Episodes
-
Bienvenidos al manicomio, estáis escuchando el episodio 100 de Explorando Versiones. El podcast que nació de las entrañas de Locos por Incordiar para demostrar que, si una canción es mítica, nosotros siempre encontraremos una versión que la mejore... o que te den ganas de arrancarte las orejas nunca se sabe.
Durante esta pechá de episodios seguro que hemos aprendido, conocido nuevas versiones de temas míticos o simplemente hemos dado autoría real a canciones que creíamos de otros artistas
Hemos explorado desde el rock más puro hasta sintonías de anime pasando por canción protesta, country, reggae, rumba canalla…… artistas como Elvis, The Beatles, Bob Marley, The Clash o como no, nuestros admirados Siniestro Total.
Nos hemos sorprendido diciendo cosas como: “Ostia que buena esa version” o “Joder no sabia que esta cancion era de…” pero tambien hemos pensado… “¿Qué necesidad había de hacer ésta?”
Cien programas, ¡Cien!. ¿Quién nos iba a decir a nosotros, cuando grabamos aquel primer capítulo de “Stand by me”, que llegaríamos tan lejos sin que la policía nos cerrara el chiringuito de Torreblanca?
Así que para tal efeméride hemos decidido hacer algo especial, porque no se cumplen 100 programas todos los días y porque hay que tener muchos amigos y amigas para llegar a esta cifra…. por eso mismo hoy os presentamos el especial 100 programas rodeados de esos amigos que han tenido que ver en mayor o menor medida con esta chalaura.
Hoy no solo saludamos a los que nos buscáis en plataformas como iVoox, Spreaker, Apple Podcasts, o vuestra plataforma de confianza mientras vais al curro,estáis trabajando o lo que es peor…en el gimnasio. Hoy subimos el volumen para saludar a la gente que nos sintoniza a través de la radio convencional en FM y en radios online. Gracias a esas radios amigas que se atreven a pincharnos sin miedo a que les quiten la licencia. Gracias por estar ahí, al otro lado de la antena y de la pantalla.
Llegar al programa 100 es un hito, pero llegar a vuestras casas a través de las ondas es un orgullo. Queremos mandar un abrazo fuerte a los locutores y técnicos de las radios que nos dan cobijo; gracias por creer en esta chalaura y por permitir que 'Explorando Versiones' sea ese ruido necesario en vuestro dial.
Han sido un total de 40 participantes los que hemos participado de una manera u otra en este podcast de Explorando Versiones. Algunos le ha cogido el gusto hasta tal punto de haber empezado su propio podcast, otros han repetido la experiencia y se han convertido en unos maestros de esto y alguno que otro lo ha pasado regular pensando aquello de… “Como voy a hacer un podcast si yo no sé hacerlo”...
Y antes de seguir con la fiesta con el sonido cochera, un último mensaje: Gracias a ti, que nos escuchas en la soledad de tus auriculares, y a ti, que nos tienes puestos de fondo en la radio de la cocina. Vosotros sois los que dais sentido al trabajo que hacemos y por el que nos hemos puesto delante de un micro para desgranar canciones. ¡Por otros 100 programas más de versiones, de radio y de libertad!" -
MANERAS DE VIVIR
Un 23-F, maldita coincidencias, pero de 1954 nace en Madrid el hijo de unos emigrantes manchegos, de Bolaños de Calatrava para ser mas concreto al que tienen a bien poner el nombre de Rosendo Mercado por su padre y Ruiz por su madre. Criado entre Lavapiés y Carabanchel este inquieto niño aún no sabia que se convertiría en una leyenda del rock Español y como bien sabeis el unico Mercado fiable.
LEÑO: https://www.youtube.com/watch?v=2ZK5zNkFgXc
Ya de chaval encontraría en la música su verdadera pasión así que abandonó sus estudios en la escuela de ingeniería para incorporarse a la banda Fresa tocando versiones de canciones de moda y acompañando a algunos solistas puntualmente, corría el año 1972.
De este embrión de banda, tras varios cambios de componentes y tras la incorporación de José Carlos Molina como cantante la banda pasó a denominarse Ñu y aquí comienza la leyenda de este músico de barrio.
La mili, que para las nuevas generaciones puede sonar a Chino, era un servicio militar que tenias que hacer , del latín motu propio que significa por cojones y nuestro joven Rosendo tuvo que hacerla como todo kiski…. pero compaginó el servicio militar con la creación musical llegando a grabar con Curro Savoy durante esa época …. ahí tenéis otra búsqueda de Google imberbes oyentes de este podcast
Ya en 1974 y en plena mili descubre la música de Rory Gallagher que significaría una influencia troncal en su estilo, su música y su vida casi.
Es abiertamente conocida la mala relación de Rosendo con José Carlos Molina, cantante de Ñu, así que tras varias grabaciones y giras abandona la banda para fundar su propio grupo, el nombre elegido fue Leño… cuenta la leyenda que el nombre fue sugerido, sin querer por José Carlos Molina que sistemáticamente desechaba canciones que proponía Rosendo diciendo que eran un Leño.
Leño, que merece otro explorando versiones se convertiría con el tiempo en la banda referencia del Rock Urbano pese a su corta trayectoria y es sin duda una influencia primordial de todos los músicos de rock que han venido después.
Soy Sergio Serrato y hoy en Explorando Versiones os voy a hablar de Maneras de vivir.
La canción fue compuesta por Rosendo Mercado y lanzada como sencillo en 1981, más adelante es incluida en un disco en directo de la banda grabado en la sala Carolina y sin querer y sin saberlo se convirtió en un himno del Rock en Español siendo la canción más emblemática de la banda.
Rosendo llegó a decir sobre el tema “Lo que quería expresar con Maneras de Vivir es que nos sentíamos diferente y nos gustaba sentirnos así ,esa era la idea pero la verdad no se muy bien como se me ocurrió la frase”.
Como todo himno de cualquier estilo, esta canción se ha prestado a múltiples interpretaciones, versiones, tributos…..vamos que básicamente todo el mundo quiere cantar este tema aunque sea a su manera
Aquí os voy a poner algunas de las versiones que a mí más me han gustado, seguramente me dejaré algunas pero eso deja abierta la puerta a que os animéis a hacer otro episodio de este podcast…si , ese que llevas tiempo deseando hacer… ya sabes
LUZ CASAL: https://www.youtube.com/watch?v=30to3IQAWqo
Luz Casal es sin duda una de las voces con más personalidad de la música en Español, amiga y muchas veces colaboradora de Rosendo se marcó entre muchas otras esta interpretación en directo de Maneras de vivir acompañado del propio maestro de Carabanchel
MIGUEL RÍOS: https://www.youtube.com/watch?v=28htJcTrvvI
Los viejos rockeros nunca mueren… eso dicen, ojalá fuera así aunque quizás sí que sea así… no sé. Miguel Ríos incluyó esta versión en su famosa gira y disco Rock in Ríos de 1982….. otro grande Mike Rivers
EL GRAN WYOMING , EVA AMARAL Y ANA BELEN: https://www.youtube.com/watch?v=14zz0bvzUKs
Cuando se tienen tantos y tan buenos amigos es lógico que se acuerden de tí, y eso le pasa mucho a Rosendo. En el programa especial nº 2000 del intermedio, El gran Wyoming interpreta esta canción junto a Eva Amaral y Ana Belén… hablando de voces con personalidad.
Eva Amaral y Ana Belén han "tenido el placer" de acompañar a El Gran Wyoming para cantar 'Maneras de Vivir' y despedir el programa 2.000 de El Intermedio.
REINCIDENTES Y BOIKOT: https://www.youtube.com/watch?v=wZGc9T6ZD44
Mis admirados Reincidentes con el gran Fernando Madina a la cabeza también han querido aparecer en este podcast, por eso hicieron esta versión junto a la banda madrileña Boikot….. o eso me han dicho
BARRICADA: https://www.youtube.com/watch?v=DlpBk2L7I2E
Cuando digo que este señor, esta banda y esta canción son la base de muchos músicos de rock que llegaron después no exagero, y prueba de ello es esta versión de Barricada y amigos en directo, en el festival Luna Lunera de Sos del Rey Católico en 2008… por cierto se suma a los coros Fernando de Reincidentes entre otros
ROSENDO, BARRICADA Y AURORA BELTRÁN (DIRECTO 2008): https://www.youtube.com/watch?v=bc0AgzWf7no
Y si, se pueden repetir versiones porque pa eso hago yo este episodio….y porque sinceramente creo que lo merece, en esta ocasión Rosendo, junto a Barricada y Aurora Beltrán en el concierto Otra noche sin dormir, en Las Ventas en 2008
KUTXI ROMERO (MAREA):
https://www.youtube.com/watch?v=uUE84gsov4s
Seguramente todos los que hemos soñado alguna vez escribir canciones envidiamos insanamente a este tío, Kutxi Romero … pero estoy seguro que él también envidia a Rosendo por escribir temazos así… tanto que incluyó esta versión en el disco de Marea Raigambre de 2008
TIGRE: https://www.youtube.com/watch?v=VKW359WjvXc
Tengo que reconocer que cuando escucho el concepto Power trio me salta el pamplinometro pero es muy humano querer etiquetarlo todo así que vosotros mismos podréis decir cual merece esta versión de Tigre, valencianos de pro que hicieron esta versión para su disco Eléctrica religión
LOS SUAVES: https://www.youtube.com/watch?v=nYW0Ly0DImM
La música en directo es algo así como la verdad, la sinceridad…donde a un grupo se le ve que es capaz de hacer. Mis admirados Suaves hicieron un disco en directo en 1995 grabado durante la gira 1994-95 y como no Yosi y los suyos interpretan en directo Maneras de Vivir con sus correspondientes solos de guitarra
RAW BOOGALOO: https://www.youtube.com/watch?v=MOeY4hGZF0g
Cuando una canción es buena suele ser transversal a muchos géneros, esta versión / rareza es el homenaje de Raw Boogaloo, con mucho Hammond, saxo tenor y la cálida voz de Pastora Andrades
LABUELA: https://www.youtube.com/watch?v=oiG0-lHF5U4
A propuesta de la asociación cultural planeta Clandestino de Logroño , varios grupos riojanos publicaron un disco homenaje a Rosendo donde se incluye esta versión Heavy que seguramente hará las delicias de todos esos agita melenas con uñas negras que estáis escuchando
WYOMING Y LOS INSOLVENTES (ACÚSTICO): https://www.youtube.com/watch?v=blya_V68ReI
Si, también os voy a poner una versión en acústico esta tuvo lugar en un programa de la cadena ser en directo, con la reconocible voz y estilo del Gran Wyoming que también toca el piano y es acompañado de los insolventes.
ANUNCIOS Y TV
Habrá muchas otras versiones pero por si os quedaba alguna duda de cuanto supone esta canción en la cultora popular de nuestro país, aquí tenéis varios ejemplos de cómo ha sido usada en anuncios y series de televisión.
NAFARROA, MANERAS DE VIVIR:
https://www.youtube.com/watch?v=xu2mv6W-4gg
En 2015 en Gobierno de Navarra lanzaba esta campaña publicitaria incluyendo una versión de Maneras de Vivir con sus Txalapartas, gaitas, acordeón y un gusto brutal para respetar el clásico… tanto que daban ganas de ponerse hasta el mocho de moyate en La Plaza del Castillo.
