits es Damn the Torpedoes, que algunos consideran el álbum definitivo de Tom Petty and the Heartbreakers.
El álbum solista de Petty en realidad tuvo la participación de la mayoría de los Heartbreakers.
Mike Campbell, el guitarrista principal de los Heartbreakers, tocó durante todo el álbum e incluso coescribió dos canciones.
Benmont Tench, tecladista de los Heartbreakers, tocó en una pista, al igual que el bajista Howie Epstein.
El único Heartbreaker que no apareció en el álbum fue el baterista Stan Lynch, con quien Petty tenía una relación a menudo conflictiva.
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El álbum surgió gracias a la amistad de Petty con Jeff Lynne de Electric Light Orchestra.
Lynne ayudó a Petty a escribir y producir "Yer So Bad", que terminó formando parte de Full Moon Fever.
Un día después, los dos escribieron y grabaron "Free Fallin'", otra canción icónica del álbum, en el estudio de la casa de Campbell.
Petty intentó hacer del álbum un LP de los Heartbreakers, pero el resto de la banda no estaba interesado, como Petty relató en Conversaciones con Tom Petty de Pau Zollo:
“Así que llegué a la casa de Campbell y Howie Epstein estaba sentado afuera de la puerta del dormitorio.
Y parecía algo preocupado, como podía estarlo en aquellos días.
Estaba esperando, casi como un médico en la sala de espera.
Me dijo: 'Realmente no me necesitas para esto, ¿verdad?' Y agregó: 'No me gusta'.
Le dije: 'Bueno, si no te gusta, no te necesito'.
Y me respondió: 'Está bien, me voy' y se fue. En ese momento me dije: 'bueno, este será un disco en solitario de Tom Petty porque a mí sí me gusta'”.
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En ese momento, Petty and the Heartbreakers habían hecho siete álbumes. Se podía ver cómo Petty podría estar preparado para un descanso.
Por mucho que le gustara la banda, parecía revitalizado por su trabajo con Lynne, así como por otro invitado al álbum, el Beatle George Harrison, quien cantó en los coros de "I Won't Back Down".
Por otro lado, con una simple actuación mímica en un escenario con algunos fondos aleatorios, el vídeo de esa canción reveló algunas ideas psicológicas interesantes desde el sillón.
No hay mucho que decir, pero lo interesante es la banda.
Petty canta y toca la guitarra, con Campbell al frente y Lynne al bajo.
Harrison toca la guitarra y hace coros y nada menos que Ringo Starr toca la batería, aunque él no tuvo nada que ver con la canción ni con el álbum.
Quizás Petty estaba listo para una nueva banda, aunque sólo fuera para un álbum o algo así, y el disco en solitario presentaba la oportunidad de explorar una vida sin los Heartbreakers.
O tal vez, como muchos de nosotros, quería ser Beatle por un día.
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Por supuesto, la ironía del álbum es que suena muy parecido a un disco de los Heartbreakers.
Petty se escapó de casa pero eligió una nueva familia increíblemente similar a la anterior.
Sin embargo, incluso si la nueva familia era notablemente similar, también había ligeras diferencias.
Petty versionó una canción de los Byrds por primera vez en un disco de estudio, dándole a "I'll Feel a Whole Lot Better" un brillo estilo Beatles.
Quizás finalmente se sintió libre de hacer un cover de una banda que influyó mucho en su sonido porque este no era un lanzamiento formal de Heartbreakers, sino más bien un coqueteo personal en solitario.
Petty parecía, en cierto nivel, cansado de los Heartbreakers.
Es por eso que tiene sentido que Travelling Wilburys, el supergrupo de Petty con Harrison, Lynne, Bob Dylan y Roy Orbison, se unieran después de Full Moon Fever (aunque el debut de los Wilburys, Travelling Wilburys Vol. 1, fue lanzado antes de Full Moon Fever).
Tom Petty estaba en un viaje de autodescubrimiento y Full Moon Fever documenta el comienzo de esa aventura.
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A los Heartbreakers, dejando de lado a Campbell, les molestaba Full Moon y no querían tocar las canciones en vivo como los Heartbreakers.
Petty era muy consciente de la tensión. Incluso cuando se le preguntó si los Heartbreakers interpretarían este material, en 1989, bromeó con Billboard diciendo: "Si encuentro algunas mujeres y dinero para ellas, tal vez. No se los he pedido todavía".
Pero, por supuesto, la banda interpretaría estas canciones.
Eran demasiado grandes para no tocarlas en vivo.
Las canciones quedaron grabadas a fuego en la cultura popular estadounidense.
Por ejemplo: ¿Te imaginás a Tom Cruise en Jerry Maguire cantando cualquier canción que no sea "Free Fallin'" mientras busca una melodía de celebración en la radio?
Full Moon era demasiado bueno para existir sólo en el disco; necesitaba ser tocado en estadios y arenas.
De hecho, los Heartbreakers agregarían al guitarrista, tecladista y corista Scott Thurston para ayudar a desarrollar el sonido en la gira Full Moon Fever.
A los Heartbreakers les molestaba Full Moon Fever, pero su vida profesional estaba entrelazada con el álbum, para bien o para mal.
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La carrera de Tom Petty estuvo definida por su grandes composiciones.
No debería sorprendernos que su primer álbum en solitario fuese entonces una máquina de éxitos.
Tampoco debería sorprender que el éxito de Full Moon Fever creara tensión en la banda, pero las cosas finalmente se calmaron.
Tom Petty and the Heartbreakers harían seis álbumes de estudio más después de Full Moon Fever y Petty haría otro álbum en solitario, Wildflowers (1994), antes de morir en 2017.
El mundo considera a la fiebre de la luna llena un álbum rompecorazones.
Los Heartbreakers llegaron a aceptarlo como si fuese de ellos, pero en esencia, es un trabajo en solitario de Petty.
Muchos años después, en 2018, Campbell terminó de gira con Fleetwood Mac después de que despidieran a su guitarrista, Lindsey Buckingham.
En esa gira, la cantante de Fleetwood Mac, Stevie Nicks, interpretó una canción de Tom Petty todas las noches como tributo a su amigo y colega (Petty y Campbell habían escrito y grabado "Stop Draggin' My Heart Around", que se convirtió en un éxito para ella).
¿La canción que Stevie Nicks eligió? "Free Fallin'."
Esto fue Full Moon Fever, de Tom Petty, en Punto Muerto. -
Desde que Eddie Van Halen revolucionó la guitarra con un estilo derivado de su formación como pianista en su niñez, los vínculos del metal con la música clásica han sido evidentes para cualquiera que preste atención.
Esto nunca es más cierto que en el metal extremo, donde las diversas capas de complejidad contrastante son el sonido de secciones orquestales destiladas en guitarras, batería y bajo.
Bright & Black busca perpetuar este legado, pidiendo a una variedad estelar de músicos de metal que compongan para la Orquesta Filarmónica del Mar Báltico, con, por razones obvias, Eicca Toppinen de Apocalyptica como solista.
De hecho, Bright & Black es una creación del estimado productor musical Jacob Hellner y el gurú de Versity Music Per Kviman, quienes se han asociado con Eicca Toppinen de APOCALYPTICA y el director musical y director fundador de BALTIC SEA PHILARMONIC, Kristjan Järvi, para hacer realidad esta visión innovadora.
Además de Toppinen, hay contribuciones de miembros de OPETH, WATAIN, MESHUGGAH y ENTOMBED A.D, y este álbum es sólo un tercio de la experiencia general: se están reservando fechas en vivo en toda Europa para este año e incluso hay un videojuego en proceso.
Sin embargo, este disco, titulado simplemente The Album, que se lanzó de forma independiente el 26 de enero, es naturalmente un momento decisivo.
Mucho depende de si esto se hunde o flota.
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Es importante enfatizar que este no es un álbum de metal, es un álbum clásico escrito por gente del metal.
Hay un par de momentos que serían apropiados para un álbum de riffs y ritmos explosivos, pero por lo demás, esta es una transmisión de emociones e historias de músicos clásicos consumados, dirigido por Toppinen como primer violonchelo y solista.
Este feroz conjunto está dirigido por el innovador Kristjan Järvi, quien ha hecho una carrera moviendo los límites de lo que puede ser la música clásica moderna.
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El tema inicial, Nidhugg, comienza con violines ascendentes, unidos por metales y timbales para hacerlo grandioso, antes de que la canción se deslice sin esfuerzo a partir del tipo de composiciones que escucharías como introducción al set en vivo de una banda, para generar anticipación y una composición ligera y espaciada.
“Can’t Explain This” es una canción con muchas cuerdas con un hermoso e inquietante solo de Toppinen que es uno de los muchos aspectos destacados del violonchelista y “The Secret” cuenta una maravillosa historia de misterio y tensión que aumenta hasta que la orquesta se queda en silencio y luego vuelvec con un sentido oscura y de mal humor, como si el secreto titular hubiera sido revelado y las consecuencias no fueran demasiado positivas.
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Los resultados son frecuentemente sorprendentes.
“Bloodgrind”, compuesto por Nico Elgstrand de Entombed AD, es death metal sin distorsión, con un ritmo vibrante.
Incluso las voces ásperas se emulan a través de una percusión estridente, con resultados sorprendentemente efectivos. “Collateral Damage” de Eicca tiene un sentido cinematográfico, donde sus elegantes hilos se intercalan con el tipo de música que normalmente refuerza los enfrentamientos épicos en la pantalla grande.
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Erik Danielsson ofrece un emotivo lamento en forma de “Mounts Of Misfortune”.
Audaz y conmovedor, resalta la ferviente pasión que durante mucho tiempo ha alimentado a Watain.
Por otro lado, los cambios rítmicos característicos de Tomas Haake de Meshuggah y Dick Lövgren son reconocibles al instante en “Armies Of The Preposterous”.
Basta decir que se trata de una interpretación fascinante de un género que muchos en el mundo clásico considerarían vulgar, cuando en realidad ha estado traspasando los límites de lo que es posible con la composición musical de múltiples cambios durante décadas.
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Así nos vamos yendo, nos vamos despidiendo de este episodio especial dedicado a “Bright & Black”.
Y podemos concluir, que de alguna forma, el metal tomó la antorcha de la música clásica y la mantuvo viva, haciendo de este un álbum quizá más importante para la música clásica que para el metal.
Sabemos desde hace mucho tiempo de lo que es capaz esta música, esperemos que este álbum abra más oídos y cabezas a las posibilidades.
Esto fue “The Album” de Bright & Black. -
La banda británica The Verve lanzó en 2017 una reedición de lujo por el vigésimo aniversario del clásico álbum de 1997, Urban Hymns, el que contiene grandes canciones como “Bittersweet Symphony”, “The Drugs Don’t Work” y “Lucky Man”; además de incluir varios temas inéditos y demos.
Aquellos que sólo hayan escuchado el álbum 'Urban Hymns' y ninguno de los numerosos temas lanzados en los tres singles dobles del sello Hut en 1997, se llevarán una sorpresa.
Había suficiente música de calidad disponible para el lanzamiento de una continuación rápida y menos comercial de 'Urban Hymns', pero una historia de conflictos internos dentro de la banda acabó con cualquier lanzamiento posterior, ya que se separaron.
The Verve se juntaron para otro álbum, 'Forth', una década después.
Todavía existen tensiones entre los miembros de la banda, tan así que en su momento el guitarrista de The Verve Nick McCabe escribió en Facebook sobre el tema “All The Ways Are Maybes”: "Richard Ashcroft no quiere que se publique, porque sabe lo bueno que es".
Por lo tanto, este bootleg apareció en el momento oportuno.
Se suponía que estos once temas deberían haberse lanzado en la reedición de 'Urban Hymns', pero desafortunadamente después de que la banda aprobó su lanzamiento, Richard Ashcroft los vetó todos.
Nick McCabe mostró una imagen del CD-R en línea.
Luego fueron filtrados por una fuente desconocida en la primera semana de septiembre.
Casualmente, alguien que subió videos a YouTube afirma que provienen de alguien que trabaja en el departamento de distribución de la compañía discográfica UMC.
Cualquiera que sea la historia exacta detrás de esto, muchos fanáticos se han quejado de que estas pistas inéditas deberían haberse incluido en la caja y es innegable que habrían hecho que el conjunto fuera más completo.
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La única pista no esencial de este bootleg es Original Insanity con su ruido estático, su tintineo y su bebé llorando.
Se terminó con una guitarra reemplazando los ruidos estáticos y se retituló Deep Freeze para su lanzamiento como pista extra en la edición japonesa de 'Urban Hymns'.
El primer tema que escuchamos, Sweet And Sour, puede sonar familiar ya que emplea una pista de batería similar a la de Bittersweet Symphony.
La mezcla de Beat Nick de This Time es más sencilla y excluye las sobregrabaciones de sintetizador y guitarra de la pista del álbum.
Por otro lado, las canciones inéditas: Sweet And Sour, Wednesday Madness, Jalfrezi, Tina Turner, All Ways Are Maybes y King Riff 2 son todas excelentes.
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A pesar de todos sus pasos en falso, la verdad es que Richard Ashcroft siempre fue el principal impulsor de The Verve, un cantautor singular cuya sensibilidad pop y ambición salvaje llevaron a la banda más allá de la improvisación para lograrlo de verdad.
No habría Urban Hymns sin su determinación y sus pegadizas canciones, y su mejor material ya figura en el álbum y en las caras B, algo que se da por sentado después de dos décadas.
Los mejores temas inéditos de Ashcroft fueron regrabados hace mucho tiempo para sus álbumes en solitario, y el lanzamiento de versiones de Verve de “A Song For The Lovers”, “C'mon People (We're Making It Now)” y “New York” sólo pudo socavar el reclamo de esas canciones como solista.
Por alguna razón personal, Ashcroft parece incapaz, como hombre de familia de mediana edad, de colaborar con sus antiguos compañeros de banda, y no se le puede culpar del todo por anteponer su leyenda y su sustento a grabaciones vergonzosamente grandiosas que subrayan la tragedia de lo que podría haber sido.
Es irónico, sin embargo, que después de una gira mundial en la que Ashcroft invocó repetidamente a Julian Assange y Wikileaks, fuera necesario un filtrador anónimo para exponer sus incómodas verdades al juicio de la historia.
The Verve - Urban Hymns Unreleased Studio Tracks
1. Sweet And Sour (5:22)
2. Wednesday Madness (4:49)
3. Neon Wilderness (Idea) (1:38)
4. Jalfrezi (4:40)
5. This Time (Beat Nick Mix) (3:49)
6. Tina Turner (6:49)
7. Oh Sister (3:31)
8. Sonnet (Acoustic demo) (3:40)
9. Original Insanity (1:36)
10. All Ways Are Maybes (4:46)
11. King Riff 2 (7:54) -
Un álbum en vivo de Depeche Mode.