M CLAN (ANUNCIO DE MAHOU CINCO ESTRELLAS): https://www.youtube.com/watch?v=hGYJv3sqPvI
Si eres de esos que no le gusta la cerveza solo puedo acompañarte en el sentimiento, si en cambio te gusta seguro que recuerdas las campañas publicitarias de Mahou ….y sí también grabaron una versión para las mismas con Carlos Tarque de M-Clan, Dani Martín, Iván Ferreiro, Jaime Urrutia y si… India Martínez.
El emblemático tema de Leño fue interpretado por M-Clan, Dani Martín, Iván Ferreiro, Jaime Urrutia e India Martínez para un anuncio de Mahou Cinco Estrellas.
EL MINISTERIO DEL TIEMPO: https://www.youtube.com/watch?v=vhV_U8Tp5ZM
A los que nos encanta la historia, el cine y las series bien hechas guardamos con cariño en la memoria esa escena del Ministerio del Tiempo en el que Lope de Vega le mete ficha a la prota y su enamorado le responde con otros versos…. más castizos, más de barrio, más de Carabanchel.
CONCLUSIONES
MANERAS DE VIVIR (DIRECTO LAS VENTAS): https://www.youtube.com/watch?v=-7oN5FNpqlI
Rosendo nos ha regalado himnos como maneras de vivir o sin ir mas lejos canciones que han dado nombre a podcast como Locos por Incordiar el cual recomiendo encarecidamente, pero siempre ha sido sinónimo de sinceridad, Rosendo es la verdad en una guitarra, sin postureos, poses de diva y complementos de purpurina, por eso Rosendo Mercado es el único mercado fiable, por eso todos quieren cantar sus canciones, por eso aunque retirado de la música como trabajo sigue resonando, sigue siendo versionandos y sigue recibiendo homenajes tan buenos como estas versiones y tan humildes como este episodio de Explorando Versiones….. nos vemos en los bares. -
Episodes manquant?
-
Hola, hola... ¿qué tal? Buenos días, buenas tardes o buenas noches, dependiendo de cuándo le deis al play. Yo soy Raulillo y hoy me paso por Explorando Versiones para hablaros de una de las canciones más míticas de la historia del rock. Y sí... seguro que la habéis reconocido en cuanto ha empezado a sonar. Pero lo que mucha gente no sabe es que esta canción nació en uno de los peores momentos de Queen.EPIC ORCHESTRA: https://www.youtube.com/watch?v=ETKeFJaLPtMPorque, antes de convertirse en leyendas, el grupo estaba prácticamente arruinado.Imaginadlo: Freddie Mercury era diseñador gráfico, Roger Taylor estudiaba odontología, John Deacon era ingeniero electrónico y Brian May, físico y matemático, llegó incluso a fabricarse su propia guitarra, la mítica Red Special. Cuatro músicos brillantes que, pese a tener ya varios discos y giras internacionales, seguían sin ver un duro.Todo por culpa de un contrato terrible con su mánager y con Trident, la filial de EMI que manejaba la banda. Mientras Queen llenaba salas, ellos acumulaban deudas. La situación era tan surrealista que a Roger Taylor le pedían tocar más flojo para no gastar tantas baquetas... mientras su mánager aparecía conduciendo un Rolls-Royce nuevo. Freddie Mercury lo tuvo claro: aquello tenía que terminar.Queen despidió a su mánager y se jugó el todo por el todo con un nuevo disco. EMI quería un éxito gigantesco y la banda sabía que, si fallaban, probablemente desaparecerían. Aquel álbum fue A Night at the Opera... y dentro escondía una canción imposible.Esa canción era Bohemian Rhapsody. Y hoy, en Explorando Versiones, vamos a recorrer su historia y algunas de las reinterpretaciones más sorprendentes que ha dejado uno de los temas más inmortales de todos los tiempos.Afinad el oído... porque comenzamos.QUEEN - BOHEMIAN RHAPSODY: https://www.youtube.com/watch?v=fJ9rUzIMcZQLa banda londinense tenía claro que su nuevo disco podía ser el último. Era una apuesta a todo o nada, sin nada que perder y muchísimo que ganar. Y Freddie Mercury se lo tomó literalmente.El álbum A Night at the Opera comenzó a grabarse en agosto del 75 y se convirtió en el más caro de la historia hasta ese momento. ¿La razón? Entre otras cosas, para dar forma a la canción que Freddie tenía en la cabeza se utilizaron cinco estudios de grabación distintos y más de 180 pistas de sonido. Solo él sabía cómo debía sonar aquello, y el resto del grupo se limitaba a tocar lo que les pedía, sin tener ni idea de cómo iba a terminar construyéndose la pieza.El disco salió en noviembre de ese mismo año, pero, curiosamente, Bohemian Rhapsody no fue el primer single. Para los directivos de EMI era una locura: demasiado larga para la radio, sin estribillo y mezclando ópera, rock y balada de una forma que nadie terminaba de entender.Pero ocurrió algo inesperado. Una copia de la canción llegó a manos de Kenny Everett, DJ de la radio londinense Capital Radio. Everett quedó tan impresionado con la rapsodia que la emitió hasta 14 veces en un solo fin de semana. Y, a partir de ahí... el resto es historia.Más de nueve semanas seguidas en el número uno de las listas del Reino Unido y un éxito mundial que llevó a Queen a girar por todo el planeta, batiendo récords de asistencia en sus conciertos.Bohemian Rhapsody no solo se convirtió en un himno, también marcó varios hitos. Quizá el más importante: fue uno de los primeros videoclips de la historia, el primer single promocionado con un vídeo pensado específicamente para televisión. Así que todos los que hemos crecido con la MTV y aquellas épocas doradas de los videoclips - antes de que, para muchos, perdiera parte de su magia-, en realidad tenemos que darle las gracias a Queen por haber apostado todo a esta canción.Otro momento clave llegó en 1991, tras la muerte de Freddie Mercury, cuando la canción volvió al número uno en las listas de todo el mundo dieciséis años después de su lanzamiento.Y aún habría más. En 1992, Bohemian Rhapsody volvió a resurgir gracias a la película El mundo de Wayne, donde Mike Myers, interpretando a Wayne, aparecía en un coche junto a sus amigos agitando la cabeza al ritmo de la canción, en una escena que se volvió icónica.Años después, en el biopic sobre Freddie Mercury, Bohemian Rhapsody, ganador de cuatro premios Óscar, el propio Mike Myers aparece en un guiño brillante interpretando a un directivo de EMI que no quiere que la canción suene en la radio... cerrando así el círculo con uno de los homenajes más inteligentes del cine musical reciente.MONTSERRAT CABALLÉ Y BRUCE DICKINSON: https://www.youtube.com/watch?v=X3Ps5FW5rzsFreddie Mercury estaba profundamente enamorado de la ópera y, especialmente, de la voz de Montserrat Caballé, algo que nunca ocultó. De hecho, esa admiración llegó a materializarse en 1988 con uno de los cruces más inesperados de la música: el álbum Barcelona, donde el líder de Queen y la soprano española fusionaron sus estilos.Lo que estamos escuchando pertenece ya a otro proyecto de Caballé, grabado en 1997, en un disco lleno de colaboraciones titulado Friends for Life. Un trabajo que nace casi como continuación natural de aquella etapa en la que la soprano descubrió el poder de los duetos y la capacidad que poseía para adaptar su lírica a otros estilos musicales.Y aquí es donde todo se conecta. Porque este disco no es solo una colección de colaboraciones, sino también un homenaje directo a Freddie Mercury, fallecido seis años antes. Ya que Caballé abre el álbum con esta versión de Bohemian Rhapsody.Bajo la producción de Mike Moran, el mismo músico que ya había trabajado codo con codo con Freddie Mercury y Montserrat para producir Barcelona, se cerró un círculo creativo donde la ópera, el rock y la emoción no solo conviven... sino que se potencian entre sí.El elegido para el dueto fue Bruce Dickinson, cantante de Iron Maiden y uno de los vocalistas más representativos del heavy metal. El resultado es un contraste fascinante: la voz lírica y perfectamente controlada de Caballé chocando -y al mismo tiempo encajando- con el registro dramático y arrollador de la voz de Bruce.THE BRAIDS: https://www.youtube.com/watch?v=O3QkBFkYdLgVamos a dejar atrás un poco la lírica para ir con unos ritmos más sencillos.Esta versión pertenece al álbum The Braids, el único disco de estudio del dúo australiano formado por Angie Hart y Zoe Ellis. Un trabajo que mucha gente recuerda precisamente por atreverse con una reinterpretación muy distinta de Bohemian Rhapsody. La canción terminó formando parte de la banda sonora de la película High School High y consiguió algo nada fácil: transformar completamente un himno del rock sin perder su esencia. Además, la versión tuvo bastante repercusión en Estados Unidos, llegando hasta el puesto 42 de las listas de Billboard.Porque, en lugar de intentar competir con la grandiosidad de Queen, The Braids decidió llevar la canción hacia un terreno mucho más íntimo y atmosférico, mezclando soul, trip-hop y R&B con unas armonías vocales muy suaves y envolventes. El resultado es una Bohemian Rhapsody completamente diferente, casi hipnótica, que demuestra hasta qué punto la composición original de Freddie Mercury podía sobrevivir a cualquier género.El álbum también incluía temas como The Wind, Fire Escape o incluso una versión de Young Americans de David Bowie, dejando claro que el grupo tenía una fuerte influencia del pop sofisticado y del soul de los noventa.Y quizá ahí esté la magia de esta versión: no intenta imitar a Queen, sino reinterpretar la canción desde otro universo musical completamente distinto. Porque, cuando una composición es realmente inmortal, puede transformarse una y otra vez... y seguir funcionando.BETWEEN THE BURIED AND ME: https://www.youtube.com/watch?v=HvbA2Cnd5xwLa versión de Bohemian Rhapsody de Between the Buried and Me es una reinterpretación sorprendente que encaja a la perfección con la banda. La grabaron en 2006 dentro de su disco de versiones The Anatomy Of, donde rendían homenaje a algunas de sus mayores influencias, como Metallica, Pink Floyd o King Crimson, antes de enfrentarse a uno de los temas más intocables de la historia del rock: el clásico de Queen.Años después, la banda recuperó esta versión y la lanzó también como parte de un EP de 7 pulgadas, distribuido de forma exclusiva en formato físico para los compradores de entradas VIP de su gira Transcending the Coma Tour en 2016, convirtiéndolo casi en una pieza de coleccionista.Entre los fans del metal progresivo, este cover es considerado uno de los mejores homenajes modernos a Queen, precisamente porque no intenta superar el original ni transformarlo en otra cosa. No cae en el típico enfoque de "metalizarlo" con doble bombo y guitarras pesadas; al contrario, BTBAM apuesta por algo mucho más inteligente: respetar la estructura original y potenciar su carácter teatral y progresivo.Y ahí está lo más interesante. Porque, cuando escuchas la versión de Between the Buried and Me, entiendes algo clave: Bohemian Rhapsody ya tenía, en esencia, alma de prog-metal. Cambios de dinámica, secciones múltiples, dramatismo operístico y libertad estructural... todo lo que definiría al género décadas después ya estaba ahí, esperando a ser reconocido.THE FLAMING LIPS: https://www.youtube.com/watch?v=X5E-C93lhG0The Flaming Lips es una banda estadounidense de rock formada en Oklahoma City, Oklahoma, en 1983. Ellos mismos definen su sonido como rock psicodélico de varias capas y afirman que, líricamente, sus composiciones muestran elementos del rock espacial de finales de los sesenta y primeros setenta.The Flaming Lips lanzó su versión de Bohemian Rhapsody en 2005 como parte del álbum tributo Killer Queen.Mientras que otros grupos