¿En serio?
Esa fue la primera reacción de mucha gente ante la noticia del inminente lanzamiento de una grabación en vivo del show de Depeche Mode, con entradas agotadas en el Rose Bowl de Pasadena, en Junio de 1988.
Para una banda que descaradamente usó audio pregrabado para potenciar sus shows fuertemente basados en sintetizadores, el anuncio del álbum 101 fue suficiente para hacer que cualquiera pensara:
¿Qué tan “en vivo” sería y cuán fascinante podría ser un disco doble como experiencia auditiva?
Lo que no se sabía en ese momento era que 101 era más que un simple álbum en vivo, sino que también sería un documental que seguiría a la banda mientras conquistaba los EE. UU. en su gira “Music for the Masses”, que culminó con esta legendaria actuación en el Rose Bowl, justamente en su show número 101.
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Dirigido por D.A. Pennebaker, que anteriormente había rodado documentales de rock sobre Bob Dylan y David Bowie, la película 101 fue un apasionante viaje por carretera realzado por la inclusión de “The Bus Kids” un grupo ecléctico de fans que siguieron a la banda en su propio autobús de gira.
En lo que fue casi que un precursor de las series de realities sobre viajes por carretera como lo haría MTV con “The Real World” o “Road Trip”, 101 (el documental) fue atractivo y entretenido, uniendo varias presentaciones en vivo con “los fans del autobús” en la gira.
Entonces, dado que la película es una experiencia totalmente inmersiva y visceral, ¿cómo se compararía el álbum en vivo? Después de todo, los álbumes en vivo sólo pueden capturar la mitad de la experiencia de asistir a un concierto, perderse la presentación visual del espectáculo puede cubrir un mundo de pecados de audio.
Y para Depeche, sus shows en vivo fueron llevados en gran medida por una iluminación cambiante y un frontman excepcional como lo es Dave Gahan.
A pesar de toda la maestría musical de Martin Gore, Alan Wilder y Andy Fletcher, que agitan los brazos, Gahan es el punto focal.
Su energía, sus giros, sus estridentes bramidos, son los que arrastrarían a la multitud noche tras noche.
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Con muy poca variación en la producción de canciones con respecto a las grabaciones de estudio o mezclas extendidas de 12”, los elementos en vivo de la voz de Gahan, el sonido ocasional de los momentos de guitarra de Gore y la emoción de la multitud es lo que caracteriza a 101 y lo convierte en un evento divertido y placentero de escuchar.
El álbum también actúa como un disparador sonoro para tus momentos favoritos de la película 101. La anticipación en el prólogo musical de “Pimpf” y el rugido ensordecedor que recibe a la primera canción del set list “Behind the Wheel”, completo con Gore en la guitarra, te transporta a lo largo del álbum.
Cuando escuchás “Never Let Me Down”, te imaginas un estadio de brazos que se mueven de un lado a otro. Cuando escuchas “Somebody”, “The Things You Said” o la extraordinaria “A Question of Lust”, te imaginás a un calmo Martin L. Gore saliendo de la seguridad de sus sintetizadores hacia el centro de atención y no solo escuchás sino que sentís su vulnerabilidad.
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La lista de canciones está repleta de temas para cantar a todo pulmón, desde “Stripped” hasta “Everything Counts”, de “People are People” hasta “Just Can’t Get Enough”, lo que aumenta el frenesí de la audiencia con cada nueva canción.
La emoción de la multitud cuando comienza un nuevo tema es embriagadora y vibra desde los parlantes hasta tu propio cuerpo. Son sus gritos y arrebatos de alegría los que le dan a 101 su energía viva.
Después de esta gira, Depeche Mode experimentaría con la adición de más instrumentos en sus grabaciones de estudio y giras en vivo y, como resultado, los lanzamientos en vivo posteriores brindan una experiencia auditiva superior.
Sin embargo, 101 siempre será un maravilloso hito nostálgico de una banda que se hizo grande en una escena musical que era todo menos bienvenida a la música liderada por sintetizadores.
Efectivamente, un "Good evening, Pasadena!", en toda regla.
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En el documental se puede escuchar a Jonathan Kessler, manager de Depeche Mode, decir que en este famoso concierto 101 vendieron 66.233 entradas y la asistencia pagada fue de 60.452 personas, por lo que recaudaron 1.360.192,50 dólares.
Dicho eso, lo realmente importante es que 101 terminó de conquistar no solamente el público de EEUU, sino que de todo el mundo, preparando el escenario para el gran golpe de su carrera: Violator.
En todo caso, todo cuenta en grandes cantidades.
Esto fue 101, de Depeche Mode, en Punto Muerto. -
Frank Zappa poseía un genio que no comprendo del todo.
El guitarrista/compositor/arreglista aparentemente hablaba su propio lenguaje musical cada vez que grababa, y es uno que siento que a veces apenas puedo entender.
Durante su vida, Zappa fue especialmente prolífico, grabando y lanzando decenas de álbumes en vida y decenas más de forma póstuma.
Cuando me acerco a su música, me siento similar a cuando intento explorar las obras de otros genios excéntricos fallecidos como Sun-Ra o Lee “Scratch” Perry: es una tarea desalentadora, por la cual siento que apenas estoy arañando la superficie de lo que Zappa tiene para ofrecer.
Dicho todo esto, sé que me encanta Apostrophe ('), el decimoctavo álbum de Zappa, lanzado hace 50 años.
Me siento un poco extraño por haber gravitado hacia su álbum de mayor éxito comercial (fue certificado Oro por la RIAA y llegó al Top 10 de Billboard), ya que, como oyente, trato de buscar el camino menos transitado.
Apostrophe (') ciertamente no presenta una versión comprometida o diluida de Zappa. Es tan extraño y experimental como muchas de las otras joyas de su discografía.
Apostrophe (') llegó inmediatamente después de Over-Nite Sensation (1973), considerado el álbum de ruptura de Zappa.
Igualmente, Over-Nite no fue bien recibido por la crítica, haciendo foco en que el tema de muchas de las canciones es el sexo, que Zappa cubrió de una manera irónica pero juvenil.
Aunque Apostrophe (') carece en su mayor parte de contenido e insinuaciones sexuales, no es una corrección de rumbo; A Zappa no le importaba para nada lo que los críticos pensaran de su música.
Apostrophe (') no es menos juvenil que Over-Nite o muchos de sus otros álbumes. Sin embargo, es juvenil de una manera hilarante y contagiosa.
La musicalidad es impresionantemente experta, combina muchos géneros musicales y asume riesgos que muchos músicos no se atreverían a intentar.
Zappa también poseía una fuerte vena anti-autoritaria, que se manifiesta de diferentes maneras a lo largo de Apostrophe (').
Un componente central de la música de Zappa es lo que él denominó “Protect/Object” (“Protección/Objeto”) o “continuidad conceptual”.
Las canciones de su álbum frecuentemente se suceden sin problemas, fluyendo sin esfuerzo de una pista a otra.
Sin embargo, también veía cada uno de sus álbumes como vinculado a algo más grande, una obra donde aparecerían ideas y personajes musicales a lo largo de muchos de los proyectos.
Es una técnica que utiliza a lo largo de Apostrophe (').
Según se informa, la primera mitad de Apostrophe (') se grabó al mismo tiempo que Over-Nite Sensation, mientras que muchas de las otras pistas provienen de varias sesiones de años anteriores.
Zappa juntaba todo de manera que el material se sienta vital y actual, sin importar cuándo fue grabado.
Gran parte de la leyenda de Apostrophe (') se basa en su apertura, a menudo denominada la suite "Nanook", una empresa surrealista en cuatro partes.
La premisa, al más puro estilo Zappa, es extravagante: describe un sueño en el que, como Nanook el esquimal, se involucra en un combate poco ortodoxo en el Polo Norte con un infame cazador de pieles que está atacando a una cría de foca.
Ya sería suficiente si la suite nos diera solamente la frase clásica:
"Cuidado adónde van los perros esquimales y no te comas esa nieve amarilla", pero la primera mitad de la suite detalla el uso de raquetas de nieve llenas de plomo y armas empapadas de orina en la nieve.
El telón de fondo musical cambia constantemente, desde el rock progresivo hasta el soul furtivo y las experimentaciones con el jazz.
Musicalmente, Zappa acelera el ritmo durante la segunda mitad de la suite, mientras el cazador de pieles ciego tropieza a través de la tundra, solo para descubrir una parroquia católica en medio de servir el desayuno de panqueques más sórdido del mundo.
“St. Alfonzo’s Pancake Breakfast” y “Father O’Blivion” se sienten como canciones de baile, mientras superpone xilófonos con explosiones de trompeta triunfantes con un trabajo de guitarra de alto tempo.
Durante seis minutos y medio, Zappa continúa acumulando imágenes exageradas, desde el abuso de las hamburguesas de salchicha hasta el robo de margarina y las relaciones sexuales subrepticias de un sacerdote con un duende, todo unido por la celebración de la luz y esponjosos panqueques.
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El atractivo de Apostrophe (') no depende únicamente de la Nanook Suite.
Zappa utiliza “Cosmik Debris”, empapado de blues, para expresar sus quejas, en particular su profunda aversión por los gurús, los místicos y varios otros vendedores ambulantes de la new age.
Parte del humor es reciclado (o sujeto a continuidad conceptual como decíamos antes).
La frase "¿Es un poncho real o un poncho Sears?" apareció en el álbum anterior Over-Nite Sensation.
Dicho eso, y sepan disculparme, la frase pueril “El precio de la carne acaba de subir y tu vieja acaba de bajar” me sigue pareciendo muy divertida.
La otra pieza central de Apostrophe (') es la canción que lleva el título del álbum.
Es una improvisación instrumental larga con Zappa a la guitarra, el baterista de sesión Jim Gordon a la batería y posiblemente Jack Bruce al bajo.
Aunque el bajista de Cream figura en los créditos del álbum y Zappa ha descrito la sesión, Bruce ha sido un poco cauteloso en las entrevistas sobre en qué contribuyó exactamente a la canción.
De todos modos, la canción es una epopeya con guitarra que suena como algo que fácilmente podría haber aparecido en un álbum de Jimi Hendrix de finales de los años 60.
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La canción “Uncle Remus” es el gran logro individual del álbum.
Coescrita con el tecladista George Duke, es una mirada agridulce y casi satírica al estado del movimiento por los derechos civiles a mediados de la década de 1970. Zappa adopta la perspectiva de los manifestantes afroamericanos, cada vez más frustrados por cómo, incluso en la década de 1970, Estados Unidos tuvo que ser arrastrado a patadas y gritos para reconocer los derechos de su población negra.
También toca la política de respetabilidad en la canción influenciada por el evangelio, mientras canta:
"Nos vemos muy bien con esta ropa / A menos que nos rocíen con una manguera". Zappa todavía mantiene vivo el espíritu de lucha, ya que promete “dar un paseo hasta Beverly Hills justo antes del amanecer / y derribar a los pequeños jinetes del césped de los ricos”.
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Aunque Apostrophe (') fue el álbum más popular de Zappa, resumió exitosamente todo lo que lo hizo grande como músico. Pocos músicos contrastaban como él la temática “baja” con el arte musical “alto”.
Lo extravagante, incluso lo vulgar, y lo excelso juntos, no en contraposición.
Y aunque todavía me siento un poco intimidado por el volumen de su discografía, respeto que fuera un iconoclasta intrépido cuyas inclinaciones subversivas lo convirtieron en un tipo de artista entre mil millones.
Incluso si todavía estoy rascando la superficie, sigo impresionado por lo que tenía para ofrecer.
Esto fue Apostrophe ('), de Frank Zappa, en Punto Muerto. -
“Klonopin (clonazepam) puede ser una de las drogas más peligrosas y adictivas en el mercado actual; incluso puede ser peor que la cocaína por el daño que puede causar. Pero gracias a la desintoxicación y al asesoramiento, una persona ya no necesita estar ligada a la adicción al Klonopin.”
La declaración anterior de un centro de adicciones es de alguna forma el destino que le sucedió a Stevie Nicks; que le condujo a una dolorosa desintoxicación de 47 días en un hospital a finales de 1993.
En palabras de Stevie Nicks:
"Perdí esos 8 años de mi vida. No escribí ninguna canción y había ganado mucho peso".
Su primer álbum después de esta traumática experiencia fue 'Street Angel', lanzado en 1994 y consistía en canciones compuestas principalmente antes de su abstinencia de drogas.
El álbum tuvo bajas ventas y débiles elogios, aunque los críticos seleccionaron algunas canciones fuertes.
Después de unos años de desconfianza en su propio talento debido a las críticas, Stevie volvió al estudio sobre finales del siglo pasado para comenzar a grabar su próximo álbum de estudio.
Lo que escucharemos a continuación, y de hecho ya empezamos a escuchar con la canción “Candlebright” que abrió el programa, fue filtrado unos dos meses antes de que su siguiente álbum de 2001, "Trouble In Shangri-La", fuera lanzado.
No se tiene certeza cómo lo consiguieron o lo copiaron, pero tiene algunos demos maravillosos, como por ejemplo "Space Needle", que según sus fans, es uno de las mejores demos jamás grabados de Stevie.
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Sobre el álbum “Street Angel” de 1994, la revista Rolling Stone decía:
"Pero después de seis canciones, el álbum finalmente despega.
"Unconditional Love" y "Rose Garden" son preciosas.
La voluntariosa "Maybe Love Will Change Your Mind" es una de las mejores canciones de Nicks en años.
Incluso su versión de "Just Like a Woman" de Bob Dylan demuestra una inteligencia extraña, y la letra se adapta extrañamente a la obra de Nicks sobre mujeres perdidas.”
Las críticas al disco y los comentarios personales sobre su aumento de peso provocaron una ruptura de Stevie con el panorama musical.
A pesar de que Fleetwood Mac se reunió y Stevie realizó una gira en solitario para promover el box set “Enchanted” que abarca toda su carrera, todavía albergaba dudas sobre sus habilidades y había perdido la confianza en sus habilidades para escribir canciones.
En medio de eso, habló con Tom Petty una noche y discutió sus problemas durante la cena:
"Básicamente, Tom me dijo: 'Sabes que eres una buena compositora, Stevie, y no sé qué se interpone en tu camino en este momento, pero sólo tienes que ir a casa e ir directamente al piano'", declaró Stevie a Time Out New York.
"Me estaba costando mucho superar la experiencia de “Street Angel”.
Estaba muy triste.
Esa cena marcó la diferencia.
Le doy a Tom todo el crédito del mundo por este disco".
La experiencia de viajar con Fleetwood Mac despertó su creatividad para escribir letras de nuevas canciones.
Como punto de partida, Stevie se basó en canciones escritas anteriormente, "Love Is" basada en piano fue escrita en enero de 1995, la canción principal "Trouble In Shangri-La" fue compuesta a finales de 1994.