intentan reconstruir la complejidad de Bohemian Rhapsody, The Flaming Lips hace lo contrario: no reconstruye la obra, sino que la reinterpretan como un sueño alterado desde dentro de una nube psicodélica y onírica -muy acorde ala parte central de la canción-, con sintetizadores y texturas ambientales típicas del sonido de la época que quieren representar.Una fumada seria, pero muy guapa. A mí, personalmente, me recuerdan a Uriah Heep en sus comienzos.MUPPETS: https://www.youtube.com/watch?v=tgbNymZ7vqYY hablando de fumadas serias... esta es de las buenas. Pero no puedo dejarla pasar, porque esta versión une dos de mis pasiones: Queen y las obras de Jim Henson. ¿Y quiénes representan al mago de las marionetas mejor que los Teleñecos?La versión se lanzó directamente en YouTube en 2009 y muestra a los Muppets haciendo de las suyas con su característico humor caótico. Incluyendo a Animal, el batera neandertal llamando a su mamá, y a 70 personajes más haciendo las delicias de los que disfrutamos con estas marionetas icónicas.Como dato curioso, decir que ha ganado varios premios por su viralidad y lleva más de 78 millones de visitas. Aunque aún está muy lejos de los 2.000 millones de visitas del vídeo original de la cuenta oficial de Queen, os recomiendo que le echéis un vistazo.JT Tollas PostScript: https://youtu.be/pF4XNAlqhHA?si=U_JtcaaEO_a0bmFVA estas alturas del podcast, debo confesar que llevo desechadas unas 15 versiones. La mayoría muy buenas y todas ellas merecedoras de aparecer en este pedazo de podcast llamado Explorando Versiones. Pero es que no me apetece estar aquí hora y media dando la chapa con la misma canción.Así que vamos con una que me ha llamado la atención por la oscuridad que trae tras de sí. La versión de PostScript, el proyecto musical en solitario de Jeremy "JT" Tollas, conocido principalmente como el vocalista y compositor de la banda de metalcore Famous Last Words.La versión, distribuida en exclusiva por las redes, es convertida en un bloque mucho más pesado y rítmico.Las armonías vocales o bien se simplifican o se transforman en capas más agresivas.La sección final rockera se lleva hacia un sonido más cercano al metal moderno, afinado bajo y comprimido.Mantiene la estructura de la canción original, pero con estética totalmente metalcore, en forma de un mal sueño.MOLOTOV: https://www.youtube.com/watch?v=xKGi_Z_1QvI¿Es que no piensas traer ninguna versión en otro idioma? Pues claro que sí, ahora vienen dos. La primera, en castellano.La versión de Molotov de Bohemian Rhapsody se titula oficialmente Rap, Soda y Bohemia y fue lanzada originalmente en 1997 como parte del álbum recopilatorio Tributo a Queen: Los Grandes del Rock en Español.Es una parodia que mezcla el rock potente de la banda con fragmentos rapeados y una letra adaptada a la jerga mexicana. Sustituye frases icónicas por expresiones locales. Por ejemplo, el famoso "Mama, just killed a man" se transforma en una narrativa más cruda y humorística, fiel al estilo irreverente de Molotov.Aunque es considerada una de las versiones más creativas en español, también generó críticas en su momento por su lenguaje violento y por romper con la solemnidad de la obra original de Freddie Mercury.NDLOVU YOUTH CHOIR: https://www.youtube.com/watch?v=gbljPQbxtTQY ahora os presento una versión en un idioma que creo que nunca ha rulado por este maravilloso podcast. ¿Lo adivináis? ¿No? ¡Es isiZulu!El Ndlovu Youth Choir, el aclamado coro sudafricano finalista de America’s Got Talent, lanzó en agosto de 2025 una histórica versión de Bohemian Rhapsody interpretada principalmente en isiZulu. Esta reinterpretación es significativa por varios motivos.Por un lado, cuenta con autorización oficial: es la primera traducción comercial de la canción aprobada por los miembros restantes de Queen, Brian May y Roger Taylor, junto al Mercury Phoenix Trust.Además, funciona como un homenaje a las raíces africanas de Freddie Mercury, nacido en Zanzíbar (Tanzania) bajo el nombre de Farrokh Bulsara.A nivel musical, la versión destaca por su fusión cultural, combinando la estructura original de la ópera rock con estilos sudafricanos como el isicathamiya y el kwassa kwassa congoleño.Pero vamos, que si me dicen que esto sale en el musical de El Rey León, me lo creo fijo.Elton John y Axl Rose: https://youtu.be/i26406_EldM?si=BUA_uNJKHzUJGxvR20 de abril del 92. Antiguo estadio de Londres. Concierto homenaje a Freddie Mercury tan solo cinco meses después de su muerte. 72.000 miradas en el emblemático estadio ycientos de millones desde sus casas viendo el evento vía satélite alrededor del mundo. El objetivo: recaudar fondos para la lucha contra el sida en África.Queen reúne a los mejores artistas del momento: Metallica Guns N’ Roses Def Leppard Extreme George Michael Annie Lennox David Bowie Robert Plant, de Led Zeppelin Roger Daltrey, de The WhoY un largo etcétera. Todos para interpretar alguna canción con la banda londinense que rendía homenaje a su vocalista.Y para Bohemian Rhapsody no se les ocurre otra cosa que juntar en el escenario a Sir Elton John con Axl Rose, el polémico líder de Guns N’ Roses.La historia tiene su miga, pues todos los músicos, el día antes, debían ensayar su número con la banda, pero Elton John tuvo que hacerlo solo. Axl no se presentó.Horas antes de que tuvieran que salir al escenario, Elton estaba desesperado. Axl no salía de su caravana y, cuando tocaban la puerta para estar con él, les decían que estaba durmiendo.Y llegó el momento de Bohemian Rhapsody. Nadie, ni la banda ni el propio Elton, sabía si Axl aparecería tras la parte operística, que era la que le tocaba.Y así se cerró una de las actuaciones más míticas de aquel concierto y, por qué no decirlo, de la historia del rock.YAYA ORCHESTRA: https://www.youtube.com/watch?v=7HNc4m_m1E0Yaya Orchestra es un proyecto musical relativamente reciente dedicado sobre todo a hacer versiones al estilo orquesta sinfónica con coros cinematográficos, convirtiendo canciones populares en versiones "épicas" al más puro estilo tráiler de serie sobrevalorada como, no sé, Stranger Things.¿Y por qué elijo esta versión para despedir el podcast? Pues porque Bohemian Rhapsody es un poema épico. Que nos habla de alguien que confiesa haber cometido un crimen. Un personaje atrapado entre el miedo, la locura y el juicio, mientras oye voces que lo juzgan en el caos de su propia mente.La grandeza de Bohemian Rhapsody es que, casi cincuenta años después... seguimos sin saber exactamente qué quiso decir Freddie Mercury en esa ópera rock magistralmente condensada en seis minutos dedicada a la confesión, la culpa, el miedo y la muerte.Bohemian Rhapsody no se escucha... se atraviesa. Y termina dejándote frente al vacío, como si todo hubiese sido un viaje emocional imposible de explicar con palabras.Bohemian Rhapsody es algo más que una canción. La convierte en un acto de fe artística. En un desafío. En un poema épico construido por una banda que se negó a rendirse cuando lo tenía todo en contra.Y quizá por eso sigue emocionándonos décadas después. Porque detrás de la ópera, del rock, de las armonías imposibles y de la teatralidad... hay algo profundamente humano: el miedo, la ambición, la fragilidad y la necesidad desesperada de crear algo inmortal antes de caer.Y lo consiguieron.Gracias por acompañarme una vez más en Explorando Versiones. Yo soy Raulillo... y nos encontraremos en la próxima canción que merezca ser explorada.
-
Hola amigos, soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones vamos a sumergirnos en una de las canciones más icónicas del punk español. Hablamos de “Autosuficiencia” de Parálisis Permanente.
PARÁLISIS PERMANENTE - AUTOSUFICIENCIA: https://www.youtube.com/watch?v=OtKzflzRlsw
La canción fue grabada por primera vez en octubre de 1981 y lanzada en enero de 1982 como parte de un EP compartido con Gabinete Caligari. Fue el debut en estudio de ambos grupos y marcó un antes y un después en la escena punk española. Parálisis Permanente destacó por su sonido oscuro, siniestro, muy alejado del optimismo de la Movida madrileña.
“Autosuficiencia” habla de alguien aislado, encerrado en sí mismo, rechazando toda dependencia externa y alcanzando una independencia absoluta, casi extrema.
En 2020, el diario El País la calificó como la canción más importante del punk español, un reconocimiento más que merecido, con el permiso de Ayatollah de los gallegos Siniestro Total (y del que ya hemos hablado en un Explorando Versiones).
PIPERAK: https://www.youtube.com/watch?v=Ok-QbYyWn_o
La primera versión que exploramos es la de Piperak, incluida en el álbum Los muertos de siempre, publicado en 1995. Esta banda, que formó parte de la escena punk española de los 90, aportó una lectura que respeta la esencia original pero la envuelve en una producción más pulida y contemporánea para la época.
La interpretación de Piperak destaca por mantener la crudeza de la canción, pero con un sonido más elaborado, con guitarras distorsionadas y una voz que no pierde la agresividad.
NARCO: https://www.youtube.com/watch?v=APpgp9nSS8k
Luego nos encontramos con la versión que hizo la banda de rap metal Narco, publicada en 2017 dentro de la compilación Rockzone. The Bipolar Sessions 4.
Narco, conocidos por su estilo que mezcla, rap, metal, hardcore y punk, imprimen a Autosuficiencia un giro extremo, con una energía brutal y una voz desgarrada que le da un carácter más violento y agresivo.
La potencia sonora y la actitud enérgica de Narco convierten el tema en un grito de rebeldía contemporáneo, demostrando la influencia duradera de Parálisis Permanente en las bandas de metal y de punk más actuales.
LADY SPARTAKUS: https://www.youtube.com/watch?v=Z8TIPvz9_Ec
Una lectura completamente distinta nos llega de la mano de Lady Spartakus, una banda francesa formada en 2010. Su versión de Autosuficiencia es literalmente un susurro: delicada, atmosférica y casi como una caricia inquietante, que transforma la oscuridad punk en un terreno casi etéreo y experimental.
Este enfoque minimalista y silencioso hace que la canción adquiera un aire introspectivo y fantasmal, llevando la letra hacia un espacio donde la soledad se siente desde la fragilidad en lugar de la rabia.
VENTURI: https://www.youtube.com/watch?v=A-wB5htur3U
Durante el confinamiento por la pandemia del COVID-19, muchos músicos recurrieron a grabaciones caseras para mantener viva la música.
Venturi, un proyecto musical surgido en ese contexto, lanzó su versión de Autosuficiencia el 21 de marzo de 2020, justo al inicio de la crisis sanitaria global.
Esta versión casera y sincera refleja perfectamente el sentimiento de aislamiento extremo que describe la canción, convirtiendo el acto de grabarla en una declaración personal y colectiva de resistencia y soledad compartida.
La elección de Autosuficiencia para ese momento no fue casual: su mensaje resonaba por la situación mundial de estar encerrados teniendo que ser autosuficientes a la fuerza.
ZÜ: https://www.youtube.com/watch?v=QEMmkjakyYM
En una línea más suave, la mexicana Gabriela Medina, conocida por su nombre artístico Zü, presentó su versión en el álbum “Desde las Entrañas” de 1994.
Conocida por su trabajo como vocalista de apoyo para bandas como Héroes del Silencio, Zü aporta a Autosuficiencia una interpretación pausada, que explora la canción desde un ángulo más íntimo y melancólico.
Su voz femenina introduce una nueva dimensión emocional al tema, suavizando su agresividad original para convertirlo en una reflexión sobre el aislamiento desde la vulnerabilidad.
NISTAL: https://www.youtube.com/watch?v=d6RX-xKk41c
También merece un lugar especial la versión realizada por Nistal, un cantautor asturiano conocido por su sensibilidad melódica y su enfoque introspectivo dentro del pop-rock alternativo. Su versión de “Autosuficiencia” aparece en su álbum “10 Motivos para viajar de noche”.
Aquí, Nistal transforma la canción en un ejercicio de delicadeza: guitarras acústicas, arreglos mínimos y una voz melódica que suaviza la dureza del mensaje sin restarle intensidad.
El resultado es una interpretación intimista que convierte el aislamiento de la letra en algo más contemplativo, casi confesional.
Su versión invita a mirar el tema desde la fragilidad y la calma, mostrando una nueva faceta del clásico de Parálisis Permanente, más cercana al indie que al punk.
CELESTE CARBALLO Y LA GENERACIÓN: https://www.youtube.com/watch?v=YERuMfIv9UY
La siguiente parada nos lleva a Argentina, donde en 1985 Celeste Carballo, una de las voces más potentes e intensas del rock argentino, publicó su disco “Celeste y La Generación”.
Dentro de ese álbum —uno de los más radicales y viscerales de su carrera— aparece “Autosuficiencia” como la canción número 6, incrustada en un repertorio rebosante de rabia, electricidad y actitud punk.
En esta época, Celeste había formado la banda La Generación Fusilada y contaba con la producción de Charly García, lo que dio al proyecto un sonido impetuoso, sucio y urgente.
La versión es más agresiva: guitarras más crudas, una base rítmica que avanza como un latigazo y una interpretación vocal que mezcla furia con vulnerabilidad.
Aquí, la autosuficiencia se siente como un estallido emocional. Es una de las versiones más intensas y transformadoras del tema, capaz de trasladar del underground madrileño al corazón de la escena rock de la Argentina de los años 80.
ANALÓGICOS: https://www.youtube.com/watch?v=AyOY_zpyXvI
Para cerrar este viaje, volvemos a España y a la potencia del rock de la banda sevillana Analógicos, que publicó su interpretación de Autosuficiencia en el año 2018 dentro de su primer disco “Salve, Mockers!”.
El tema refleja claramente cómo Autosuficiencia sigue viva y en movimiento. Su interpretación es una explosión de energía rockera, con guitarras con ritmos sureños y un espíritu rebelde que rinde homenaje a la crudeza del original sin perder frescura. Una forma de conectar con nuevas generaciones manteniendo intacta su esencia.
CONCLUSIÓN
Autosuficiencia no es solo una canción; es un símbolo del punk que sigue vigente y en constante reinvención. Desde la crudeza original de Parálisis Permanente, hasta las versiones que van desde lo más agresivo y visceral hasta lo susurrado y sereno, cada artista aporta una nueva voz a este himno de aislamiento.
Lo que está claro es que esta canción sigue inspirando y conectando con nuevas generaciones y estilos. Su mensaje resuena fuerte, y estas versiones son prueba de que Autosuficiencia no sólo permanece viva, sino que sigue evolucionando con el tiempo.
Gracias por llegar hasta aquí, y ya sabes, nos vemos en el siguiente capítulo. ¡Un saludo! -
En la nonagésima sexta entrega de Explorando Versiones, nos vestimos de gala (y nos soltamos el pelo) para desmenuzar un auténtico torbellino del siglo XXI. De la mano de nuestra amiga Sandra Brenes, nos adentramos en el laberinto sonoro de «Chop Suey!», el himno definitivo de System of a Down.
¿Cómo es posible que una canción que combina ritmos frenéticos, un breakdown esquizofrénico y letras sobre el suicidio se convirtiera en un clásico imperecedero de la radiofórmula? Lanzada en un momento histórico complicadísimo (en pleno septiembre de 2001), este tema rompió todos los moldes del metal y demostró que la agresividad también puede esconder una sensibilidad melódica brutal.
En este episodio analizamos la genialidad de la pista original y su arrolladora fuerza en directo, pero prepárate, porque las mutaciones de hoy son de otra galaxia.
MARGARITA SIPATOVA:
https://www.youtube.com/watch?v=KMHqOyc5HlA
THE ROCK ORCHESTRA
https://www.youtube.com/watch?v=Q1wJ1U_0JEA
SYSTEM OF A DOWN - CHOP SUEY (LIVE)
https://www.youtube.com/watch?v=iKVzWSe26cU
SYSTEM OF A DOWN - CHOP SUEY
https://www.youtube.com/watch?v=GK-DkHHAMIU -
Hola, ¿Qué tal estáis?... Para mí es un placer estar aquí y os doy la bienvenida a otro capítulo más de Explorando Versiones.
En el día de hoy, hablaremos de una de las canciones más intensas y dramáticas jamás publicadas. Una historia que mezcla poesía persa del siglo XII, un triángulo amoroso entre leyendas del rock y un riff de guitarra que se grabó a fuego en la memoria colectiva.
Hoy exploramos las múltiples caras de Layla. Porque este tema no es solo una canción; es, prácticamente, una tragedia griega —o mejor dicho, persa— trasladada al siglo XX.
Tiene todos los ingredientes: una relación marcada por la lealtad, el deseo y la traición, una crisis de identidad y una de las melodías más reconocibles de la historia.
La canción es una confesión de amor desesperada de Eric Clapton hacia Pattie Boyd. El problema era que Pattie no solo estaba casada, sino que era la esposa de su mejor amigo: el Beatle George Harrison.
Pattie Boyd es probablemente la musa más influyente de la historia del rock. No solo inspiró a Clapton para componer “Layla” y “Wonderful Tonight”, sino también a George Harrison en temas como “Something” y “For You Blue”.
Clapton no quería usar el nombre real de Pattie por razones obvias. Y como la historia de Romeo y Julieta estaba muy vista, se inspiró en un poema persa del siglo XII llamado La historia de Layla y Majnun, del poeta Nizami Ganjavi.
La historia trata sobre el joven Majnun, cuyo nombre en árabe significa loco, y que se enamora de una mujer inalcanzable hasta quedar consumido por su deseo hacia Layla. Clapton se identificó tanto con ese estado mental que adoptó el nombre para su canción.
No era solo una metáfora literaria: era un reflejo exacto de su propio estado emocional.
DEREK AND THE DOMINOS: https://www.youtube.com/watch?v=Th3ycKQV_4k
Eric Clapton estaba tan abrumado por su fama como “Dios de la guitarra” y por el caos emocional que estaba viviendo con Pattie Boyd que decidió no firmar el disco con su propio nombre.
Así nació Derek and the Dominos, una banda creada casi como un escondite artístico.
El nombre del grupo fue un accidente ya que el presentador del concierto celebrado el 14 de junio de 1970 en la sala londinense "The Lyceum" confundió "The Dynamics", el nombre original del grupo, por "Derek and the Dominos". Tanto le gustó que se quedó así.
La canción se publicó en el álbum "Layla and Other Assorted Love Songs" en 1970. El riff de entrada es un gancho de angustia, la voz de Clapton suena ronca y suplicante, y el famoso solo de piano que suena al final (compuesto por el batería Jim Gordon) es un lamento instrumental que eleva el drama a niveles épicos.
Sin embargo, y como siempre suele pasar en estos casos, el disco fue un auténtico fracaso comercial en su momento.
Algunos años más tarde, en 1974, Pattie Boyd finalmente dejó a George Harrison por Eric Clapton y se casaron en 1979. Lo más loco es que George fue a la boda y siguió siendo amigo de ambos.
Sin embargo, el dicho aquel de "Fueron felices y comieron perdices" duró poco ya que el matrimonio se desmoronó años después debido a las adicciones que sufría Eric Clapton.
La historia de amor que había inspirado una de las canciones más intensas del rock tampoco tuvo un final ideal.
ERIC CLAPTON: https://www.youtube.com/watch?v=EOs0qeiJyIg
Más de dos décadas después, la historia da un giro fundamental. En el año 1992, un Clapton sobrio y transformado por la tragedia personal por la pérdida de su hijo, se sentó en el escenario de la MTV para ofrecer un concierto en acústico, muy popular en aquella época.
La versión de Layla que interpretó, incluida en el álbum Unplugged (que ganó 6 Grammys), es una reinvención total. Transformó el grito distorsionado de 1970 en una balada acústica y sofisticada, con aires de blues y folk.
La desesperación juvenil dio paso a una melancolía adulta, a un ajuste de cuentas consigo mismo. No es una súplica: es un recuerdo.
Con esta versión, Clapton ganó el Grammy a la Mejor Canción de Rock en 1993, venciendo nada menos que a "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana.
RONNIE CHARLES: https://www.youtube.com/watch?v=c4k_6XeGxJI
En 1975, el australiano Ronnie Charles publicó una de las versiones más ambiciosas del tema. Charles, que venía de liderar a la banda psicodélica “The Groop”, incluyó esta pieza en su primer álbum en solitario titulado: Prestidigitation.
Se trata de una versión que respeta el espíritu setentero de la original, pero elevando la apuesta sonora al máximo. Para lograrlo, no escatimó en recursos y contó con el respaldo de la Orquesta Sinfónica de Londres y el Coro de Cámara Inglés.
De hecho, esta apuesta fue tan grande que, en su momento, se consideró una de las grabaciones más caras de toda Inglaterra.
Fue un esfuerzo enorme por transformar el lamento de Clapton, en una pieza sinfónica de primer nivel.
IMPULSIA: https://www.youtube.com/watch?v=aETg2D1Jevs
Damos un salto en el tiempo hasta 2009 para encontrarnos con Impulsia, un proyecto sueco de metal melódico y hard rock. Ellos incluyeron esta versión en su álbum debut, Expressions, dándole un lavado de cara total al clásico de Clapton con un sonido mucho más actual.
En esta ocasión, la angustia de la versión original se transforma en pura potencia. Es un tema cargado de energía donde las guitarras ganan todo el protagonismo, aportando ese matiz épico y pesado que caracteriza al rock más duro.
Lo más curioso de esta versión es que se centra exclusivamente en la parte más eléctrica y guitarrera. El grupo decidió prescindir por completo del famoso solo de piano final, dejando que sea el riff y la distorsión los que lleven el peso del tema de principio a fin.
JEAN SHY: https://www.youtube.com/watch?v=zXeTh_cIm8U
Y aquí es donde el viaje se pone realmente fascinante. ¿Cómo pasó una canción sobre la locura y el amor inalcanzable a ser música de baile? La cantante estadounidense Jean Shy lo hizo posible con un single que transformó la obra por completo. Aunque empezó su carrera en los 70, lanzó esta versión en 1979 tras mudarse a Alemania, bajo el nombre artístico simplificado de Shy.
En esta versión, el drama desaparece para dejar paso a la pista de baile. El riff se convierte en un loop funky, la batería marca un ritmo implacable y los coros son puro espíritu de fiesta. Es una reinterpretación que le da la vuelta a todo lo que sabíamos de la canción, moviéndola desde el dolor de Clapton hacia el brillo de las discotecas.
Es, sin duda, la desconexión total del sentimiento original, pero también un documento histórico fantástico. Nos muestra cómo la cultura disco de finales de los 70 era capaz de absorberlo todo, incluso las tragedias más profundas del rock, para convertirlas en puro entretenimiento.