Además, "Planets of the Universe" fue escrita durante el período del legendario “Rumours” fue grabado, mientras Nicks y Buckingham se separaban, lo que fue la inspiración de Nicks para la canción, si bien esta versión actualizada se muestra con teclados exuberantes.
La mandolina y la cuerda que adornaban "Candlebright" y el místico y folklórico "Sorcerer" databan de sus días de 1972/73 en Buckingham Nicks y se pueden encontrar en el pirata 'Buckingham-Nicks - The Beginning' (2017), en su forma de demo original.
Trouble in Shangri-La se lanzó en mayo de 2001 y se convirtió en disco de oro en cuestión de semanas, alcanzando el puesto número 5 en el Billboard 200.
Sería el último álbum solista de Nick en una década.
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Estos demos fueron grabados en Junio de 1999, seis de las canciones aparecieron terminadas en el álbum “Trouble in Shangri-La”, siendo que cuatro de ellas son más largas que las versiones completas.
Las pistas "Thrown Down" / "Space Needle" / "Not Make Believe" y "Have No Heart" fueron eliminadas del lanzamiento oficial.
Quien lo subió en su momento señala que "Space Needle" es una de sus favoritas y es difícil entender por qué fue eliminada del álbum terminado, viendo su notable calidad.
En todo caso, estos son excelentes demos y la voz de Steve es sublime.
Además, sirve para mostrar parte del proceso creativo de esa gran artista que es Stevie Nicks. -
Tras el gigantesco éxito de The Police, el giro de Sting como solista resultó igual de potente con el lanzamiento de The Dream of the Blue Turtles, de 1985, con una cierta nueva infusión de jazz en su sonido.
Mostrando su capacidad para obtener influencia de varios estilos de música y al mismo tiempo hacer que suene auténtico en lugar de cooptado, Sting se dedicó a escribir y grabar su segundo trabajo, “…Nothing Like the Sun”, de 1987.
Como adolescente un par de años después, la música y los artistas que escuchaba a menudo moldeaban mi visión del mundo.
La conciencia global de álbumes como The Joshua Tree (1987) de U2 y Once Upon A Time (1985) de Simple Minds, junto con el apoyo de los artistas a organizaciones como Amnistía Internacional, ampliaron mis preocupaciones y me motivaron a pensar de una manera políticamente comprometida con ciertas causas, incluso con el desagrado de mis padres.
Así que fue algo apropiado que el acercamiento a “... Nothing Like The Sun” ocurriera durante un viaje con mi familia por parte de padre.
Recuerdo vívidamente haber comprado el álbum en casete, ponerlo en mi Walkman, presionar play y ser recibido con un álbum que parecía una comida global cálida y orgánica cocinada por un chef que se toma las cosas en serio.
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Escrito y grabado después de la participación de Sting en la gira Conspiracy of Hope de Amnistía Internacional, estaba claro que estar expuesto a algunos de los dramas de cada país durante las escalas de la gira por América Latina, no sólo abrió los ojos de Sting a los problemas de la opresión gubernamental, las dictaduras y la tortura, sino también a la música de la región.
Junto con esto, estaba la lucha personal de Sting al lidiar con la enfermedad y la pérdida final de su madre que ocurrió en el período previo a la grabación del álbum.
Canciones como la que abre el álbum, “The Lazarus Heart”, fusionan estos dos temas a la perfección, mientras entrelaza elementos de percusión inspirados en la world music con una fusión de jazz, cantando “Pájaros en el techo de la casa de mi madre / No hay piedras para ahuyentarlos / Pájaros en el techo de la casa de mi madre / Algún día se sentarán en mi techo”.
La canción suena bajo la propulsión del famoso baterista de sesión Manu Katché, y flota como un sueño con la inquietante melodía de saxofón de Branford Marsalis, mientras Sting enfrenta su propia mortalidad, la pérdida de su madre y lo que significa ser padre.
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El título del álbum proviene del Soneto nº 130 de Shakespeare ("Los ojos de mi amante no se parecen en nada al sol"), que Sting utilizó en la canción "Sister Moon".
Añadió que su inspiración para esto fue un encuentro cercano con un borracho, en el que Sting citó el soneto en respuesta a la pregunta: "¿Qué tan hermosa es la luna?
Al hombre ebrio le gustó la respuesta y se alejó tambaleándose en la noche.
Sting escribió luego: "He descubierto que Shakespeare siempre es útil para calmar a los borrachos violentos, aunque sólo sea porque les da la impresión de que estás más loco que ellos".
Esta canción, en particular, es "para los locos de todo el mundo, para todos aquellos cuya cordura depende de las fases de la luna".
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Sting escribió “Englishman In New York” sobre el famoso autor gay Quentin Crisp y sus experiencias como un paria.
Crisp se mudó de Londres a New York en 1986 y Sting pasó varios días con el autor.
Por otro lado, Sting recordó haber sentido nostalgia cuando se mudó por primera vez a New York y buscó los pubs ingleses de la ciudad para saborear su hogar.
"Los sábados por la mañana temprano iba a uno de estos pubs para ver fútbol en vivo desde Inglaterra vía satélite.
Allí podías beber cerveza inglesa, disfrutar de un desayuno frito grasiento y codearte con ingleses de Manchester, Liverpool, Londres, y Newcastle.
Gritábamos en la pantalla como si nuestras voces pudieran tener alguna influencia mágica sobre una mala decisión de fuera de juego del árbitro o para advertirle que se había cometido una falta cuando estaba mirando para otro lado.
Somos supersticiosos y una tribu primitiva, y cuando el partido terminaba, volvíamos a la ciudad como fantasmas", recordó en Lyrics By Sting.
“Englishman In New York” fue lanzado como sencillo en 1988, alcanzando el puesto 51 en el Reino Unido.
En 1990, un remix del productor holandés Ben Liebrand fue lanzado como sencillo y alcanzó el puesto 15.
El videoclip de la canción fue dirigido por David Fincher.
Luego, la inquietante y reflexiva “Be Still My Beating Heart”, que fuera el segundo sencillo del álbum, encanta con su arreglo y presenta los paisajes sonoros etéreos de Andy Summers de The Police en la guitarra. Junto con el jazz imperecedero de “Englishman in New York” y su visión humorística de ser un extraño en una tierra extraña, forman la pieza central del lado A del álbum y aprovechan los puntos fuertes de los músicos de la banda que Sting había formado.
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El álbum tiene un clima general sombrío, si bien con esperanza, ni hablar de melancólico.
De hecho, las únicas canciones alegres en el set son el funk-pop del sencillo principal “We’ll Be Together” y la versión de Noah’s Ark de “Rock Steady”.
Si bien el primero brilla todos estos años después, el segundo ciertamente no es lo mejor del álbum.
Sorprendentemente, originalmente “We’ll Be Together” fue escrita e interpretada para un comercial de cerveza para la compañía japonesa Kirin Brewery.
El único requisito era que contuviera la palabra "juntos".
El vídeo de la canción destaca por presentar a la actriz Trudie Styler, con quien Sting se casó más tarde y fue dirigido por Mary Lambert, quien se basó en la película Orfeo de Jean Cocteau de 1949.
Sting le dijo a Billboard en 1999:
"Es una película muy surrealista ambientada en los tiempos modernos, después de la guerra.
Esta persona que interpreta a Orfeo atraviesa una puerta y de repente está en el inframundo y tiene que rescatar a Eurídice. Hay una mujer buena y una mujer mala en ella, pero no robamos gran parte de la película, sólo la escena inicial".
Eric Clapton tocó la guitarra en la grabación original de la canción, pero Bryan Loren asumió el control en las tomas posteriores. La versión de Clapton se puede escuchar en la compilación Fields of Gold: The Best of Sting 1984–1994.
Por otra parte, “History Will Teach Us Nothing” (canción con la que abríamos el programa), es percusivamente densa y líricamente reveladora, y junto con la encantadora e hipnótica “Straight to My Heart”, mantienen el alma del álbum con su vigor.
Otro momento destacado es la versión de Sting de “Little Wing” de Jimi Hendrix, hábilmente asistida por el pionero del jazz Gil Evans, que adquiere una calidad etérea y se eleva acertadamente hacia los cielos.
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En temas como el sombrío pero esperanzador “They Dance Alone”, que amplifica la difícil situación de las Madres de los Desaparecidos de Chile, el tierno consuelo acústico de “Fragile” y la melancolía de “Sister Moon”, Sting aborda temas serios de una manera que brilla con una auténtica preocupación por hacer que el material deje de ser demasiado severo.
En palabras de Sting:
"Nunca abordo los temas políticos de frente.
Con algo como 'They Dance Alone' y el régimen de Pinochet, la metáfora era la de las mujeres protestando bailando solas frente a los edificios gubernamentales; se podía entender esa metáfora ya sea que se conociera o no la situación política.
Yo conocía las cuestiones políticas.
Nunca me propuse escribir una canción que tratara, por ejemplo, sobre el medio ambiente.
La composición de canciones es mucho más velada que eso.
El significado se revela a medida que avanzas en ella.
Una canción debe ser lo suficientemente plástica como para que puedas encontrarle diferentes significados.
Eso es lo que hace todo el arte, toda la poesía, si se le puede llamar así".
Por supuesto, esta canción fue prohibida en Chile.
The Police tocó en Chile en 1982, en el festival de Viña del Mar, presentando el álbum "Ghost in the Machine", donde, a pesar del encubrimiento, pudieron apreciar situaciones violentas de primera mano.
Sting regresó a Chile durante una gira en 1990 en nombre de Amnistía Internacional, junto con Bruce Springsteen, Peter Gabriel, Youssou N'Dour y Tracy Chapman, donde fue honrado por el nuevo gobierno.
"[Ellos] me dieron una medalla y una mención por mis esfuerzos, y las madres de los desaparecidos me dieron un abrazo. Había perdido a mi propia madre pero había heredado muchas más", recordó en Lyrics By Sting.
La madre de Sting padecía una cáncer terminal mientras él componía este álbum. Lamentablemente, murió antes de que fuera editado.
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“Fragile” se inspiró en un voluntario del Cuerpo de Paz estadounidense en Nicaragua, llamado Ben Linder, que fue asesinado por los Contras mientras trabajaba en un proyecto hidroeléctrico.
Sting la escribió durante una tormenta tropical en la isla caribeña de Montserrat en 1987.
Cantado además en español y portugués bajo los títulos "Fragilidad" y "Frágil", apareció dos veces más en el EP de 1988 “Nada como el sol”.
Desde entonces, se ha convertido en la voz de muchas causas diferentes, incluido un llamado de los ambientalistas a cuidar el planeta.
En 2001, la canción resurgió después de los ataques terroristas del 11 de septiembre en Estados Unidos.
"Fragile había encontrado otro hogar para brindar su reconfortante consuelo", señaló Sting más tarde.
Décadas después, “…Nothing Like the Sun” sigue siendo una escucha siempre placentera que te coloca en un estado de ánimo reflexivo y te permite espacio para viajar dentro de la música. Sorprendentemente exitoso por lo que es (para todos los efectos, un álbum que suena decididamente no muy comercial), sigue siendo uno de los mejores y más cohesivos momentos registrados de Sting, que vale la pena desempolvar y darle play volver a escuchar.
Esto fue ‘…Nothing Like the Sun’, de Sting, en Punto Muerto. -
¡Buenos dias!
¿Cómo les va?
Espero que hayan empezado muy bien la semana.
Nosotros intentaremos que así sea con un gran bootleg de un gran artista.
Considerado como las "joyas de la corona" de los piratas de Television, escucharemos dos sesiones de grabación de la banda en 1974 y 1975.
El aclamado álbum debut de la banda, 'Marquee Moon', se lanzó en 1977 (Elektra Records) y tuvo mucho éxito en Europa, sin bien no logró ingresar al Billboard 200 en los EE. UU.
Ambas sesiones se incluyeron en el pirata 'Double Exposure' que fue editado en Italia y se lanzó por primera vez en 1992.
De hecho, el pirata original incluía tres temas en vivo del CBGB de 1975, que faltan en esta versión.
Haciendo un poquito de historia, a finales de 1973 se formó el trío, que se hizo llamar Television y pronto reclutó a Richard Lloyd como segundo guitarrista.
Convencieron al propietario del CBGB, Hilly Kristal, para que le diera a la banda un espacio regular para tocar en su club que acababa de abrir en el Bowery de New York, siendo Television el primer grupo de rock en actuar en el club, que se convertiría, junto con Max's Kansas City, en el centro de la floreciente escena punk.
Según se cuenta, los miembros de Television incluso construyeron el primer escenario en CBGB, donde rápidamente establecieron un importante culto de seguidores.
Los demos de Television en 1974 (las primeras 5 canciones) se grabaron en Good Vibrations Studios en New York con Richard Hell al bajo y fueron producidas por Brian Eno y Richard Williams para Island Records.
“No me importó mucho el sonido que grabó ni la interpretación”, dijo Tom Verlaine, descartando el intento de Brian Eno de grabar el primer álbum del grupo que sería la quintaesencia del sonido neoyorquino.
Verlaine canceló el supuesto álbum con Island y también a su compañero de escuela, el bajista y socio musical Richard Hell.
Y “Double Exposure” muestra por qué; Verlaine, el segundo guitarrista Richard Lloyd y el baterista Billy Ficca avanzan hacia los arcos cincelados de Marquee Moon de 1977, mientras Hell va hacia otro lugar, mucho más punk si se quiere, sonoramente.
Cuando le dijeron antes de la sesión que ninguna de sus canciones (“Blank Generation” incluida) sería grabada, Hell supo que el final estaba cerca.
Ni hablar cuando Verlaine le dijo que dejara de saltar en el escenario.
“No quería que la gente se distrajera”, recordó Richard Hell más tarde.
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Los demos de agosto de 1975 (las últimas 6 canciones) se grabaron ya con Fred Smith al bajo y fueron parte de la sesión de Terry Ork, de Ork Records, que produjo el primer single de Television, "Little Johnny Jewel”, que se puede escuchar en la reedición extendida de “Marquee Moon”.
Es fascinante escuchar las primeras versiones de estas canciones que finalmente aparecieron en 'Marquee Moon'.
Cada sesión y versión son claramente diferentes, la segunda tiene un “toque más duro" en su sonido y se acerca más a las ediciones finales publicadas.
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Y ya que nos quedan unos minutos, los aprovecharemos escuchando una de esas versiones en vivo grabadas en el CBGB en 1975, que formaron parte del bootleg original.
Una verdadera joya que sirve como registro de momentos fundamentales de la historia de la música moderna.
Nos vamos yendo, nos vamos despidiendo de este episodio con Television interpretando “Blank Generation”. -
Desde su fallecimiento el 5 de abril de 1994, Kurt Cobain ha sido objeto de más libros, documentales y teorías de conspiración que quizás cualquier otro músico moderno. Entre ese paso del tiempo y la medida en que su vida ha sido recorrida, es difícil imaginar que haya algo nuevo que decir sobre Cobain y la música que hizo con Nirvana.