CHICA: https://www.youtube.com/watch?v=NRTAhBt7qeU
Llegamos ahora al territorio del Eurodance alemán de mediados de los 90. El proyecto Chica, que en realidad era el alias del productor Wolfgang Ále Koeppen, lanzó en 1994 un single que es puro caramelo para las pistas de baile.
En esta versión, el riff de Clapton se transforma en un loop de sintetizador brillante y pegadizo. Todo el drama original desaparece bajo un ritmo imparable y una voz femenina, casi robótica.
Es fascinante ver cómo este género despojó a Layla de todo su peso trágico para convertirla en un tema pensado para las pistas de baile. Es el ejemplo perfecto de cómo la música electrónica de los 90 podía absorber cualquier icono del rock y reinventarlo por completo para el consumo masivo en las discotecas.
JACKIE AND DOMINO: https://www.youtube.com/watch?v=0MZmbiu2HnE
Del Eurodance alemán, saltamos ahora a la escena musical italiana.
En ese mismo año, 1994, el sello “A Beat C” publicó esta versión bajo el nombre de “Jackie and Domino”, una combinación de voces muy común en las producciones de los estudios italianos de la época.
A diferencia de la velocidad frenética de otros temas del sello, aquí nos encontramos con un ritmo mucho más acompasado y marcado.
La versión juega constantemente con el contraste: por un lado, tenemos unos coros femeninos melódicos y, por otro, una voz masculina profunda que va rapeando las frases de la canción, dándole un aire casi urbano.
Es una transformación curiosa porque mantiene la estructura de la letra, pero cambia totalmente la intención. Ya no es un lamento ni un grito desesperado; es una mezcla de rap y bases electrónicas noventeras que convierte la tragedia de Clapton en un diálogo rítmico pensado para sonar en las radios de mediados de los 90.
PLAZA PEOPLE: https://www.youtube.com/watch?v=p0SYGOP2Lq8
El viaje no termina, y por lo visto, el año tampoco. 1994 fue especialmente prolífico para la mutación bailable de "Layla".
El proyecto europeo Plaza People llevó la canción de lleno a la pista de baile con una versión publicada en pleno auge del Euro House.
Editada en Alemania por el sello Zeta, Y griega, Equis, Music, esta reinterpretación transforma el riff original en un patrón electrónico repetitivo, apoyado en bases house contundentes y sintetizadores brillantes.
Es una producción diseñada específicamente para el ecosistema de los clubes. Aquí, "Layla" se despoja de su carga bluesera y emocional para transformarse en un artefacto funcional, orientado al movimiento y la evasión colectiva.
Esta versión supuso la confirmación definitiva de que el legado de Clapton ya no pertenecía a un solo género ni a una época concreta. En 1994, "Layla" había dejado de ser una confesión íntima para convertirse en materia prima universal de la escena electrónica europea.
ED SHEERAN CON JOOLS HOLLAND: https://www.youtube.com/watch?v=5zP4yWzb24M
Cerramos este repaso con una de las versiones más sorprendentes y frescas de los últimos años. El músico británico Ed Sheeran llevó el tema a su terreno en 2019, durante una actuación en directo para el programa de la BBC de Jools Holland, acompañados por su famosa Big Band.
El resultado es una reinterpretación brillante que viste a Layla con arreglos de vientos y ese sonido clásico de las grandes bandas de jazz y swing.
La voz de Sheeran le da un cariz totalmente nuevo, logrando que una canción con tanta historia suene moderna y vibrante otra vez.
Esta interpretación funciona como el puente perfecto: respeta la esencia original, pero bajo un envoltorio tan atractivo que ha servido para que toda una nueva generación descubra a Clapton.
CONCLUSIONES
Layla es un fenómeno único. Comenzó como un secreto a voces demasiado doloroso para llevar el nombre de su autor, se convirtió en un himno de rock desgarrado, luego en una balada premiada de redención personal y, finalmente, en un riff tan universal que pudo colonizar las pistas de baile de medio mundo.
Desde la poesía persa hasta el Eurobeat, la historia de Layla y Majnun –la de Clapton y Boyd– demuestra que una emoción humana extrema, plasmada en música, es capaz de trascender su contexto original y vivir mil vidas distintas.
La locura de amor, al final, resultó ser el idioma más comprensible de todos.
¡Gracias y hasta pronto! -
En esta nueva entrega de Explorando Versiones, nuestra amiga Sandra Brenes nos sumerge en el universo de Fausto Taranto, la banda granadina que ha revolucionado la escena fusionando la contundencia del metal con el quejío más puro del flamenco.
Analizamos cómo este grupo ha logrado crear un sonido único, donde las guitarras eléctricas y el doble bombo conviven en perfecta armonía con el arte de su tierra.
Sandra nos desvela las claves de su trayectoria y cómo han conseguido que el "metal andaluz" recupere una fuerza que no se sentía igual en décadas. -
En este capítulo de Explorando Versiones, nos ponemos las chaquetas de cuero para gritar aquello de "More, more, more!". Hoy, nuestros amigos Pedro A. Luis y Andrea nos desvelan los secretos detrás de «Rebel Yell», el himno definitivo del británico Billy Idol.
Lo más curioso es que este tema no nació entre partituras, sino en una fiesta privada de los Rolling Stones. Tras ver a Mick Jagger y Keith Richards compartiendo confidencias abrazados a una botella de whisky de la marca Rebel Yell, Idol supo que ahí tenía un título ganador.
Analizamos la fuerza del directo original con su mítica presentación en la MTV de 1983 y cómo la canción ha sabido mantener su vigencia, saltando de generación en generación hasta llegar a la potente colaboración de Billy Idol con Miley Cyrus. Un viaje desde el punk-rock de los 80 hasta el sonido más actual.
BILLY IDOL Y MILEY CYRUS
https://www.youtube.com/watch?v=tVHdESbXV2o
BILLY IDOL - MTV LIVE 1983
https://www.youtube.com/watch?v=INX_P_mDEBw -
️ ¡Nuevo episodio de Explorando Versiones! Capítulo 92 ✨
Escúchalo aquí https://www.41016.com/explorando-versiones/92-voodoo-mojo
En la nonagésima segunda entrega de Explorando Versiones, nos adentramos en los ritmos hipnóticos y cargados de misticismo del Blues y el R&B. En esta ocasión, nuestra amiga Agartha, de Radio Apis Music, nos guía por un viaje lleno de hechizos, "mojos" y vudú musical.
Descubriremos cómo el clásico "It’s Your Voodoo Working" de Charles Sheffield cobra nuevas vidas a través de la elegancia de Ida Sand y la arrolladora energía de Imelda May. También exploraremos la curiosa historia detrás de "Got My Mojo Working", una canción que nació con Ann Cole, alcanzó la inmortalidad con Muddy Waters y que incluso ha tenido su particular y divertida interpretación en castellano con Txus Blues & José Bluefingers y su "Tengo el mocho loco".
Para cerrar con broche de oro, nos dejaremos llevar por el sonido potente de The Fabulous Thunderbirds y su icónico "Tuff Enuff". Un episodio esencial para entender cómo el magnetismo de estas melodías sigue funcionando, década tras década, como un auténtico sortilegio sonoro.
Todos los episodios están en el blog https://blog.41016.com/
#VoodooWorking #MojoWorking #ExplorandoVersiones #MuddyWaters #ImeldaMay #CharlesSheffield -
En esta entrega de Explorando Versiones, nos sumergimos en la historia de «Blue Moon», una joya compuesta por Richard Rodgers y Lorenz Hart en 1934 que ha sabido reinventarse como pocas.
En esta ocasión, nuestro amigo Kiko Perelló nos guía por el curioso viaje de esta melodía: desde sus orígenes cinematográficos con letras olvidadas como "The Bad in Every Man", pasando por la elegancia de Billie Holiday y el magnetismo de Elvis Presley, hasta convertirse en un fenómeno del doo-wop de la mano de The Marcels en los años 60.
VINCENT LOPEZ: https://www.youtube.com/watch?v=ZG8XmoMGa4g
THE BAD IN EVERY MAN (MANHATTAN MELODRAMA): https://www.youtube.com/watch?v=zQ2qYxAqlkk
TED FIO RITO: https://www.youtube.com/watch?v=IQEQ8hr7lG0
MEL TORMÉ: https://www.youtube.com/watch?v=MOFIwO3e_cc
BILLIE HOLIDAY: https://www.youtube.com/watch?v=y4bZu56EylA
ELVIS PRESLEY: https://www.youtube.com/watch?v=MiY5auB3OWg
THE MARCELS: https://www.youtube.com/watch?v=8lLimYtAY2o
MANCHESTER CITY: https://www.youtube.com/watch?v=0aIgSvDDT5Q -
En esta nonagésima entrega, nuestro amigo Manuel Espejito nos sumerge en el fascinante universo del flamenco-rock para analizar un hito absoluto: «Te estoy amando locamente» de Las Grecas.
Esta canción no solo cambió la música en España, sino que inventó un género propio conocido como el "Gipsy Rock". Analizamos cómo las hermanas Carmona, bajo la producción de Felipe Campuzano, lograron fusionar el quejío más puro con guitarras eléctricas psicodélicas y arreglos dignos de las mejores producciones internacionales de los 70.
Además, recorremos la vida de este estribillo eterno a través de las versiones de los oscenses Los Mestizos, los sevillanos Dulce Venganza, el toque de rock andaluz de Medina Azahara y la frescura de los valencianos Gazella. Un viaje sonoro por una obra de vanguardia que sigue traspasando fronteras. -
Hola, soy Francisco y hoy en Explorando Versiones nos sumergimos en las olas del Surf Rock con una canción que ha marcado una época y ha dejado su huella a lo largo del tiempo.
Hoy hablamos del tema “Surfin' Bird” del grupo The Trashmen.
Lanzada en 1963, la canción no solo alcanzó un puesto destacado en la lista de éxitos, sino que ha sido versionada en numerosos géneros y formatos a lo largo de los años.
THE RIVINGTONS Y SUS CANCIONES
Pero antes de adentrarnos en esta canción, es esencial conocer sus raíces. Las influencias de “Surfin' Bird” provienen de dos canciones icónicas del grupo The Rivingtons.
The Rivingtons fue un grupo formado en Los Ángeles en la década de 1950, una época dorada para el R&B y el doo-wop. Este grupo vocal afroamericano destacó por sus armonías y ritmos contagiosos, que marcaron una diferencia significativa en la música popular de la época.
THE RIVINGTONS - PAPA-OOM-MOW-MOW: https://www.youtube.com/watch?v=AnW2WNHiTPw
Esta primera canción, “Papa-Oom-Mow-Mow”, lanzada en 1962, es quizás el tema más emblemático de The Rivingtons y se caracteriza por su coro repetitivo y sin sentido, un sello distintivo que la hizo destacar.
Aunque no fue un gran éxito comercial en su lanzamiento, “Papa-Oom-Mow-Mow” capturó la esencia del doo-wop con una energía y una vitalidad que la hicieron muy popular en la escena musical de la época.
El impacto fue tal que su influencia se extendió más allá del R&B. Su estilo vocal y su ritmo animado ayudaron a allanar el camino para la fusión de géneros que The Trashmen explorarían más tarde.
THE RIVINGTONS - THE BIRD'S THE WORD: https://www.youtube.com/watch?v=-gJtCU0G2Is
Esta segunda canción, “The Bird's the Word”, fue lanzada en 1963, un año después de “Papa-Oom-Mow-Mow”.
Aunque no alcanzó la misma fama, la canción mantendría el tono alegre y repetitivo característico del grupo. Su estribillo, “The Bird's the Word”, es una frase que se repetía constantemente, lo que la hacía igualmente pegajosa y memorable.