Y, sin embargo, ese paso del tiempo ha hecho poco para suavizar el impacto del suicidio de Cobain, una muerte tan repentina y perturbadora en un momento en la historia del rock como la de John Lennon o Elvis Presley. Cualquiera de los autores o cineastas que han elogiado a Cobain, o los millones de miembros de la Generación X que crecieron escuchando Nirvana, podrían decir dónde estaban en el momento en que se enteraron de su muerte.
La muerte ha transformado a Cobain en un mito, por lo que es fundamental recordar quién era ese hombre y cómo murió.
Cobain no fue un gran artista debido a sus batallas contra la depresión y la adicción; fue un gran artista porque fue capaz de convertir esas batallas en música visceral e inquietante, pero lo suficientemente pegadiza como para dominar MTV.
Pero esas batallas no estaban destinadas a terminar como terminaron.
Cobain había luchado contra sus demonios hasta un punto muerto durante años, pero no fue hasta las últimas semanas de su vida que le hundieron sus garras profundamente y lamentablemente lo desgarraron.
“Tan privilegiada como una puta
Víctimas en demanda de espectáculo público
Barrido a través de las grietas debajo de la puerta.
Más santo que tú, ¿cómo?
Rendido, ejecutado, de todos modos
Un garabato disuelto, una caja de cigarros en el suelo.
Un ausente encuentra su hogar
Y yo también deseo aguantar
Pero vi la trampa al sol.”
Mucho se especuló con que la canción “Immortality” de Pearl Jam había sido inspirada en la muerte de Cobain, si bien Eddie Vedder una y otra vez lo negó.
Lo que sí es cierto, es que Vedder vio algo en su generación, quizá también en el grupo de artistas al que pertenecía, mucho antes que el resto, y pudo expresarlo perfectamente en esta letra.
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Nirvana comenzó la etapa europea de su gira para presentar “In Utero”, su tercer (y último) álbum de estudio, en febrero de 1994, y según todos, fue un espectáculo lamentable.
Cobain apenas llevaba cinco días de gira antes de comenzar a hablar de cancelar las fechas restantes; su peor estado de ánimo se vio impulsado por el deterioro de las relaciones con sus compañeros de banda y su esposa, Courtney Love, así como por su siempre presente dolor de estómago. Cumplió su deseo el 1 de marzo, la primera de las dos fechas que la banda tenía programada para tocar en Munich, Alemania.
Antes del concierto, Cobain se peleó por teléfono con Love, luego irrumpió en el camerino de los Melvins (que eran la banda telonera) y se descargó sobre Buzz Osborne, diciéndole a su héroe musical que quería romper con Nirvana y divorciarse de Courtney Love.
Poco más de una hora después, la última actuación de Nirvana llegó a su fin.
La voz de Cobain se había apagado debido a la laringitis, o esa fue la excusa que dio, y cortó el show.
Con la gira programada para reanudarse el 11 de marzo, los miembros de la banda tomaron caminos separados; Cobain voló a Roma, donde Love y su hija, Frances, se unieron a él unos días después.
En la mañana del 4 de marzo, Love se despertó y descubrió que su marido no respondía tras haber sufrido una sobredosis de champán y pastillas de Rohypnol (una droga prohibida en EEUU, que se usa para tratar el insomnio y la ansiedad).
El management de Nirvana afirmaría que la sobredosis fue accidental, pero meses después, Love reveló que fue un intento de suicidio y le dijo a Rolling Stone que Cobain "tomó 50 malditas pastillas" y había escrito una nota de suicidio.
En ella, Cobain, cuyos padres se separaron cuando él era joven, escribió que "preferiría morir antes que pasar por otro divorcio".
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La gira de Nirvana fue reprogramada para darle tiempo a Cobain para recuperarse, pero todo fue barranca abajo después de su regreso a Seattle.
Se retiró de todo lo relacionado con Nirvana, rechazando un puesto como cabeza de cartel en el próximo festival Lollapalooza y saltándose los ensayos con sus compañeros de banda.
En un intento por frenar la adicción a la heroína de Cobain, Love le prohibió consumir drogas en casa; Cobain respondió drogándose en habitaciones de motel de mala muerte o en el apartamento de su traficante.
La policía de Seattle fue llamada a su casa el 18 de marzo después de que una discusión terminara con Cobain encerrándose en una habitación con armas de fuego.
La policía confiscó las armas, pero no se presentaron cargos contra él.
Al igual que en Roma, Cobain negó que se tratara de un intento de suicidio.
El 25 de marzo, Love y otras nueve personas, incluidos compañeros de banda, directivos y amigos, sorprendieron a Cobain con una intervención.
Cobain estaba indignado y arremetió contra todos los presentes en la sala, especialmente contra su esposa, a quien acusó de estar “más jodida que él”, como recordó el manager Danny Goldberg a Charles R. Cross, autor de Heavier Than Heaven: Biografía de Kurt Cobain.
Love respondió diciendo que había hecho planes para comenzar un programa de tratamiento de drogas en Los Ángeles al día siguiente y le dijo a Cobain que se divorciaría de él si no buscaba rehabilitarse. Sus compañeros de banda ofrecieron un ultimátum similar, amenazando con dejar Nirvana.
La intervención terminó en un punto muerto; Love partió hacia el aeropuerto inmediatamente después, y uno por uno los demás también se fueron.
Para algunos de ellos, incluida Love, sería la última vez que lo verían.
Horas después, Cobain estaba de regreso en casa de su dealer esa noche y le preguntó:
“¿Dónde están mis amigos cuando los necesito?
¿Por qué mis amigos están en mi contra?
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Entre la intervención y su ingreso a rehabilitación, Cobain tuvo sus interacciones finales con varios otros amigos y familiares.
Llamó a sus abuelos e hizo planes para ir a pescar con su abuelo el mes siguiente.
Hablando con The Seattle Times un mes después de la muerte de Cobain, su abuela dijo: "Todo parecía estar bien... cuando hablaba conmigo parecía feliz".
Otros vieron a Cobain en su punto más bajo. Al día siguiente de la intervención, Cobain recibió la visita de su madre y su hermana, quienes abandonaron su casa llorando al verlo drogado por la heroína.
El 29 de marzo, días después de otra sobredosis casi fatal, Cobain acordó que el bajista de Nirvana, Krist Novoselic, quien alguna vez fue su amigo más cercano, lo llevara al aeropuerto, solo para huir a casa después de una pelea a golpes de puño en la terminal.
Al día siguiente, Cobain visitó a Dylan Carlson, otro amigo, y le pidió ayuda para comprar un arma.
Después de que le confiscaran sus armas en el pasado, tal vez Cobain sospechaba que la policía lo sabría si intentaba comprar una nueva.
Le dijo a Carlson que el arma era para protegerse de los intrusos, una afirmación que creía Carlson, que estuvo en la intervención de Cobain.
Carlson y Cobain condujeron hasta Stan Baker's Sports, donde el primero compró una escopeta y municiones. "
Parecía un poco extraño que estuviera comprando la escopeta antes de irse", dijo Carlson a Rolling Stone en junio de 1994.
Se ofreció a quedársela hasta que Cobain regresara, pero Cobain se negó y se llevó el arma a su casa antes de dirigirse al aeropuerto esa noche.
Se suponía que Cobain pasaría cuatro semanas en el Centro de Rehabilitación Exodus en Los Ángeles.
Debido a que a Exodus no se le notificó que el incidente de Roma había sido un intento de suicidio, Cobain fue tratado como un paciente normal.
Los compañeros pacientes y visitantes recuerdan que Cobain se mostró sorprendentemente cooperativo con sus consejeros.
Frances y su niñera lo visitaron dos veces y pasó tiempo jugando felizmente con su hija. Aproximadamente a las 6 de la tarde, en su tercer día el 1 de abril, hizo una llamada telefónica a Love, la última conversación que tendría con ella.
"Solo recuerda, pase lo que pase, te amo", le dijo Cobain a su esposa.
Una hora y media después, Cobain fue a un patio al aire libre de la clínica y escaló una pared de ladrillos de dos metros sin que nadie lo viera.
Cuando Love descubrió que Cobain había escapado, ya había tomado un vuelo nocturno de regreso a casa.
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Los últimos días de Cobain en Seattle son un rompecabezas sin solución de avistamientos no confirmados y transacciones fallidas con tarjetas de crédito.
Algunas personas dijeron a la policía que vieron a Cobain en el parque Viretta junto a su casa en el barrio de Madrona; otros afirman haberlo visto en Capitol Hill, donde vivía su traficante.
Incluso hay informes infundados de que Cobain pasó una noche en su casa de verano en Carnation, a 40 minutos en coche al este de Seattle, con un amigo.
Los esfuerzos para rastrear los pasos de Cobain se vieron aún más obstaculizados por la decisión de Love de cancelar la tarjeta de crédito de Cobain el día después de que dejó Los Ángeles; Esto sólo le complicó las cosas a Tom Grant, el investigador privado que Love había contratado para encontrar a su marido. Durante la semana siguiente, hubo varios intentos de usar la tarjeta, dos de los cuales, de manera confusa, ocurrieron después del 5 de abril, el día en que se cree que murió.
Todo lo que sabemos con certeza sobre el regreso de Cobain a Seattle es lo primero que hizo y lo último que hizo.
Él llegó a su casa después de la medianoche del 2 de abril, y al amanecer despertó a su amigo Michael “Cali” DeWitt, quien había estado cuidando la casa con su novia (una joven Jessica Hopper) mientras Cobain y Love estaban en rehabilitación. Poco después de que DeWitt y Hopper volvieran a dormirse, Cobain tomó un taxi hasta una armería, donde compró más balas de escopeta.
DeWitt había estado consumiendo drogas y ni siquiera se dio cuenta de que Cobain había regresado.
No fue hasta dos días después, durante una discusión con Hopper, que se dio cuenta de que la visita de Cobain no era una alucinación.
Luego le contó a Love, quien envió a su compañero de banda de Hole, Eric Erlandson, a registrar la casa con DeWitt. La casa sería registrada dos veces más en los dos días siguientes: una por Grant y Carlson y otra por DeWitt.
Nadie miró en el garaje ni en el invernadero situado encima, el lugar del suicidio de Cobain.
Elijo llamar suicidio a la muerte de Cobain porque eso es lo que la evidencia respalda más claramente. La muerte, en todas sus formas, deja preguntas sin respuesta, pero el suicidio atormenta a los vivos, hasta el punto de invitar a negar que alguien querría, más que nada, morir. Las teorías de que Cobain fue asesinado no llegan a responder esas preguntas; le faltan el respeto a él y a quienes lo amaban, ennegreciendo lo que ya es una tragedia. En el invernadero, Cobain escribió una nota con tinta roja, dirigida a su amigo imaginario de la infancia, Boddah, en la que describía el vacío en él que nada (ni su música, ni sus fans, ni siquiera el amor de su esposa e hija) podía llenar. Sacó la vieja caja de cigarros donde guardaba su botiquín de heroína y se drogó por última vez.
Luego se llevó la escopeta a la boca y apretó el gatillo.
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Cobain también vivió otras cosas: su vida, a pesar de lo llena de desesperación y rabia que estaba, no estuvo exenta de momentos de felicidad y serenidad, y parece como si, cerca del final, se permitiera experimentar esos momentos con más frecuencia.
En su última entrevista con Rolling Stone en enero de 1994, Cobain no parecía un hombre que quisiera morir: "Nunca he sido más feliz en mi vida", dijo.
También describió su visión para el próximo álbum de Nirvana como un trabajo “bastante etéreo y acústico” diferente a todo lo que había hecho antes.
Cobain nunca grabaría las canciones que tenía en la cabeza, pero imagino que habrían sonado como un hombre que finalmente hubiera encontrado la trascendencia de la que su banda tomó el nombre.
Probablemente no habrían significado tanto para sus fans como “Smells Like Teen Spirit” o “Lithium”.
Sin embargo, existirían y, con suerte, también existiría Kurt Cobain. -
Lanzado hace 40 años, Reckoning fue la continuación del aclamado debut de R.E.M. Murmur (1983), que recibió una difusión masiva en las estaciones de radio universitarias de todo Estados Unidos. Si Murmur fue su introducción a la radio universitaria, Reckoning convirtió a la banda en una de sus caras y voces principales.
Después del lanzamiento de Murmur, la banda comenzó a trabajar en su segundo álbum aún sin nombre. Cuando llegó el otoño de 1983, habían escrito canciones para un álbum doble.
En el libro de Tony Fletcher de 2003, Remarks Made: The Story of R.E.M., el guitarrista principal Peter Buck recordó: "Estábamos pasando por esta racha en la que escribíamos dos buenas canciones por semana.
Sólo queríamos hacerlo; cada vez que teníamos un nuevo lote de canciones, sentíamos que llegó el momento de grabar".
Después de grabar algunas canciones con el productor Eliot Mazer, la banda volvió con los productores de Murmur, Mitch Easter y Don Dixon.
La grabación comenzó el 8 de diciembre de 1983 en Reflection Sound en Charlotte, Carolina del Norte.
Las sesiones duraron menos de un mes, pero tuvieron sus problemas.
El sello de R.E.M. en ese momento era I.R.S. Records, que era conocida por su lista de artistas de rock alternativo y new wave clásicos de la radio universitaria como Wall of Voodoo, The Alarm y English Beat.
En ese momento, el sello encontró un gran éxito con los Go-Go, lo que a su vez les produjo el deseo de producir productos más comerciales.
Durante las sesiones de grabación de Reckoning, el sello no tuvo reparos en dar notas y sugerencias a Easter y Dixon.
Los productores rápidamente se dieron cuenta de que necesitaban proteger a la banda de cualquier interferencia del sello discográfico.
Buck señaló que parte de la razón por la que grabaron el álbum tan rápido fue para terminarlo antes que nadie en I.R.S. apareciera para escucharlo.
La única diferencia notable en cuanto a sonido entre Murmur y Reckoning es la claridad en la voz de Michael Stipe.
En el primero, la voz de Stipe está enterrada en la mezcla y casi oculta, mientras que en Reckoning puedes escucharlo claramente y su enunciación es mejor.
Ya no había que esforzarse para descifrar lo que decía.
Otra mejora fue que Dixon y Easter grabaron a la banda usando dos micrófonos con la esperanza de lograr un sonido similar a sus shows en vivo.
Pagó enormes dividendos y ayudó a crear uno de los álbumes más sólidos de su catálogo.
Este método aprovechaba los puntos fuertes de cada miembro de la banda, desde los coros hasta la batería de Bill Berry, que el entonces escritor de Rolling Stone, Chris Connelly, describió como "tan amenazante como el ejército granadino".