EL NACIMIENTO DE “SURFIN' BIRD”
THE TRASHMEN - SURFIN' BIRD: https://www.youtube.com/watch?v=Qgmh0BjLKVM
Pero volvamos a la canción de la que hablamos hoy. La historia de “Surfin' Bird” comienza cuando The Trashmen, una banda surfera originaria de Minneapolis, descubrió las canciones de The Rivingtons.
El grupo comenzó a experimentar mezclando ambas canciones en vivo, combinando la energía frenética de la primera con el estribillo pegadizo de la segunda hasta crear una nueva versión enérgica llamada 'Surfin' Bird'.
El resultado fue una mezcla vibrante y emocionante que resonó con el público. La banda decidió grabar esta fusión como sencillo creando una pieza musical única que rápidamente se convirtió en un éxito.
“Surfin' Bird” se lanzó como sencillo en 1963 y alcanzó el cuarto lugar en la lista Billboard Hot 100. La canción destacó por su ritmo enérgico, su coro repetitivo y su estilo surfero característico. La combinación de estos elementos la convirtió en un éxito instantáneo, convirtiendo a The Trashmen en un referente imprescindible del sonido de los años sesenta.
Pero el éxito de “Surfin' Bird” no pasó desapercibido para The Rivingtons, quienes notaron la evidente similitud con sus propias canciones. Y claro está, la banda demandó a The Trashmen por infracción de derechos de autor, lo que llevó a un acuerdo en el que The Trashmen acordaron dar crédito a The Rivingtons como coautores de la canción.
THE RAMONES: https://www.youtube.com/watch?v=V_48Qz_Oj6g
La influencia de “Surfin' Bird” se ha mantenido en una variedad de versiones musicales a lo largo de las décadas. Comenzaremos hablando de la versión que hicieron los Ramones.
En 1977, los Ramones incluyeron “Surfin' Bird” en su álbum Rocket to Russia. Esta versión de los Ramones es conocida por su energía frenética y su adaptación al estilo punk de la banda y ayudó a mantener la canción viva en la cultura musical de finales de los años 70.
THE CRAMPS: https://www.youtube.com/watch?v=n9-HJu6osew
Un año después, en 1978, The Cramps, pioneros del psychobilly, incluyeron su versión de “Surfin' Bird” en el álbum Gravest Hits. La interpretación de The Cramps es más oscura y retorcida, alineándose con el estilo único y surrealista del grupo.
Esta versión, que combina elementos del punk con influencias del rockabilly y el horror, le da un toque de misterio y oscuridad a la canción original, mostrando la flexibilidad de “Surfin' Bird” para adaptarse a diferentes estilos musicales.
SKIANTOS: https://www.youtube.com/watch?v=7wLg6puVoMo
En 1979, la banda italiana Skiantos, conocida por su “rock demencial”, versionó “Surfin' Bird” en su álbum Kinotto. La interpretación de Skiantos mantiene la esencia frenética de la canción original, pero le añade un toque de humor absurdo y provocador, adaptándola a su estilo único, dándole una nueva dimensión al tema, demostrando cómo el humor y la sátira pueden transformar una canción clásica.
APARICIONES EN PELÍCULAS Y SERIES
PEE-WEE HERMAN EN BACK TO THE BEACH: https://www.youtube.com/watch?v=l8zuNRNdWqw
Pero “Surfin' Bird” no solo ha sido versionada musicalmente, sino que también ha hecho numerosas apariciones en películas y series de televisión. Estas inclusiones han ayudado a mantener la canción relevante y han contribuido a su estatus como ícono cultural.
En 1987, Pee-wee Herman interpretó “Surfin' Bird” en la película Back to the Beach, un vibrante homenaje al surf rock de los 60 protagonizado por Frankie Avalon y Annette Funicello.
Con su característico humor excéntrico, Pee-wee aportó un toque cómico y refrescante a la canción. Su participación añade una capa adicional de diversión a la cinta, funcionando como un nostálgico reencuentro con los días dorados de la cultura playera.
LA CHAQUETA METÁLICA: https://www.youtube.com/watch?v=5MNZSCrcC04
La aparición de “Surfin' Bird” en la banda sonora de la película La Chaqueta Metálica, dirigida por Stanley Kubrick en 1987, introdujo el tema a una nueva generación y consolidó aún más su estatus como símbolo cultural.
La canción se utiliza de manera irónica durante una escena en la que se muestra a soldados estadounidenses en la Guerra de Vietnam desde un punto de vista de reporteros de guerra. La elección de esta canción, con su ritmo frenético y letra absurda, contrasta con el ambiente violento de la guerra, algo característico del estilo de Kubrick, quien solía utilizar música de manera irónica para enfatizar la disonancia entre la acción en pantalla y la banda sonora.
PETER GRIFFIN EN PADRE DE FAMILIA CANTA "SURFIN' BIRD": https://www.youtube.com/watch?v=wsVGiBV2MM0
En los dibujos animados Padre de Familia, Peter Griffin ha convertido 'Surfin' Bird' en un fenómeno viral. Al incluir esta canción como un gag recurrente, la serie ha servido como un puente generacional, asegurando que el pegajoso ritmo de The Trashmen siga vigente en el actual imaginario colectivo.
Gracias al episodio "Sueño con Jesucristo", donde Peter se obsesionaba por primera vez con este tema, la canción volvió a entrar en las listas de éxitos en varios países en 2008 e incluso hubo una campaña masiva en Reino Unido para llevarla al número 1 en la navidad en 2010.
CONCLUSIÓN
Desde su creación, “Surfin' Bird” ha sido reinterpretada y utilizada en diversos contextos, demostrando su versatilidad y atractivo duradero.
La canción ha pasado de ser un éxito de surf en los años 60 a convertirse en un ícono cultural, con versiones musicales y apariciones en medios que han mantenido su relevancia a lo largo de las décadas.
Gracias por acompañarme en este episodio de “Explorando Versiones” y nos vemos en el próximo. Un abrazo. -
Siniestro Total (capítulo 1)
MIAMI VICE THEME: https://www.youtube.com/watch?v=dEjXPY9jOx8
En los 80, mientras que Madrid vivía obsesionada con la Movida, en Galicia estaba pasando algo bastante más interesante.
Lejos del centralismo y con mucho sentido del humor, empezó a surgir una escena que mezclaba punk, cultura popular y gamberrismo sin complejos.
De ese caldo de cultivo nació Siniestro Total: un grupo capaz de convertir cualquier pamplina en una canción de culto. Fue una nueva forma de mirar la vida con ironía, sarcasmo y humor absurdo.
Y si algo hacían como nadie era coger canciones ajenas, pasarlas por la trituradora y sacarlas como si siempre hubieran sido suyas.
Ya sabéis que soy muy fan, y era cuestión de tiempo dedicarles un programa.
Soy Francisco, y esto es… Explorando Versiones de Siniestro Total (Volumen 1).
THE LIFE AND SOUL OF THE PARTY — HOY VOY A ASESINARTE
THE LIFE AND SOUL OF THE PARTY — PETULA CLARK
The Life and Soul of the Party (Petula Clark): https://www.youtube.com/watch?v=9p2UarqccsY
Para abrir este repaso nos remontaremos a 1964, cuando apareció la primera versión de The Life and Soul of the Party, lanzada por el trío vocal femenino británico The Debs.
Un par de años más tarde la popularizó la también británica Petula Clark en su disco “My love” publicado en 1966.
En aquellos años Petula era la reina del pop, y el tema se convirtió en un pequeño himno de fiestas de salón, con sofás de terciopelo y cócteles con sombrillita. Ella la cantaba con tal dulzura que te hacía querer comprarte un juego de té para servirlo con puntualidad británica a las cinco de la tarde.
SINIESTRO TOTAL — HOY VOY A ASESINARTE
Hoy voy a asesinarte - (¿Cuándo se come aquí? - 1982): https://www.youtube.com/watch?v=KAtqj-vLMwo
Pero entonces llega Siniestro Total. En su debut ¿Cuándo se come aquí?, publicado en 1982, deciden que a esa melodía tan mona le falta un poco de sangre y convierten la idea de “ser el alma de la fiesta” en Hoy voy a asesinarte.
Transforman la versión original en un monólogo punk sobre la infidelidad y los celos extremos. Pasan de tomar gin-tonic con el meñique levantado a un plan de asesinato como solución doméstica al problema de la cornamenta ósea del protagonista.
La letra del tema es tan exagerada que el narrador acaba siendo un pobre tipo ridículo y no un villano. No tratan de justificar nada, mas bién poner en evidencia, desde el humor negro, una reacción tan desproporcionada como absurda.
O TREN
O TREN — ANDRÉS DO BARRO
O tren (Andrés Do Barro): https://www.youtube.com/watch?v=Pyp3jylc9JE
El siguiente tema que os traigo es: “O tren”, de Andrés do Barro, una de las canciones más emblemáticas de la música gallega.
Este tema aparece en 1970 en el primer LP del cantante ferrolano titulado “Me llamo Andrés Lapique do Barro”, un disco histórico por ser la primera grabación en gallego que consiguió éxito comercial en plena dictadura, cuando cantar en tu lengua materna era casi un acto subversivo.
“O tren” es su gran clásico: una mezcla de folk, música melancólica y una enorme carga simbólica.
O TREN — SINIESTRO TOTAL
Siniestro Total - O tren (El Regreso - 1983): https://www.youtube.com/watch?v=k-tn3CiHkIA
¿Y qué hace Siniestro en su segundo disco El Regreso, publicado en 1983? Pues lo que nadie esperaba: ¡ser respetuosos! Bueno, a su manera. No parodian la canción, pero le meten el motor de un AVE al tren de vapor original.
Mantienen la melancolía pero la envuelven en una energía eléctrica que te hace querer pegar saltos dentro del vagón.
Esta versión es un homenaje sin retintín, lo cual en Siniestro es casi una excentricidad.
DO THE MUTILATION — OPERA TU FIMOSIS
DO THE MUTILATION — THE REVILLOS
Do the mutilation (The Revillos): https://www.youtube.com/watch?v=2DhKkQ37Sjg
Los escoceses The Revillos eran unos bichos raros de la New Wave. Estética de serie B, peinados imposibles y un sonido que parecía sacado de un tebeo de ciencia ficción de los años 50.
El tema "Do the Mutilation" aparece por primera vez en la cara B del single "Motorbike Beat" publicado en 1980.
Y su letra juega con temas relacionados con monstruos de películas de serie B, ciencia ficción y mutilaciones de manera cómica.
OPERA TU FIMOSIS — SINIESTRO TOTAL
Siniestro Total - Opera tu fimosis (El Regreso - 1983): https://www.youtube.com/watch?v=5slEKyHR5x8
Pero Siniestro escuchó "mutilación" y pensó: Demasiado genérico, vamos a llevar esto al terreno de la cirugía. Y así nace "Opera tu fimosis".
Es, probablemente, la canción más didáctica del punk español y consiguen que una intervención en una zona tan delicada suene como algo que quieras bailar en una boda.
Aquí entras en la consulta de un médico charlatán que te recomienda operarte sin pensarlo demasiado, con un martillo en una mano y un serrucho en la otra, mientras tú le gritas que, por el bien de los dos, mejor no os hagáis daño mutuamente. De esto no tengo pruebas, pero tampoco dudas.
SWEET HOME ALABAMA — MIÑA TERRA GALEGA
SWEET HOME ALABAMA — LYNYRD SKYNYRD
Sweet home Alabama (Lynyrd Skynyrd): https://www.youtube.com/watch?v=-35W_FWCT9Q
“Sweet Home Alabama” es un clásico absoluto del rock sureño publicado por Lynyrd Skynyrd en 1974 en el álbum Second Helping.
Guitarras limpias, orgullo local, identidad del sur de EE.UU., “Sweet Home Alabama” se convirtió en su canción más famosa y un himno cultural, que cualquier persona reconoce aunque nunca haya escuchado un disco de Lynyrd Skynyrd.
Si queréis conocerlo con más detalle ya hicimos un podcast sobre este tema en Explorando Versiones.
MIÑA TERRA GALEGA — SINIESTRO TOTAL
Siniestro Total - Miña Terra Galega (Menos mal que nos queda Portugal - 1984): https://www.youtube.com/watch?v=FqocsS2KCIg
Pero cuando Siniestro Total la reescriben como “Miña Terra Galega”, sucede algo especial: de pronto la canción deja de ser un homenaje al sur de EE.UU. y se convierte en una declaración de amor —y de humor— a Galicia, dejando en un segundo plano el tema original de Lynyrd Skynyrd.
“Miña Terra Galega” no es una versión más, y se convirtió por derecho propio en el himno oficioso de Galicia.
El tema aparece en el álbum “Menos mal que nos queda Portugal” publicado en el año 1984 siendo un acierto absoluto y una de las mayores apropiaciones culturales que se hayan hecho, y además bien hecha.
ROCKAWAY BEACH — ROCK EN SAMIL
ROCKAWAY BEACH — THE RAMONES
Rockaway beach (The Ramones): https://www.youtube.com/watch?v=8Z1-R2LEuao
“Rockaway Beach” es Ramones en estado puro: surf, velocidad, punk playero neoyorquino y olor a crema solar de gasolinera.
Este tema aparece en uno de los grandes discos del punk: Rocket to Russia , publicado en 1977, donde se combina la velocidad ramoniana con un toque surfero y melodías más pulidas.
ROCK EN SAMIL — SINIESTRO TOTAL
Siniestro Total - Rock en Samil (Bailaré sobre tu tumba): https://www.youtube.com/watch?v=w3In9cQ723E
¿Qué hacen Siniestro? Muy fácil: cogen un mapamundi, lo pliegan a la mitad y teletransportan esa playa americana a la playa de Samil, en Vigo.
Un cambio geográfico perfecto: de una orilla del Atlántico a la otra, pero mucho más cerca de casa.
“Rock en Samil” aparece en el disco Bailaré sobre tu tumba, publicado en 1985, mantiene la velocidad, la simplicidad y el sabor playero, pero le añade ese toque cercano que lo convierte en un himno local, pero con ADN global.
VAMOS MUY BIEN
VAMOS MUY BIEN — OBÚS
Vamos muy bien (Obús): https://www.youtube.com/watch?v=TbqTzvOPLDs
“Vamos muy bien” seguramente sea uno de los temas más conocidos de la banda madrileña Obús. Apareció primero como single en 1981 y luego entró en el álbum “Poderoso como el trueno”, uno de los discos clave del heavy metal español.
El tema se convirtió rápidamente en un clásico del rock duro con guitarras distorsionadas, actitud macarra y un espíritu ochentero al 200%.
VAMOS MUY BIEN — SINIESTRO TOTAL
Siniestro Total - Vamos muy bien (En beneficio de todos - 1990): https://www.youtube.com/watch?v=J4lg_Z1eFOw
Cuando Siniestro la versionan en 1990 en su disco “En beneficio de todos”, mantienen esa energía y lo hacen con una fidelidad sorprendente… pero pasada por el filtro de la banda.
La letra sigue siendo una oda al desfase, pero en boca de Siniestro suena más callejera. Es como si ambos grupos cantaran lo mismo pero con filosofías distintas. Y aun así, esta versión funciona de maravilla.
HIGHWAY TO HELL — SOMOS SINIESTRO TOTAL
HIGHWAY TO HELL — AC/DC
Highway to Hell (AC/DC): https://www.youtube.com/watch?v=zi60ZrJj34M
Highway to Hell: una de las canciones más icónicas del rock mundial y es literalmente un himno planetario. El tema da nombre al disco, que fue publicado en 1979, y sin duda marcó una era.
Además es el último disco con Bon Scott, y probablemente uno de los más importantes de la historia del rock.
Si no eres un extraterrestre que acaba de llegar a este planeta, poco más hay que explicar de esta canción.
SOMOS SINIESTRO TOTAL — SINIESTRO TOTAL
Siniestro Total - Somos Siniestro Total (En beneficio de todos): https://www.youtube.com/watch?v=mKqqOk2qhrI
Pero aquí Siniestro Total no hacen una versión, sino una canción nueva apoyada en la base musical de AC/DC.
“Somos Siniestro Total” es un autorretrato de la banda en la que cuelan en su letra grandes frases de sus temas más conocidos.
Una autopresentación gamberra usando un clásico como plantilla. Pura genialidad.
FOLLA CON ÉL — SINIESTRO TOTAL
Siniestro Total - Folla con él (Me gusta como andas): https://www.youtube.com/watch?v=Ia_hD5dp5YI
Pero no siempre tuvo ese título. De hecho, el título original fue “Folla con él”, aunque se ve que lo pensaron mejor y escribieron una letra más “seria”.
No obstante, Julián Hernández, a la sazón líder del grupo, publicó en 2022 el libro titulado “Folla Con Él: Todas las versiones de Siniestro Total y sus circunstancias”.
CASIMIRO
CASIMIRO — SINTONÍA RTVE
Casimiro (RTVE): https://www.youtube.com/watch?v=4YITJc9bYqE
Y para terminar este repaso, hablaremos de “Buenas noches Casimiro”
En los primeros años 80, este monstruito de dibujos animados mandaba a los niños a dormir.
Con una musiquita inocente y amable, esta canción forma parte del imaginario colectivo de toda una época y llenaron de rocancol la cabeza y el corazón de toda una generación.
SINIESTRO TOTAL — CASIMIRO
Siniestro Total - Casimiro (De hoy no pasa - 1987): https://www.youtube.com/watch?v=7HzR2m69TOI
En 1987, en el disco De hoy no pasa, Siniestro cogen esta pieza infantil y la convierten en un rock divertido y acelerado.
Mantiene la melodía, pero ahora estás brincando mientras recuerdas que tú también te ibas a la cama canturreando la canción cuando te lo mandaba un dibujo animado.
Sin duda un final perfecto para este recorrido.
CONCLUSIONES
Siniestro Total - Que les corten los huevos (De hoy no pasa - 1987): https://www.youtube.com/watch?v=KgbZJg0_U-w
Pocos grupos han versionado tanto y tan bien como Siniestro Total.
Lo suyo no era copiar canciones, era hacerlas suyas, riéndose un poco del tema original, un poco de sí mismos, y un mucho de todo lo demás.
Esto ha sido Explorando Versiones de Siniestro Total.
Gracias por llegar hasta aquí y ya sabes… Nos vemos en el siguiente capítulo. -
En la octogésima séptima entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo David Revueltas, de radio Nido Musical (Galdakaoko Albistegia), nos hablará de la canción «Hay poco Rock & Roll» de la banda bilbaína «Platero y Tú».
Lanzada originalmente en 1994, esta canción se convirtió en el grito de guerra de una banda que reivindicaba la esencia del rock directo y sin artificios.
En esta sección, analizamos cómo este clásico ha sobrevivido al paso del tiempo a través de diferentes interpretaciones que van desde lo tecnológico hasta la pura adrenalina del directo.
PLATERO Y TU:
https://www.youtube.com/watch?v=FFQdttqbhGA
THE WEDDING ROCK BAND:
https://www.youtube.com/watch?v=aOXhnbSzRlI
COVER AI:
https://www.youtube.com/watch?v=2EgTPOYpRBE
THE BON SCOTT BAND:
https://www.youtube.com/watch?v=TQ-wHmqsV2U
COTOYE:
https://www.youtube.com/watch?v=GmFzhs2De1s
FITO Y FITIPALDIS & IÑAKI ANTÓN GONZÁLEZ (Uoho):
https://www.youtube.com/watch?v=glPcn85SIa8 -
"Yo maté al sheriff, pero al ayudante no maté" es una de las frases más icónicas de la música popular. Escrita por Bob Marley en 1973, esta canción no es solo un hit, es un duelo al sol por la justicia y una rebelión contra la opresión de Babylon.
Hola, soy Francisco y hoy repasamos sus versiones más sorprendentes: “I shot the sheriff”.
BOB MARLEY & THE WAILERS: https://youtu.be/bCAHC_BYMfM
Incluida en el álbum Burnin', el sexto álbum de estudio, publicado en 1973 por Bob Marley & The Wailers, el tema es un reggae puro, con un ritmo pausado pero intenso.
Como si de un Western moderno se tratara, la letra nos pone en la piel de un hombre que es acosado por el Sheriff John Brown. Según el narrador, Brown lo odiaba y siempre intentaba eliminarlo cada vez que éste plantaba una semilla, que se sobreentiende que de marihuana, pero en realidad se refiere a la libertad frente a Babylon.
En la cultura rastafari, Babylon representa el sistema opresor y la autoridad corrupta. El sheriff funciona como metáfora de ese sistema y dispararle no es solo un acto violento, sino un acto simbólico de rebelión contra quienes temen que la gente piense por sí misma y sea libre.
El clímax se produce cuando, al intentar abandonar la ciudad, el sheriff lo intercepta. Durante la confrontación, el protagonista dispara en defensa propia, dejando claro que el ayudante salió ileso. Asume su acción, pero insiste en que él no es un asesino.
Tiempo después, Marley confesó que inicialmente la letra decía "I shot the police" (yo disparé a la policía), pero la cambió para evitar represalias por incitar al odio y personificó la crítica en la figura del Sheriff.
ERIC CLAPTON: https://youtu.be/L0xLLPJ0bOw
Tan solo un año después, en 1974, Eric Clapton lanzó su versión para el álbum “461 Ocean Boulevard”. Fue la que hizo que la canción fuera conocida masivamente, llegando al número 1 de la lista de Billboard e hizo que Marley se volviera masivamente conocido en todo el mundo.
Con un sonido de rock suave con toques de blues y reggae hizo la canción más comercial. Irónicamente, Clapton no quería grabarla, pero su banda lo convenció.
La grabación se realizó en Miami y, aunque Clapton sentía que su versión era casi una falta de respeto al original por lo suave que sonaba, terminó siendo el mayor éxito en solitario hasta ese momento.
DEODATO: https://youtu.be/KbvgY8Ogl_w
En 1976 el tema da un giro hacia el Jazz y la Fusión de la mano del arreglista brasileño Eumir Deodato que transforma el drama de Marley en una fiesta Disco / Funk.
La canción aparece en el álbum “Very Together” y se trata de una versión instrumental cargada de sintetizadores espaciales y una sección de vientos que parece sacada de una banda sonora de persecuciones de los años 70.
JACO PASTORIUS: https://youtu.be/4McCouCvMTg
En 1986 Jaco Pastorius, el genio del bajo, lleva la canción a un terreno de improvisación pura. La utiliza para demostrar cómo un tema de tres acordes puede sostener una improvisación de jazz-fusión sorprendente.
Se trata de una clase magistral donde Jaco Pastorius toca la línea melódica y el bajo al mismo tiempo, llevando el reggae a una complejidad técnica inaudita y convirtiéndola en una obra de arte compleja.
WARREN G: https://youtu.be/nuJVHQ7D5UA
A finales de los 90, el rapero Warren G sampleó la melodía de la versión de Eric Clapton para adaptarla a la cultura del rap de la costa oeste de Estados Unidos.