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Reckoning no es de ninguna manera un álbum conceptual, pero a lo largo del LP, el agua, la muerte y la pérdida son temas recurrentes. Las letras de Stipe no explican exactamente el significado de sus canciones, sino que le dan al oyente lo suficiente para dar su propia interpretación.
“Harborcoat” es el tema de apertura que presenta un agradable intercambio entre Stipe y Mike Mills: “Se acercaron a Lenin con la nariz desgastada / (Dile que le enviaré la suya adelante) / Un apretón de manos es digno, si es todo lo que tienes / (No habrás hecho nada malo) / Navajas de metal sobre madera clavadas en nuestra espalda”
Es una de las pistas más alegres del álbum y, por mi vida, no tengo idea de qué trata la canción, y tampoco es que me moleste.
Según el libro de Marcus Gray “It Crawled from the South”, en 1991, Stipe reveló que “Harborcoat” es una reescritura de El diario de Ana Frank.
Habiendo descubierto ese hecho mientras investigaba para este programa, no creo que pueda volver a escuchar la canción de la misma manera.
Por otro lado, “Pretty Persuasion” y “(Don’t Go Back to) Rockville” son dos canciones que R.E.M. habían tocado con frecuencia en sus shows en vivo desde 1980 y la banda inicialmente no quería incluirlas en el álbum. Sintieron que ya las habían tocado lo suficiente y estaban aburridos.
El escritor Bill Janovitz escribió sobre “Pretty Persuasion”:
“Sólo leyendo la letra se puede descifrar lo que está pasando, una versión anticonsumista de la publicidad”.
Esto se sugiere en el verso inicial y el estribillo de la canción: “Es lo que quiero / Date prisa y compra / Todo ha sido probado / Sigue la razón y compra / Él tiene bastante persuasión / Ella tiene bastante persuasión / Maldita sea, pura confusión / Ella tiene bastante persuasión .”
En una entrevista de 2009 con Rolling Stone, Stipe dio una visión completamente diferente de la canción.
Dijo: "Se trata de una pareja de swingers, una pareja heterosexual que emplea a hombres y mujeres más jóvenes y los seduce".
En todos mis años de escuchar “Pretty Persuasion”, que son muchos, nunca pensé en ninguna de estas interpretaciones.
Es otro ejemplo más de cómo Stipe pinta una imagen lo suficientemente amplia como para permitir que el oyente le dé su propia interpretación.
Uno de los momentos más intensos y oscuros de Reckoning es "Camera", un homenaje al amigo de Stipe que murió en un accidente automovilístico.
Es Stipe en su forma más cruda y emocional.
Easter quería una mejor interpretación del tema, pero Stipe estaba más preocupado por la emoción que transmitía que por la calidad de su voz.
Stipe, Easter y Dixon tomaron la decisión correcta.
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REM eran teloneros de Human League en el Palace Theatre de Los Ángeles, el 11 de junio de 1983, cuando se enteraron de grandes lluvias en la región centro-sur de Georgia.
La banda es de Athens, que se encuentra justo en esa zona, por lo que intentaron llamar a sus familiares y amigos para asegurarse de que estaban bien, pero los teléfonos estaban fuera de servicio debido a la lluvia torrencial.
R.E.M. tomó este incidente y escribió "Southern Central Rain (I'm Sorry)" en respuesta.
Ese mismo año, la banda interpretó la canción en el programa de televisión Late Night with David Letterman, antes de que tuviera siquiera un título, en lo que fue la primera aparición televisiva nacional de R.E.M.
Esta presentación también, sin darse cuenta, moldeó la personalidad del líder.
Michael Stipe recordó la siguiente anécdota en Part Lies, Part Heart, Part Truth, Part Garbage 1982-2011:
"Todos fueron muy amables con nosotros, pero éramos muy verdes.
Los productores nos dijeron antes del show que Dave vendría y hablaría con un miembro de la banda después de la canción, así que Peter fue elegido para representarnos a todos.
Terminamos bien la canción, pero cuando Dave vino a hablar, me senté en el monitor del piso, y desde ese momento en adelante, por los siglos de los siglos, fui tildado de "enigmático". ¡Qué espanto!"
En todo caso, se convirtió en el segundo sencillo de R.E.M. en el Billboard Hot 100, alcanzando el puesto 85.
"Radio Free Europe" fue su primera canción en las listas.
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Para la portada de Reckoning, Stipe hizo un dibujo de una serpiente de dos cabezas, que luego le dio al artista Howard Finster para que lo completara como una pintura. Stipe afirmó que las imágenes eran un intento de definir los elementos, explicando: "Parte son rocas, parte es el sol y parte es el cielo".
El resultado final se consideró una decepción, ya que Stipe tuvo que trabajar con Finster a larga distancia y la reproducción de la obra de arte en la portada del álbum fue problemática.
El lomo de la versión en vinilo del álbum incluye la frase "File Under Water".
Stipe le dijo a NME en 1984 que la frase es el verdadero título del disco.
Añadió: "En Estados Unidos, ambos títulos están en el lomo, sin nada en la portada. Aquí [en el Reino Unido] insistieron en que Reckoning estuviera en la portada".
Además, el disco no tiene “lado uno" y "lado dos", o “lado a” y “lado b”, ya que fueron designados como "L" (de Left) y "R" (de Right), respectivamente.
Es decir, lado izquierdo y lado derecho en español.
La contraportada presenta fotografías individuales de los miembros de la banda, incluida una fotografía de Stipe tomada por Michael Plen en el club Les Bains-Douches en París, Francia, el 24 de noviembre de 1983.
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De arriba a abajo, Reckoning es un álbum sólido que se mantiene bien en comparación con muchos de sus pares de 1984.
Temas destacados como "So. Central Rain (I'm Sorry)”, "Time After Time (Annelise)" y el anteriormente mencionado "(Don't Go Back To) Rockville" colocó a Reckoning entre los mejores álbumes de 1984 de muchos críticos.
También marcó el comienzo del fin de una era durante la cual R.E.M. era una banda de culto.
A los críticos les encantaron y tenían una base de fans sólida que crecería enormemente cuando llegó 1987 y se lanzó Document.
Han pasado casi trece años desde la separación amistosa de R.E.M.
Y mirando retrospectivamente su discografía, me sorprende cómo lograron experimentar y evolucionar como artistas manteniendo una cualidad intangible que cautivó y solidificó su base de seguidores leales.
Reckoning sigue siendo uno de mis álbumes favoritos de R.E.M., como de varios que lo escucharon en 1984 y pensaron "algún día estos muchachos podrían convertirse en una banda legendaria".
Y vaya que lo hicieron.
Nosotros nos vamos yendo, nos vamos despidiendo con la canción que fue escrita por Mike Mills como una súplica a su entonces novia, Ingrid Schorr, para que no regresara a Rockville, Maryland, donde vivían sus padres.
Esto fue Reckoning, de R.E.M. en Punto Muerto. -
El destino, si es que existe, tiene su manera de poner las cosas en un contexto interesante.
Cuando se anunció que Iggy Pop colaboraría con Josh Homme de Queens of the Stone Age, la prensa musical se llenó de especulaciones sobre el proyecto.
¿Qué se les ocurriría al ícono del proto-punk y al sarcástico tipo inteligente del hard rock?
La respuesta sorpresa es, en muchos aspectos, Post Pop Depression de 2016, un tributo involuntario pero adorado al amigo y colaborador de Iggy Pop, David Bowie.
La depresión post pop llegó dos meses después de la muerte de Bowie y se completó antes de que sus problemas de salud se hicieran de conocimiento público.
Sin embargo, más que nada, esta música evoca el sonido y la sensación de los dos primeros álbumes solistas de Iggy.
“The Idiot” y “Lust for Life”, de 1977, fueron grabados con Bowie en los estudios Hansa, del aquel entonces Berlín Oriental, mientras Iggy luchaba por darle sentido a su vida y su carrera después del colapso de los Stooges.
Con los Stooges reunidos desaparecidos tras la muerte de Ron y Scott Asheton en 2009 y 2014 respectivamente, Post Pop Depression encuentra a Iggy regresando al trabajo que hizo en 1977, en las formas que más valen.
Es inteligente y reflexivo, inteligente sin ser pretencioso y lleno de pensamiento audaz pero introspectivo.
Si bien Josh Homme ciertamente no es David Bowie, es un músico hábil que desafía a Iggy de una manera que muchos de sus productores anteriores no lo habían hecho.
Nosotros escucharemos esta sesión, grabada para la radio KCRW en The Village Studio, en Santa Mónica (California) y emitida el 30 de Marzo de 2016.
Ahí vamos.
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El sonido de Post Pop Depression es un gesto al trabajo de Bowie, con y sin Iggy, pero Josh Homme le ha dado a esta música una personalidad propia.
Oscuro y de rica textura, Post Pop Depression pone la voz áspera pero autoritaria de Iggy y sus diatribas inteligentes al frente y al centro.
Homme y su sección rítmica de Dean Fertita (QotSA & The Dead Weather) y Matt Helders (Arctic Monkeys) han creado bases fuertes y musculosos para las letras de Iggy que aumentan su poder.
Contrarrestan su reflexiva rabia con sonidos ricos y limpios, siendo un exitoso cumplido para el trabajo de la estrella.
En su momento, Iggy sugirió que este podría ser su último álbum, y si eso era cierto, hubiese cerrado su carrera con un trabajo fuerte y algo atípico.
Se inclina ante Bowie, pero también ante la libertad y las posibilidades creativas que descubrió en su trabajo colaborativo.
Confirma que Iggy nunca ha perdido la capacidad de sorprender y superar las expectativas.
En el amargo discurso que cierra "Paraguay", declara que quiere huir y vivir como "tu tonto básico".
Es un pensamiento irónico para cerrar un álbum que una vez más demuestra que Iggy nunca fue ni será un tipo común y corriente.
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“Voy a donde van los malos perdedores
Para esconder mi cara y gastar mi dinero
Aunque es un sueño, no es una mentira.
Y no pararé de decir adiós”
Ya que la citamos anteriormente, y es un verdadero temazo, escuchamos desde Austin City Limits la canción que cierra “Post Pop Depression”.
Con ustedes, “Paraguay”.
“No tendré miedo.”
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Y así como empezamos el programa con una versión en vivo de “Sister Midnight”, canción que abría el magnífico álbum “The Idiot” de 1977 de Iggy Pop, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo, con una versión que su amigo hizo del mismo tema en un concierto en Isle Of Wight en el año 2004.
Espero que hayan disfrutado del programa tanto como yo.
Este es el único e irrepetible David Bowie. -
Existe una energía maníaca que te levanta del sofá cuando comienza el álbum Dookie de Green Day.
“Declaro que ya no me importa”, proclama el líder Billie Joe Armstrong.
“Me estoy quemando y / aburriéndome”.
“Se aburre” casi como un grito de guerra.
Detrás de él, el sonido es tan denso (batería ajustada, guitarra eléctrica clara y bajo suave) que su gemido suena fuerte. Armstrong tiene suficiente práctica para quejarse como para que el estribillo se convierta en un canto a coro en el tema que abre el álbum, “Burnout”, aunque solo sea porque se repite cuatro veces.
Y de repente han pasado dos minutos y se acabó.
Subí el volumen, volvé a aquellos 17 años, dejá que la música elimine todos los malos sentimientos que tengas en el día, nadie quiere cambiar lo que pensás, porque ciertamente, estás en buena compañía.
Ahí vamos.
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El 1° de febrero se cumplió el 30 aniversario de Dookie, el debut discográfico importante de la banda con el sello Reprise y el tercer álbum en general.
Y qué nombre para ponerle a tu primer gran LP: Dookie.
Palabra que en slang, el dialecto callejero de los EEUU significa “mierda".
Estos jóvenes punks de Berkeley, California, seguro sabían lo que estaban haciendo.
Después de ganar fuerza con su anterior lanzamiento con un sello independiente llamado Lookout!, el álbum de 1991 Kerplunk! vendió 10.000 copias en su primer día a la venta, por lo que el productor Rob Cavallo los encontró y los sumó a Reprise Records.
Conocido como productor de muchas artistas reconocidos, desde la banda punk Jawbreaker hasta Phil Collins, el gran trabajo de Cavallo en Dookie es una parte importante de lo que los hizo famosos a los cuatro. A Green Day y a Rob Cavallo.
De hecho, continuaría produciendo los siguientes diez álbumes de estudio del grupo, sus sencillos paralelos y, después de una pausa en su asociación creativa, su álbum de estudio más reciente Saviors, lanzado en Enero de 2024.
El trío comenzó como una banda local en Oakland tocando en 924 Gilman Street, un espacio de punk de bricolaje para todas las edades en Berkeley iniciado por Tim Yohannan, fundador de Maximum Rocknroll. Entonces, tan pronto como Green Day firmó con Reprise, fueron etiquetados como vendidos y se les prohibió regresar a 924 Gilman a menos que los miembros del lugar que los rechazaran en primera instancia los votaran como “permitidos”, lo cual han hecho dos veces.
“Venderse” es un fenómeno complicado para cualquier banda sacada de la oscuridad.
Los fanáticos del primer Green Day independiente podrían haberle dado la espalda solo por el acuerdo con el gran sello discográfico.
Sin embargo, sospecho que hubo muchos leales que permanecieron con la banda a pesar de todo, ya que es difícil ignorar la validación general para algo que lo merece tanto.
Armstrong (guitarra, voz principal), Mike Dirnt (bajo, coros) y Tré Cool (batería) grabaron Dookie en poco más de tres semanas.
Según los informes, Armstrong hizo todas las voces en dos días.
El disco en sí es frenético, durando poco menos de cuarenta minutos.
Y aunque las canciones están llenas de tipos perezosos que se sientan, miran televisión y fuman marihuana, el álbum pura energía y para nada relajado.
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Armstrong escribió el quinto sencillo del LP, "She", después de que una exnovia le mostrara su poema feminista con el mismo nombre.
Ahora se sabe que interpretó la canción desnudo.
En cuanto a la perspectiva feminista al respecto, hay mucho que analizar.
La historia de hombres que utilizan a las mujeres como musa, inspiración o, francamente, las estafan es muy larga.
Tras su lanzamiento, los críticos llamaron a “She” "sensible sin ser suave", lo que es un encubrimiento de "emocional".
La canción en sí es tan tierna como Dookie puede ser, que apenas lo es.
Armstrong casi que hace de crooner antes de lanzar ese grito pop-punk que conocemos: un grito melódico afinado justo antes de realmente gritar.
Por otro lado, sólo tres de las catorce pistas duran más de tres minutos, y "She" no es una de ellas.
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“Longview” encabezó las listas de modern rock en Billboard y Dirnt supuestamente ideó la línea de bajo mientras tomaba ácido. Se adapta a la canción porque trata de levantarte del suelo por aburrimiento, incluso cuando estás drogado y todavía cansado.
"No tengo motivación / ¿Dónde está mi motivación / No hay tiempo para la motivación?", canta Armstrong.
Green Day hizo música para ellos mismos y resulta que su audiencia es mucho mayor que tres.
Hay todo un mundo de nosotros que no queremos hacer nada en todo el día, pero al final tenés que levantarte y escribir otra canción.
“Welcome To Paradise” apareció originalmente en Kerplunk!, el álbum anterior de Green Day.
La versión original es casi exactamente igual pero sin el brillo que tiene esta.
La batería es más ajustada y Tré Cool es más impresionante.
Hay un eco en la voz original de Armstrong y el puente es más rápido y lleno debido a su guitarra en el canal sucio.
Sin embargo, en Dookie, su voz es más cercana y nítida, y el bajo de Dirnt es bien crudo.
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Es fácil conectarse con estas pistas cuando tenías entre 15 y 20 años, que fue cuando la mayoría de nosotros las encontramos, porque fue entonces cuando Armstrong, Dirnt y Tré Cool las escribieron.
Y no es por los sonidos rápidos y los estribillos pegadizos solamente.
Las letras están llena de ansiedad, desprecio por uno mismo, y sin expectativas desde el principio.
Apatía adolescente.
Armstrong escribió todas las letras excepto “Emenius Sleepus”, que se le atribuye a Dirnt, y sabía que no debía proyectar una vida ideal porque la vida está llena de porquerías.
Es el menor de seis hermanos y su padre, un músico de jazz, murió de cáncer cuando él tenía sólo diez años.
Aunque Green Day se convirtió en el arquetipo del pop-punk, cada género tiene antepasados por una razón.
Y están presentes en todos cuando escuchamos estas canciones.
El disco alcanzó el puesto número dos en el Billboard 200 e introdujo el punk rock en mainstream estadounidense que, sorprendentemente, aún no lo había aceptado del todo.
Dookie ganó el Grammy al Mejor Álbum Alternativo ese año, y la banda era un bichito raro con sus pares de categoría: Crash Test Dummies, Sarah McLachlan, Tori Amos y Nine Inch Nails.
Amplio concepto de alternativo.
El segundo sencillo de Dookie resume la tesis del LP:
“¿Tienes tiempo para escucharme quejarme de nada y de todo? ¡Todo a la vez!”
En este punto te lo están diciendo.
Estás en el camino y no tuviste otra opción porque ahora el álbum está a la mitad. Estás en el estupor de Green Day: es rápido, directo y ruidoso.
También hay rabia en ello, pero está dirigida hacia adentro:
“a veces me pongo los pelos de punta / a veces mi mente me juega una mala pasada / todo sigue sumando / ¡Creo que me estoy riendo a carcajadas! / ¿Estoy simplemente paranoico / o simplemente drogado?”
Escuchamos el mayor himno de Green Day.
Con ustedes, “Basket Case”.
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“When I Come Around” fue su sencillo con mayor éxito en el Billboard Hot 100 llegando al número 6 hasta que “Boulevard of Broken Dreams” de 2004 alcanzó el número 2.
El vídeo de la canción está dirigido por Mark Kohr.
Muestra a la banda caminando a diferentes lugares, como el Mission District y la estación Powell Street en San Francisco y Berkeley, California, por la noche, junto con varias escenas de personas haciendo cosas comunes, todas interrelacionadas.
Otra de las canciones insignia del álbum.
En “F.O.D” (“Fuck Off and Die”) Armstrong canta cerca y su guitarra acústica (GASP) está distante.
Con solo un minuto restante, sus raíces regresan, la canción se conecta y se vuelve eléctrica, en un tema que tiene algún punto Nirvana.
El lanzamiento original de Dookie contenía una canción oculta (“All By Myself”) escrita por Tré Cool, que sigue a “F.O.D.”, pero en la era del streaming, ahora aparece como el simpático tema que cierra el disco.
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“Basket Case” es fácil de nombrar como la tesis de Dookie, pero realmente la idea está en todas partes.
En “Sassafras Roots”, Armstrong pregunta en el coro con mucha educación:
“¿Puedo hacerte perder el tiempo también?” Ralentiza cada palabra, fingiendo que está pidiendo permiso.
No importa que sepa que está desperdiciando el suyo.
Y cuando declara "¡Soy un tonto!" en la canción de ruptura “Chump”, lo gritás con él. Por cierto, el bajo de Dirnt es espectacular.
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En lo que respecta a las renombradas obras maestras, Dookie está a la altura de su género y su época.
El disco entero pasa volando y se pega como chicle.
Rob Cavallo encontró lo que buscaba: una banda que supiera quiénes eran y qué querían hacer.
Dookie es prueba de ello.
Sí, generó mucho dinero para la banda y el sello, pero también llevó a Green Day fuera de Oakland hacia el estrellato mundial. Continuarían haciendo uno de los LP de protesta más importantes de otra generación, con American Idiot (2004) (al que denominaron “ópera rock conceptual”), diez años después, pero en 1994 se buscaba otra cosa.
Dookie ofreció inspiración a muchos oyentes para generar nuevos sonidos de punk, haciendo que el género sea más accesible.
Y al final, Dookie sigue siendo un disco cápsula del tiempo, que recuerda al mundo cómo era la música convencional hace 30 años y hacia dónde se dirigía.
La música pop reina, aunque el título sea una mierda.
Esto fue Dookie, de Green Day, en Punto Muerto. -
Bruce Dickinson tiene 65 años.
Basándonos únicamente en esa información, uno esperaría que el líder de Iron Maiden, ex piloto de línea aérea, actual esgrimista, desarrollador de cerveza, escritor de cómics y cualquier cosa que decida hacer cuando tenga aunque sea un milisegundo de tiempo libre, estuviera entregando su esfuerzo más conservador en los trabajos vocales.
Y aunque normalmente soy el primero en decir “cualquiera podría hacerlo, pero Bruce no”, parecía que hace tres años era todo lo contrario.
Por muy fantástico que fuera el álbum número 17 de Maiden, Senjutsu, fue la primera señal para mí de que los muchachos podrían estar conteniéndose, lo cual es irónico considerando que es el segundo álbum doble de Iron Maiden.
Las melodías vocales eran mucho más contenidas y menos variadas, lo cual tenía sentido porque la instrumentación lo era, hasta cierto punto.
E incluso a pesar de que los dos sencillos principales de The Mandrake Project mostraban más alcance, una parte de mí esperaba que él hiciera el esfuerzo que la mayoría de los cantantes de su edad normalmente harían.
Sin embargo, después de escuchar el álbum, supongo que tendré que tragarme mis propias palabras, porque incluso a los 65 años, Bruce Dickinson está imparable, y The Mandrake Project es una prueba completa y absoluta.
Desde el principio, parece que no han pasado 19 años desde el último trabajo en solitario de Dickinson, Tyranny of Souls. Comenzando con una intro sombría antes de lanzarse directamente a un riff estúpidamente pegadizo, con Bruce entregando algunas voces realmente valientes antes de cambiar abruptamente y sin esfuerzo a su rango alto, con un cambio de tempo, inmediatamente nos deja saber una cosa: "Nunca me fui".
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“Afterglow of Ragnarok” comienza con el pie derecho la siguiente hora.
Bruce hace todo lo posible. Musical y vocalmente, parece que no hay nada que no pueda o no quiera hacer.
¿Una excursión pesada y de blues que recuerda a “Devil Went Down to Georgia”? Lo encontrás en “Rain on the Graves”.
¿Una aventura progresiva con flamenco?
Lo tenés en “Resurrection Men”.
¿Melodías orientales? “Fingers in the Wounds” lo consigue.
Después del mencionado “Afterglow”, le sigue “Many Doors to Hell”, que se remonta a sus días de Tattooed Millionaire, comenzando con un riff de hard rock de blues antes de avanzar a un ritmo urgente. Con uno de los estribillos más pegadizos de Bruce hasta la fecha y algunas voces realmente fantásticas, es un pequeño retroceso agradable y un buen testimonio de la variedad del álbum.
En general, este álbum podría considerarse como una mirada retrospectiva de Bruce a las diferentes épocas que ha explorado a lo largo de su carrera en solitario.
En todo caso, la edad no ha reducido la cantidad de ideas locas que flotan en su cabeza y lo mejor es que muchas funcionan. Combinados con los esfuerzos musicales y de producción del socio productor Roy Z, las locas ideas de Bruce y la producción de Roy Z crean un combo atmosférico y mágico.
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The Mandrake Project también impresiona en sus momentos más lentos y tranquilos. Dickinson se vuelve vulnerable en la balada de piano "Face in the Mirror" ("Bebo para aliviar el dolor / Para apagar este rugido enloquecedor / Oblivion otra vez / En una casa que no tiene puerta") y brama "sálvame ahora" con creciente fervor en el cierre del álbum de 10 minutos "Sonata (Immortal Beloved)".
Es el segundo momento más parecido a Maiden en el álbum detrás de "Eternity Has Failed", un prototipo más lento y pesimista de "If Eternity Should Fail" del álbum The Book of Souls que es audaz, si no necesariamente mejor, que la grabación de 2015 de Iron Maiden.
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“Mistress of Mercy”, al igual que “Resurrection Men”, tiene influencias de su álbum de 1996 Skunkworks; siendo una canción de puro rock pegadizo y rápido con algunos riffs clásicos al estilo de Roy Z, incluso hay un momento interesante y divertido de tensión en medio de la canción donde entra un vampiro, mientras Roy Z toca un riff pegadizo sobre él, y se vuelve cada vez más inteligente a medida que avanza.
En “Shadow of the Gods” Bruce se vuelve francamente progresivo y es una de un par de canciones más lentas del álbum, que tiene una primera mitad más calma antes de recuperarse con algo de pesadez en la segunda mitad.
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Si The Mandrake Project será o no el último esfuerzo en solitario de Bruce, no lo sabemos; incluso a pesar de sus recientes declaraciones de que tiene dos o más secuelas de la historia en proceso, pero lo que sí sabemos es que The Mandrake Project es una excelente adición al trabajo de Dickinson, un gran regreso y, en general, es maravilloso escuchar a Bruce haciendo música en solitario nuevamente.
Es cierto que Mandrake no es tan bueno como algunos de los otros álbumes de Bruce, pero sabiendo de quién estamos hablando aquí, honestamente, es un listón bastante alto que alcanzar.
Bruce todavía canta como un dios absoluto, todavía emociona con o sin Maiden, pero sería bueno escuchar más de esto, y esperemos que esto sea solo el comienzo de más cosas por venir de él.
Esto fue The Mandrake Project. -
“Dearly Beloved….”
("Querida amada….")
Con estas dos palabras, se marcó el comienzo de una nueva era del pop.
Prince bien podría estar diciendo: “Hoy estamos reunidos aquí para cambiar el panorama cultural”, porque con Purple Rain (la película y su álbum homólogo) Prince realmente se llevó la corona de la realeza del funk.
Van a leer informes y reflexiones en su 40 aniversario que sugieren que este fue el álbum que lanzó a Prince al estrellato.
Sin embargo, cualquiera que prestara atención a sus álbumes anteriores, y de manera más consistente en los dos que lo precedieron (Controversy de 1981 y 1999 de 1982), el ascenso de Prince a la estratosfera parecía predestinado.
Mucha gente era consciente del funk púrpura que respiraba por debajo de la superficie.
Si bien es muchísima más la gente que escuchó el álbum, el álbum y la película van de la mano, siendo algo así como gemelos siameses audiovisuales que nunca se separarán.
La música de Purple Rain se combina con las enérgicas actuaciones en vivo que la película graba permanentemente en nuestras mentes.
Igualmente, para gran parte de la audiencia, Purple Rain existe puramente como música primero.
Claro, los videos musicales de “When Doves Cry”, “Let’s Go Crazy”, “Purple Rain” y “Take Me With U” ofrecieron pistas de escenas de la película, pero para quienes busquen una narrativa más completa, estos destellos reflejaban la música en sí y no al revés.
La música por encima de todo.
Tal como lo había hecho en la primera canción del álbum 1999, “Let’s Go Crazy” marca el tono de todo el álbum.
La introducción de este predicador púrpura, con el órgano inspirado en el gospel, genera una declaración audaz en ese acorde inicial.
Y a diferencia de presentaciones anteriores que fueron puramente un asunto de Prince, aquí por primera vez hubo un sonido de banda más completo con los miembros de The Revolution teniendo la oportunidad de poner sus habilidades en juego.
Con su ritmo trepidante y uno de los riffs con más gancho que jamás haya surgido de una guitarra, “Let’s Go Crazy” es pura energía funk rock.
Con cada compás que pasa, la canción te golpea como una ola de electricidad sónica que explota en ese maravilloso y arremolinado solo de guitarra.
Aunque no se le ha dado suficiente crédito por su destreza con la guitarra, este es sin duda uno de los solos más emblemáticos de Prince que rivaliza con los solos rockeros y desgarradores de contemporáneos como Eddie Van Halen.
En esos 4:39, Prince combina blues, gospel, funk y rock en un viaje auditivo perfecto que creó un boom sonoro en todo el mundo y le dio al álbum su segundo éxito número uno.
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Los ritmos de batería en cascada anuncian la llegada de “Take Me With U”, el tema más puramente pop de Prince hasta la fecha. Originalmente escrita para su proyecto paralelo Apollonia 6, Prince rápidamente recuperó el sentido e incluyó la canción en el set.
Acreditado como un dúo con Apollonia, quizá esa podría ser una definición muy liberal del término dúo.
De todos modos, “Take Me With U” es un viaje a la perfección pop, acentuado con una sección de cuerdas (una novedad para Prince y algo que continuaría usando con gran éxito durante el resto de su carrera), además de ese extraordinario abandono alegre.
Como contrastando el brillo de “Take Me With U”, “The Beautiful Ones” profundiza en los tonos más oscuros de 1999, pero esta balada tiene un nuevo sentido de madurez y realidad.
En un verdadero esfuerzo en solitario, Prince retuerce y contorsiona su voz desde un falsete dulce y soñador hasta un grito angustiado y desgarrador en el clímax.
Es escaso, seductor y angustiado, y la agonía que se muestra en los últimos 90 segundos se siente tan cruda y real que no podés evitar prestar atención.
Originalmente grabado como un tema en vivo, “Computer Blue” fue rápidamente reelaborado y regrabado en el estudio, alejándolo de un tema de banda completa y empujándolo hacia un esfuerzo en solitario, salvo por la guitarrista Wendy Melvoin y la tecladista Lisa Coleman.
Con una duración inicial de 14 minutos, la canción fue recortada drásticamente para su eventual lanzamiento luego de la inclusión tardía de “Take Me With U”.
Pero este recorte ayudó a enfocar a “Computer Blue” y a sostener su energía mientras remolinos de sintetizadores y guitarras de rock se entrelazan con una ráfaga de cuerdas, teclas y guitarras extravagantes en el solo.
Sin darse cuenta en su edición en ese momento, “Computer Blue” parecía un mini-opus.
Fue como tener los ojos vendados y ser conducido en un viaje musical que te lleva justo al regazo de “Darling Nikki”.
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El sencillo principal "When Doves Cry" sirvió como una especie de puente entre las melodías fuertemente sintetizadas, los ritmos guiados por patrones de batería que dominaron 1999 y esta nueva aventura. Pero incluso con su arreglo escaso en el bajo, la canción parece más grande.
Un verdadero maestro de la caja de ritmos Linn LM-1, Prince crea un ritmo hipnótico que consiste en un patrón repetitivo de doble golpe simple.
El aire que esto crea permite que su voz esté al frente y al centro, mientras te seduce con sus letras y deja que la melodía guiada por el sintetizador te enganche con facilidad.
Compuesta después del rodaje de Purple Rain, “When Doves Cry” resume apropiadamente el tema principal de la película, estableciendo una intensa historia de amor en contraposición al pedigrí de relaciones de los padres.
La narrativa lírica como resumen (aunque con el estilo único de Prince para las letras) podría ser el único elemento convencional de la canción.
Al combinar elementos de lo que se estaba convirtiendo en un sonido característico con elementos más fusionados con el rock (sin olvidar un solo de sintetizador barroco con tintes clásicos), el escenario estaba preparado para lo que vendría después cuando el álbum se lanzara, siendo un clásico total.
Antes que eso, definitivamente no es la aventura más explícita de Prince registrada (temas anteriores como “Bambi”, “Sister”, “Head” y “Let's Pretend We're Married” hundían aún más la aguja en ese sentido), la canción “Darling Nikki” fue su más controvertida por su eventual impacto.
Toda la canción exuda sexo, desde el obvio contenido lírico de una noche, hasta la forma en que la música golpea más fuerte con cada estribillo que pasa.
Nuevamente el último minuto de la canción estalla en un clímax musical insuperable.
Y con las palabras "masturbándose con una revista", Prince cambió para siempre la portada de futuros lanzamientos de álbumes.
Con Purple Rain llegando tan masivamente a los medios, la audiencia de Prince creció hasta un punto en el que los padres compraban alegremente el álbum para los niños, solo para quedar impactados por el contenido lírico de esta canción.
Una de esas madres, Tipper Gore (esposa del político Al Gore) estaba tan indignada que creó el Centro de Recursos Musicales para Padres y abogó por que se colocaran etiquetas de advertencia en material tan lascivo.
A su vez, esto llevó a los sellos discográficos a adoptar los pegotines de aviso para padres que permanecen hasta el día de hoy.
“Parental Advisory: Explicit Content”
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Con The Revolution detrás de él, tenía sentido capturar la energía de su actuación con grabaciones en vivo. Así que el 3 de agosto de 1983, con una actuación eléctrica (y que pronto será histórica) en la Primera Avenida de su ciudad natal de Minneapolis, Prince se propuso hacer precisamente eso. De ese espectáculo (con la ayuda de algunas mejoras de estudio) se capturaron las tres últimas canciones de Purple Rain para la prosperidad.
Hay una energía frenética detrás de “I Would Die 4 U” y “Baby I’m A Star” que los vería como almas gemelas sonoras durante muchos años. Como canción en sí misma, “I Would Die 4 U” es la melodía más funky que jamás hayas escuchado. Desafortunadamente, el bajo es demasiado bajo en la mezcla para mi gusto, pero aparte de eso, no hay nada que criticar en esta canción. El oficio de Prince como compositor es evidente y a estas alturas debería ser indiscutible.
Con “Baby I’m A Star”, Prince desata otra fiesta funk que se pavonea con una postura engreída. Como si declarara o exigiera el lugar que le corresponde como estrella digno de mención, Prince lo expone de una manera que no se puede ignorar. "Tómate una foto cariño / No tengo tiempo para esperar".
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Cerrar el álbum con el título “Purple Rain” fue a la vez la elección obvia y un golpe maestro.
Dejando a un lado la película, la canción te lleva a un viaje musical especial y emocional y te deja con ganas de más.
Entonces, por supuesto, girás el disco y reproducís el álbum completo nuevamente.
Ahora es difícil escuchar “Purple Rain” sin que toda la historia de la canción resuene en tus oídos y cómo se ha convertido en la melodía característica de Prince.
Una retorcida canción de amor sobre no querer nada más que lo mejor para un ser querido, incluso si eso significa no estar con él, es un tema al que Prince volvería una y otra vez en sus obras posteriores, pero nunca tan perfectamente capturado como lo hizo aquí.
Esta mezcla de arrepentimiento, consuelo y deseo se fusiona en una de las canciones de “amor” mejor arregladas jamás escritas.
Es fácil ver por qué la canción ha tocado la fibra sensible de tantas personas.
Es inquietante, cruda y atractiva.
Es una canción sobre el aislamiento por la que miles se sienten unidos.
E incluso al escucharla por primera vez hace mucho tiempo, sabías que había algo especial en esta canción que parecía épica y grande.
Mirando hacia atrás ahora, Purple Rain es en parte genialidad inspirada y en parte ambición calculada.
Las canciones están perfectamente elaboradas, llenas de energía y el sonido característico de Prince sin dejar de aventurarse en nuevas tierras musicales. Era como si supiera que era el momento adecuado para realmente ser el centro de atención con un álbum que era un fiel reflejo de su talento, pero que también estaba hecho para que el público lo disfrutara.
Su impacto fue innegable.
Cuatro sencillos entre los diez primeros, dos canciones número uno, un álbum número uno, dos premios GRAMMY y millones y millones de ventas.
El sonido fue replicado por otros que intentaban capturar esa magia de Prince, pero solo Prince podía realmente superar a Prince.
Purple Rain se convirtió en un álbum decisivo para la época.
Su carrera siempre se definiría como pre y post Purple Rain, y siempre sería el álbum con el que se compararían todos los demás lanzamientos (con razón o sin ella).
Y aunque su verdadera obra maestra llegaría tres años después con Sign O' The Times (1987), Prince siempre será recordado ante todo por muchos por este álbum.
Esto fue “Purple Rain”, de Prince, en Punto Muerto. -
Para aquellos de nosotros que alcanzamos la mayoría de edad durante la dinámica década de los noventa, 1994 se destaca como quizás el año más impactante de esa era.
El año lleno de acontecimientos, en el que muchos de nosotros hicimos fila para ver películas como Pulp Fiction, Forrest Gump y Entrevista con el vampiro, también sería el año en el que se vio a una leyenda del fútbol americano deshonrada evadir el arresto en un persecución lenta a través de la Interestatal 405 de California, además de sufrir con el suicidio de Kurt Cobain.
Antes de estos y muchos otros momentos definitorios generacionales, nuestra banda sonora ya estaba preparada con el EP “Jar of Flies”, de Alice In Chains, editado el 25 de Enero de 1994.
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Se puede decir que enero de 1994 fue el zenit del movimiento grunge, que ayudó a añadir textura a la música rock durante los tres años anteriores.
Voces roncas, a veces guitarras acústicas y letras melancólicas ralentizaron el ritmo de los aparentemente interminables temas de fiesta que dominaron las listas de rock y metal durante la década anterior.
Bandas como Nirvana, Pearl Jam y, por supuesto, Alice in Chains adoptaron canciones más introspectivas, que resonaron en el público que ansiaba algo nuevo y llevaron a los grupos a encabezar las listas de Billboard y encabezar giras importantes como Lollapalooza.
El álbum anterior de Alice in Chains, “Dirt”, obtuvo un éxito comercial y de crítica después de su llegada en 1992.
Las canciones insignia del LP como lo fueron "Rooster" y "Down in a Hole" ayudaron a definir no solo a la banda, sino a todo el movimiento grunge. y, en muchos sentidos, a una generación.
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Realizar una agotadora agenda de giras a lo largo de 1992 y 1993 resultó tensar la relación de los miembros de Alice in Chains. Hay diferentes versiones sobre cuál fue exactamente el factor más perjudicial, pero a principios de 1993, el bajista Mike Starr fue reemplazado por el veterano Mike Inez, quien había construido un currículum impresionante tocando para artistas como Ozzy Osbourne y otros grandes nombres de la escena del metal en ese momento.
Recién terminada su etapa en la gira Lollapalooza, la banda regresó a su base en Seattle y se instaló en London Bridge Studio. Originalmente concebido como una serie de sesiones improvisadas grabadas para crear química con su nuevo bajista, Jar of Flies, de siete canciones, en su mayoría acústicas, escribiría el siguiente capítulo del grupo y consolidaría su lugar dentro del folklore del rock contemporáneo.
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El sencillo principal de Jar of Flies, “No Excuses”, es sutilmente animado, al menos instrumentalmente. La banda parece revitalizada y el arreglo es notablemente más dinámico en comparación con sus éxitos anteriores, más turbios, como “Down in a Hole”. Escrito por el guitarrista y co-vocalista Jerry Cantrell, la banda ofrece un himno atemporal para la amistad. Ampliamente aceptada como una balada personal de Cantrell al líder Layne Staley, el tercer verso en particular resalta no solo la fuerza de la pluma de Cantrell, sino también la asombrosa habilidad de toda la banda para ejecutar de manera efectiva gemas de hard rock cargadas de emociones. “Sí, está bien / Caminaremos por la línea / Dejaremos nuestra lluvia, un resfriado / Cambiaremos por un cálido sol / Tú, mi amigo / Yo defenderé / Y si cambiamos, bueno, te amo de todos modos”, canta Staley.
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“Nutshell” puede ser la cúspide del brillante “Jar of Flies”.
Brilla no solo a lo largo del EP, sino que, para mí, se registra como una de las 3 mejores canciones que inmediatamente me vienen a la mente cuando piensas en lo esencial que es Alice in Chains para el género del rock en su tiempo.
Por desafortunado que fuera que las drogas prevalecieran tanto en la cultura juvenil de los años 90, Staley tuvo sus luchas personales y pudo navegar por los escenarios hacia la sobriedad a través de su poderosa voz.
Verdaderamente una de las voces de su generación, Staley inspiró a sus contemporáneos y a una gran cantidad de artistas que lo seguirían al consolidar su legado musical con canciones crudas y confesionales como “Nutshell”.
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“Jar of Flies” fue un álbum de su época, en todos sus aspectos, incluido su presentación que tenía el CD de edición limitada con moscas dentro de la caja del mismo.
En el corto plazo, el EP tuvo un impacto inmediato en la cultura, lo que le valió a la banda dos nominaciones a los premios GRAMMY en las categorías de Mejor Presentación de Grabación y Mejor Interpretación de Hard Rock (“I Stay Away”).
A largo plazo, “Jar of Flies” ayudó a solidificar el resonante legado del movimiento grunge y a convertir una muy buena banda en parte de la realeza del rock.
Esto fue “Jar of Flies” de Alice In Chains. -
El debut homónimo de Bright & Black, formado por miembros de Opeth, Meshuggah, Apocalyptica, Entombed AD y Watain, es un álbum de metal orquestal épico con el que comenzamos el programa.
Con una alineación estelar de músicos de metal que actúan como compositores, el debut orquestal de Bright & Black es el primer candidato serio al mejor álbum de metal de 2024, si bien no es exactamente un álbum de metal.
Continuamos con Witherfall y su power ballad “Where Do I Begin?”, es una canción que tiene la sensibilidad progresiva de bandas como Nevermore con algunas guitarras neoclásicas agregadas en buena medida, lo que contribuye a una pista épica que incluso trae un poco de Mercyful Fate a la mesa en su último minuto.
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El segundo sencillo de los recién llegados Death X Destiny, “Eternal (What Do You See)”, establece una visión de metal expansivo, respaldado melódicamente pero no menos furioso.
Jugando con la dinámica de “la bella y la bestia” en sus voces, “Eternal” es una pista de metal moderno por excelencia con ritmos con quiebres y una producción impresionante que contribuye a una composición rica que se ubica en algún lugar entre el metalcore, lo industrial y lo alternativo.
Y si seguís buscando metalcore moderno, los australianos Alpha Wolf pueden ser la respuesta.
El nuevo sencillo de la banda, “Sucks 2 Suck”, tiene toda la energía vivaz del hardcore que las actuales tendencias pop están perdiendo rápidamente, lo que hace que la canción sea un soplo de aire fresco. Por muy bueno que sea, se vuelve incluso mejor cuando Ice-T aparece para soltar un verso, agregando un sabor extra a la excitable y psicótica energía de la banda.
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“Dormant”, la canción principal del segundo álbum recién lanzado de Hiraes, es una muestra de las inclinaciones melodeath de la banda, los sintetizadores le dan a la canción un toque casi sinfónico mientras la vocalista Britta Görtz gruñe y aúlla sobre la misma.
Son los coros los que realmente arrojan luz sobre lo que Hiraes es capaz de hacer, de alcance cinematográfico e innegablemente colosal, insinúan el tipo de grandilocuencia conquistadora que hizo que artistas como In Flames y Arch Enemy se trasladaran a multitudes cada vez más grandes.
Por otra lado, los recién llegados británicos Defects terminaron 2023 con una gira como teloneros de Of Mice & Men, pero 2024 parece ser el año en el que realmente se abrirán paso.
La banda no solo tiene programada otra gira de apoyo, tocando junto a las estrellas emergentes suecas Orbit Culture en el Reino Unido, y una aparición en el Download Festival, sino que ahora han anunciado que su álbum debut, “Modern Error”, se editará el 24 de Mayo.
Escuchamos el adelanto “Lockdown”.
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20 años después que atacaron al entonces presidente George W. Bush con un trío de discos con carga política, las leyendas del metal industrial Ministry se encuentran no menos entusiasmadas con el nuevo sencillo B.D.E.
Al atacar la masculinidad tóxica y la mentalidad incel, Al Jourgensen destila veneno mientras pronuncia frases como "nunca podrán fornicar / así que simplemente matan por despecho".
Con un ritmo típicamente militarista y vibrante, la canción marca el ritmo perfecto para la marcha hacia el nuevo álbum “Hopiumforthemasses”, que saldrá el 1 de marzo.
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Y todavía quedan algunas semanas antes de que Bruce Dickinson lance su tan esperado nuevo álbum en solitario, The Mandrake Project, el 1 de marzo, pero la leyenda de Maiden nos está ayudando a calmar nuestra ansiedad con su nuevo sencillo “Rain On The Graves”.
Viene acompañado de un emocionante video que presenta a la banda formada por el guitarrista Roy Z, baterista Dave Moreno, la bajista Tanya O´Callaghan y el maestro de los teclados Mistheria.
"Rain On the Graves", de acuerdo con el comunicado de prensa, "está inspirada en una lluviosa visita a la tumba del poeta romántico William Wordsworth en Lake District, la canción se apoya en un imponente riff de guitarra, teclados espectaculares y una imponente voz.
"Rain On the Graves" se convirtió en una reflexión sobre la naturaleza de la mortalidad y el pacto con el diablo que artistas se han sentido obligados a hacer desde que Robert Johnson demostró que valía la pena en los años treinta”.
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Comenzando el Año Nuevo con una gran gira por el Reino Unido junto a Bring Me The Horizon, Bad Omens ahora están demostrando que no se quedarán atrás cuando se trata de rarezas que desdibujan el género.
Trabajando en equipo con la estrella del hiperpop Poppy, V.A.N. es una mezcla de estilos brillante y alucinante, que combina pop electro pulsante con explosiones de metalcore mientras la voz de Poppy pasa de melodías dulces y ligeramente espeluznantes a gritos sin cuartel.
Luego escucharemos lo último de la banda japonesa Hanabie, su nuevo sencillo “OTAKU Lovely Densetsu”.
Una mezcla de furioso metalcore, J-pop y nu metal (entre otros) en un paquete impredecible.
OTAKU... muestra cuán salvaje puede ser esta banda, tocando a sus tendencias más hiperactivas mientras pasan de gruñidos guturales a alegres coros pop.
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La legendaria banda británica de heavy metal Judas Priest ha anunciado que el 8 de marzo de 2024 estará disponible su nuevo trabajo titulado "Invincible Shield".
El primer adelanto del decimonoveno disco de Judas Priest fue "Panic Attack" en los primeros días de 2024 y ya comenzado febrero estrenaron “Crown Of Horns”.
Así que no encontramos mejor final que despedirnos con esta última canción.
Espero que hayan disfrutado del programa tanto como yo.
Con ustedes, lo último de Judas Priest. -
1984 de Van Halen ocupa un lugar preponderante en la historia de la banda.
Es su último álbum con David Lee Roth, al menos hasta su reconciliación en 2012, y un álbum que se presenta ampliamente como el deseo del guitarrista Eddie Van Halen de tocar teclados versus el deseo de Roth de no estar al lado de un tecladista.
La realidad es, afortunadamente, más compleja.
1984 incluye teclados. "Jump", el gran sencillo del álbum, está impulsado por el teclado, al igual que la canción principal (que parece haber sido escrita para una película de terror no producida de John Hughes) y también la canción “I’ll Wait".
Sin embargo, la banda utilizó teclados antes de 1984.
Son prominentes, por ejemplo, en la versión de Diver Down de "Dancing in the Streets".
Así que 1984 no se trata únicamente de teclados.
En cambio, lo que lo convierte en un momento tan cautivador es la declaración de composición pop que Eddie hace con el disco y cómo preparó el segundo acto de la banda con el cantante Sammy Hagar.
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Van Halen siempre se centró en las energías en duelo de Eddie Van Halen y David Lee Roth.
Roth haría cualquier cosa para llamar la atención del público, y todo lo que le faltaba en talento vocal lo compensaba con carisma.
Entre su largo cabello rubio, su forma extrañamente convincente y sus movimientos acrobáticos en el escenario, era el arquetipo del líder del rock.
Eddie, casi igual de acrobático, era mucho más misterioso y centraba toda su energía en tocar la guitarra.
La forma de tocar de Eddie adoctrinó a una generación de guitarristas, haciendo que no quisieran otra cosa que tocar lo más rápido posible.
Al principio, Eddie parecía disfrutar siendo un héroe de la guitarra, pero en 1983 empezó a interesarse por otras cosas. Había construido 5150, el estudio de su casa, donde se grabó 1984. Y estaba interesado en explorar otros sonidos, que incluían los teclados. Pero sobre todo, parecía que Eddie ya no quería ser definido por su forma de tocar la guitarra.
Cuando salió el álbum debut homónimo de Van Halen en 1978, revolucionó la guitarra de rock. Nadie había escuchado nunca ese tipo de solos rápidos y con tintes clásicos en la radio. El instrumental "Eruption" de Eddie, que a menudo se tocaba justo antes de la versión de la banda de "You Really Got Me", fue un minuto y cuarenta y dos segundos de guitarra que definió su carrera y cambió el mundo.
Dividió el mundo de la guitarra en la vida antes de escuchar ese solo o en la vida después de escucharlo.
Si hay alguna duda sobre cuán revolucionario y trascendental fue ese solo, consideren que Eddie proporcionó el solo de guitarra en "Beat It" de Michael Jackson (producido por Quincy Jones) en 1982.
Fue la máxima validación de la cultura pop, demostrando cómo la guitarra podría existir en el marco del pop.
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Sin embargo, la comunidad de guitarristas en general no se centró en la apreciación del pop de Eddie, sino en su técnica.
El guitarrista Randy Rhoads, trabajando con Ozzy Osbourne, llevaría el trabajo de guitarra de influencia clásica de Eddie a otro nivel sólo dos años después de "Eruption", a través de Blizzard of Ozz de 1980 y Diary of a Madman de 1981.
Por otro lado, en 1980, Mike Varney crearía un sello discográfico, Shrapnel, dedicado exclusivamente al trabajo de guitarra increíblemente rápido.
1984 es una respuesta a la cultura de la guitarra que Eddie creó accidentalmente.
En 1984, Eddie declara que es músico y compositor, pero no un atleta.
Así como Jerry Seinfeld declaró una vez "No correré", cuando lo desafió un amigo de la escuela secundaria que quería otra oportunidad de vencerlo en una carrera, Eddie declaró que no trataría la guitarra como un juego en que de alguna manera pudiera ser superado.
1984 es Eddie afirmando su lealtad a su voz musical y nada más; es su negativa a correr.
Dicho esto, no olviden que la voz de Eddie en realidad incluye muchas guitarras rápidas.
No hay nada particularmente restringido en su forma de tocar en 1984.
Hay muchos solos asombrosos que enviaron a miles de guitarristas a sus metrónomos.
Lo que separa an Eddie de la mayoría de los guitarristas de esa época es que estos solos no son el objetivo de las canciones, son solos hechos para exaltar la canción.
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Cuando la gente piensa en 1984, tiende a centrarse en "Jump".
Es cierto.
Es una canción accesible que llegó al puesto número 1 en la lista de Billboard Hot 100.
Aunque, en el álbum también hay algunas canciones más complejas musicalmente. "Girls Gone Bad" tiene algunos solos enfermizos; de hecho, la pista es casi más solista que canción.
"House of Pain" tiene un riff pesado y resonante puntuado por ráfagas de la guitarra de Eddie.
"Panama" y "Hot for Teacher" son temas básicos de radio de rock clásico que también muestran la capacidad de Eddie para fusionar una guitarra épica con canciones pegadizas y letras casi sarcásticamente insulsas.
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Al final, 1984 disolvió a Van Halen. Les mostró tanto a Roth como a Eddie de lo que Van Halen era capaz y eso podría haberlos asustado a ambos. Uno nunca sabe realmente por qué se fractura una alianza, de la misma manera que los extraños nunca pueden entender realmente por qué se disuelve un matrimonio. Pero en 1985, Roth estaba inmerso en su propia carrera y quería que Van Halen mantuviera su rumbo y no cambiara su sonido y, lo que es más importante, su imagen. El deseo de Roth de apostar a que los fans quieran un cierto número de notas de guitarra por segundo por encima de la evolución musical se ve en su siguiente banda.
Al dejar (o cuando le pidieron que se fuera) de Van Halen, Roth contrató a Steve Vai, más conocido como el guitarrista acrobático de Frank Zappa, y al bajista Billy Sheehan.
Su álbum debut en solitario Eat 'Em and Smile fue lanzado en 1986 y, si bien llegó al puesto número 4 en las listas de Billboard, no ha resistido la prueba del tiempo.
Van Halen, la banda, se unió al cantante Sammy Hagar para reemplazar a Roth.
Si bien se ha culpado injustamente a Hagar por suavizar el sonido de la banda, parte de la percepción se debe al éxito comercial de los álbumes de la era Hagar (aunque la banda de la era Roth vendió más discos). Eddie Van Halen descubrió una fórmula para el éxito en 1984 que repetiría en álbumes posteriores: un par de canciones pop con teclado y aptas para radio (a la "Jump") combinadas con mucho hard rock con mucha guitarra para los fanáticos.
1984 le mostró a Eddie cómo crear un caballo de Troya a partir de un álbum, ocultando el pop junto al rock y el rock junto al pop.
Eddie aprendió que podía existir en ambos mundos sin alienar a ninguno de los lados. Greg Renoff, en su increíble biografía de Van Halen, Van Halen Rising, sostiene que la banda creó el género pop-metal.
Sin embargo, 1984 cambió las proporciones del pop-metal, con un énfasis ligeramente mayor en el pop.
Un gran ejemplo de esto es el primer single luego de la salida de Roth, perteneciente al álbum 5150:
"Why Can't This Be Love"
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El éxito comercial de 1984 también demostró que Eddie estaba en el camino correcto al escribir canciones y que podía confiar en sus instintos. En lugar de mirar al pasado de la banda para crear canciones, podía mirar hacia adelante. La portada de 1984 muestra a un ángel fumando un paquete de cigarrillos. Se podría especular que Eddie se sentía como el ángel, tentado a tomar malas decisiones por Roth y sus instintos más básicos y seguros. Pero en 1984, Eddie aprendió a confiar en su propia voz interior y a no dejarse tentar por desviarse de lo que sabía que era correcto. 1984 fue también la declaración de libertad de Eddie por parte del productor Ted Templeman, quien, al igual que Roth, tenía puntos de vista provincianos sobre cómo debería sonar la banda.
Van Halen impulsó sin problemas y con éxito cuatro álbumes con Hagar. La salida de Hagar de la banda no fue el único golpe para Van Halen. El grunge irrumpió, cambiando los gustos musicales, mientras que la industria musical se volvió mucho menos centrada en los álbumes. Incluso si Hagar se hubiera quedado, no hay garantía de que la banda hubiera prosperado. Van Halen contrató brevemente a un tercer cantante principal, el cofundador de Extreme, Gary Cherone, lo que resultó en muchos chistes y un álbum (Van Halen III de 1998) que muy poca gente escuchó. La banda finalmente e inevitablemente se reunió con Roth. El álbum resultante se vendió bien, pero todavía no he conocido a nadie que lo tenga.
1984 no es mi álbum favorito de Van Halen (Fair Warning de 1981 es una obra maestra atemporal para cualquier banda), pero es el más interesante por la forma en que los transforma de una banda de fiesta de hard rock a una banda de hard rock consciente de su parte pop.
1984 describe perfectamente el futuro de la banda e incluso si no eres fanático de hacia dónde los llevó ese futuro, es fascinante ver cómo las nueve pistas del álbum predicen con precisión una dirección que tardó años en desarrollarse por completo.
Esto fue 1984 de Van Halen. -
Feliz cumpleaños, Radio Belcha.
Feliz cumpleaños a Rodrigo Alonso que es el creador y alma mater de esta preciosa locura.
Feliz cumpleaños a todos los compañeros de Belcha, que nos enriquecen tanto con su saber como con su preciada amistad.
Y, por sobre todo, feliz cumpleaños a ustedes oyentes que nos acompañan todos los días escuchando y comentando, formando una comunidad que es lo mejor y más lindo de todo esto.
Como habrán notado, los distintos programadores de Belcha estamos haciendo algunos especiales para celebrar este tercer aniversario.
En mi caso, decidí hacerlo con grandes canciones de AC/DC, banda perfecta para celebrar este cumpleaños a todo rock and roll.
Comenzábamos con “Shoot to Thrill”, un tema que para la mayoría de las bandas sería un punto culminante en su carrera.
Sin embargo, para AC/DC, ni siquiera fue lo suficientemente bueno como para ser uno de los singles de Back in Black.
La radio la aceptó de todos modos y la canción se ha convertido en uno de sus clásicos.
Posteriormente encontró una nueva audiencia en 2010, cuando se incluyó en la banda sonora de Iron Man 2.
Por otro lado, en 1990, AC/DC empezaba a parecer una noticia del pasado.
Habían pasado 10 largos años desde Back in Black, y aunque siguieron siendo un grupo popular en vivo, les costó conseguir nuevos éxitos.
Todo eso cambió con "Thunderstruck", una canción enorme que suena como una tormenta feroz.
Ayudó al nuevo LP The Razors Edge a vender millones de discos y desde entonces ha sido de lo más destacado de sus shows.
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AC/DC estaba en las Bahamas trabajando en Back in Black cuando el nuevo cantante Brian Johnson vio a un par de mujeres estadounidenses.
“Eran tan hermosas", dijo.
"Eran rubias, bronceadas, altas... así que simplemente estaba usando mi imaginación; qué podría hacer si pudiera estar con ellas".
No todos pensaron que la frase sobre sus "muslos americanos" fuera sabia, pero la banda inteligentemente se mantuvo firme. Fue un gran éxito en todo el mundo y sigue siendo una canción insignia.
Escuchamos “You Shook Me All Night Long”.
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AC/DC podría haber improvisado fácilmente un disco sensiblero y nostálgico en honor a Bon Scott después de que el líder falleciera en 1980, pero se dieron cuenta de que una mejor manera de honrar su memoria era crear el disco más grandilocuente y de rock más duro de sus vidas.
Con la ayuda del nuevo cantante Brian Johnson, lograron un éxito más allá de lo que podrían haber imaginado.
La canción principal es una celebración de Bon y un vívido recordatorio de que la banda todavía tenía mucha vida. Se ha utilizado en innumerables programas de televisión, películas y comerciales a lo largo de los años, pero de alguna manera aún conserva su poder primario.
Suban el volumen, llega “Back in Black”.
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“Highway to Hell” finalmente descubrió a AC/DC a todo el mundo.
El nuevo productor Robert "Mutt" Lange ayudó a la banda a crear canciones que aparecieron en la radio, y ninguna funcionó tan brillantemente como esta canción, un relato de las pruebas y tribulaciones de las giras, combinado con uno de los mejores riffs que los hermanos Young jamás tocaron.
Esto parecía el comienzo de una nueva era en la vida de Bon Scott, pero lamentablemente fue su capítulo final.
Así se va terminando este pequeño especial de Punto Muerto.
Déjenme agradecerles una vez más a todos los que escuchan, tanto a los que comentan como los que lo hacen en silencio.
No saben, no tienen idea lo que significa para cada uno de los integrantes de Belcha que ustedes estén ahí.
Sea para halagarnos, para hacernos un chiste o una crítica; que se tomen un tiempo para prestarnos sus oídos y sus conceptos, significa muchísimo para todos nosotros.
Los queremos mucho.
Gracias por acompañarnos en esta “Autopista al Infierno”. - Vis mere