No se trata de una versión literal del tema, sino una reinterpretación que mantiene el espíritu y nos habla de la supervivencia en las calles en los barrios de Long Beach.
VOODOO GLOW SKULLS: https://youtu.be/zuDL9CiX36E
El grupo Voodoo Glow Skulls hicieron una versión frenética para su disco Symbolic publicado en el año 2000.
Aquí la canción se acelera a 200 pulsaciones por minuto. Mezclan la estructura del reggae con la agresividad del punk y es ideal para entender cómo la letra de Marley encaja perfectamente con la rabia del punk.
MAD SIN: https://youtu.be/MSGkO27KD8w
La banda alemana “Mad Sin” lleva el tema al terreno del Psychobilly. Aparece en el álbum “Teachin' The Goodies ...And More!” publicado en 2003.
Con un contrabajo que suena como una locomotora y una voz cavernosa, transforman la historia del Sheriff en algo parecido a una película de terror de serie B.
LEONOR ϞϞ (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/mWZVJfE7hPM
Ahora hablemos de algunas versiones en español. La primera es del grupo catalán Leonor ϟϟ, nos dejó esta versión cruda de punk en español ("Yo maté al sheriff"). Corta, directa y al grano. Esta versión aparece en el álbum “Maqueta Para Retrasados” publicada en 2013.
LEONOR ϞϞ (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/nco1UrPYU4k
Un par de años después, 2015 hacen una nueva versión para el álbum “Sistema De Entretenimiento”
RUMBEAT (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/lDSjciz2xqo
En el año 91, el grupo de rumba catalana Rumbeat incluyó en su primer álbum homónimo una adaptación rumbera del clásico reggae “I Shot the Sheriff” de Bob Marley, titulada como “Yo Maté al Sheriff”.
Se trata de una versión en clave de rumba, reinterpretando la canción con ritmos y sonoridades propias de la rumba, con palmas, guitarras rumberas y acercando la canción al terreno de la fiesta callejera en vez de al mensaje introspectivo del reggae.
CONCLUSIÓN
Cincuenta años después, seguimos sin saber por qué el Sheriff John Brown le tenía tanta inquina a Bob Marley, pero lo que sí sabemos es que su historia aguanta lo que le echen: sintetizadores, contrabajos psicópatas y palmas rumberas.
"I Shot the Sheriff" demuestra que una gran composición y no tiene fronteras ni género.
Gracias por acompañarme y nos escuchamos en la siguiente entrega de Explorando Versiones. -
En la octogésima quinta entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo Nicolás Carmona nos hablará del grupo sevillano «Pata Negra», de su impacto en la fusión entre flamenco y blues, y de su tema «Yo me quedo en Sevilla» publicado en el álbum «Blues De La Frontera».
Pata Negra - Pasa La Vida:
https://www.youtube.com/watch?v=r_wzmTFdVis
Pata Negra - Bodas de Sangre:
https://www.youtube.com/watch?v=PpErvxHYvIk
Pata Negra - Camarón:
https://www.youtube.com/watch?v=igBqq7uODd0
Pata Negra - Yo me quedo en Sevilla:
https://www.youtube.com/watch?v=N-9zEvBNpLs
Antonio Carmona - Yo me quedo en Sevilla:
https://www.youtube.com/watch?v=BnKNj92AUOI
Manuel Carrasco - Yo me quedo en Sevilla:
https://www.youtube.com/watch?v=TDYXV6rJ0PU
Marta Quintero - Yo me quedo en Sevilla:
https://www.youtube.com/watch?v=KL2japzz0As -
Bienvenidos a un nuevo episodio de "Explorando Versiones". Hoy nos adentramos en un clásico del soul y el rock 'n' roll: "Nutbush City Limits" de Tina Turner.
IKE AND TINA TURNER - NUTBUSH CITY LIMITS
https://www.youtube.com/watch?v=tFMXV2xqW8o
"Nutbush City Limits" fue escrita por Tina Turner, cuyo nombre de nacimiento es Anna Mae Bullock, junto con su entonces esposo Ike Turner.
La canción fue lanzada en 1973 como parte del álbum "Nutbush City Limits", que también lleva el nombre de la canción y fue uno de los álbumes más exitosos de Ike & Tina Turner.
La letra de la canción está inspirada en la ciudad natal de Tina Turner, Nutbush, Tennessee. A pesar de que Tina había dejado Nutbush para seguir su carrera musical, siempre mantuvo un fuerte vínculo emocional con su lugar de origen.
"Nutbush City Limits" no sólo rememora la vida en una pequeña ciudad sureña, sino que también es un homenaje personal a las raíces de Tina Turner y a su identidad como mujer afroamericana creciendo en el sur de Estados Unidos por su connotación racial.
A pesar de su éxito musical, la relación entre Tina y Ike fue tumultuosa y marcada por problemas personales y profesionales.
En julio de 1976, Tina finalmente tuvo el coraje de dejar a Ike Turner, escapando con poco más que 36 centavos y un nombre que necesitaba reinventarse.
Esta separación marcó un punto de inflexión en su vida, permitiéndole liberarse del control abusivo y comenzar una carrera en solitario.
TINA TURNER (VERSIÓN 1991) https://www.youtube.com/watch?v=jg7qrYqJ9ns
En 1991, Tina Turner decidió revisitar "Nutbush City Limits" como parte de su álbum recopilatorio "Simply the Best".
Esta decisión fue parte de un esfuerzo por reintroducir su música a una nueva generación de oyentes y adaptarse a los estilos musicales contemporáneos de la época.
A diferencia de la versión original de 1973, que era más orientada hacia el funk y el soul, la versión de 1991 adopta un enfoque más orientado hacia la música dance y el pop rock.
Esta versión incorpora sintetizadores y ritmos electrónicos, lo que la hace más adecuada para las pistas de baile de la época.
Esta versión no solo consolidó la posición de Tina Turner como una artista versátil capaz de adaptarse a diferentes estilos musicales, sino que también contribuyó a su resurgimiento como una fuerza dominante en la industria musical en la década de 1990.
BOB SEGER: https://www.youtube.com/watch?v=IThlyeflBOc
Bob Seger, figura icónica en la historia del rock estadounidense y conocido por su voz distintiva y su habilidad para capturar la esencia del rock 'n' roll, realizó esta versión de "Nutbush City Limits" para su álbum "Beautiful Loser" lanzado en 1975 y en el que incluía esta versión de "Nutbush City Limits".
BRIAN JOHNSON & FRIENDS: https://www.youtube.com/watch?v=wRQgh17_b0w
En 2004, Brian Johnson, conocido principalmente como el vocalista de la legendaria banda de rock AC/DC, participa en un festival tipo “Monsters of Rock” con varios músicos invitados bajo el nombre de "Brian Johnson & Friends". Durante este evento realizan esta versión de "Nutbush City Limits".
BETH HART & JOE BONAMASSA: https://www.youtube.com/watch?v=Erw00WZYhQ8
Beth Hart, cantante y compositora conocida por su potente voz y Joe Bonamassa, virtuoso guitarrista de blues y rock, realizan esta versión de "Nutbush City Limits" que mantiene la esencia original de la canción, pero le añade un enfoque fresco y contemporáneo con influencias claras del blues y el rock.
DORO PESCH: https://www.youtube.com/watch?v=SYYE4VoPiDE
La cantante alemana de heavy metal Doro Pesch, conocida simplemente como Doro, también grabó en 2014 esta versión de "Nutbush City Limits" para el álbum “Powerful Passionate Favorites”. Su versión tiene un enfoque más orientado hacia el rock y el heavy metal, adaptando la canción original de Tina Turner con riffs de guitarra pesados y una voz potente.
THE BO DEREK’S: https://www.youtube.com/watch?v=FsGgxcKRtcs
Aunque hay innumerables versiones más de este tema, queremos cerrar con la versión que hizo el grupo gallego The Bo Derek’s.
Este power-trío, liderado por el ex Siniestro Total Óscar Avendaño, también hizo una versión de este tema para cierra el álbum “Porca miseria”, lanzado en 2023, y que pudimos disfrutar en directo en el pasado festival de rock en 2023 que organizó la Asociación Cultural Torre Rock.
CONCLUSIONES
IKE AND TINA TURNER - NUTBUSH CITY LIMITS
https://www.youtube.com/watch?v=bpuf6AmQH4M
Esta canción ha dejado una huella indeleble en la historia musical y sus versiones proporcionan una nueva perspectiva sobre este clásico atemporal, asegurando su lugar en la historia musical contemporánea.
Muchas gracias por acompañarme en este repaso de Nutbush City Limits y nos vemos pronto en otro episodio de Explorando Versiones. Un saludo. -
Hola amigos, soy Francisco y hoy en Explorando Versiones hablaremos de otra canción relacionada con el correcaminos. En esta ocasión nos subimos a toda velocidad en el ritmo de Road Runner, un clásico del inconfundible Bo Diddley.
Esta es la continuación del episodio 61 de este podcast, donde ya exploramos la versión de Barbara Cameron utilizada en la introducción de los dibujos animados del Correcaminos. Pero atención, porque aunque esta canción también habla del Correcaminos, no tiene relación aparente con la serie.
ORIGEN DE LA CANCIÓN
BO DIDDLEY: https://www.youtube.com/watch?v=v6qDAvsfyvg
Road Runner fue lanzada como sencillo en enero de 1960 por Checker Records y luego incluida en el álbum Bo Diddley in the Spotlight. Compuesta e interpretada por el propio Bo Diddley, esta joya del rock and roll llegó al puesto 20 en la lista de R&B de Billboard y alcanzó el puesto 75 en la lista del Hot 100.
La canción sigue la estructura de un blues de 12 compases, pero con ese inconfundible ritmo de Bo Diddley, esa cadencia percutiva que se convirtió en su sello personal.
GRABACIÓN Y SONIDO
Road Runner fue grabada en septiembre de 1959 en los legendarios Chess Studios de Chicago. En la sesión participaron grandes músicos como Otis Spann al piano y Jerome Green en las maracas, aportando ese sonido tan característico.
Además de la colaboración de músicos como Otis y Jerome, no podemos dejar de hablar del papel esencial de la guitarra de Bo Diddley. Su fiel compañera, la Gretsch G6138 Bo Diddley, con su forma rectangular única, le permitía hacer sonar esa cadencia tan peculiar y su distintivo Bo Diddley Beat. Esta guitarra, que parece tan propia de su estilo como su presencia en el escenario, contribuyó en gran medida a dar forma a ese sonido tan energético y contagioso.
¿El resultado? Un tema vibrante, dinámico y contagioso, donde la guitarra de Bo Diddley marca el ritmo como un motor en plena aceleración.
IMPACTO CULTURAL Y PRESENCIA EN MEDIOS
Anuncio Mazda: https://www.youtube.com/watch?v=eQcy6KXaex8
La canción no solo ha sido versionada, sino que también ha aparecido en anuncios y películas. Por ejemplo, en 2012 fue usada en un anuncio de la marca Mazda, y en 2013 formó parte de la banda sonora de El lobo de Wall Street de Martin Scorsese.
THE ROLLING STONES: https://www.youtube.com/watch?v=_M_ZIsADngQ
En marzo de 1963, los Rolling Stones grabaron su versión de Road Runner en Londres, en una de sus primeras sesiones de estudio.
Aunque la canción no se publicó oficialmente en su momento, la influencia de Bo Diddley en su sonido es innegable.
Keith Richards replicó el ritmo característico con su guitarra, mientras Mick Jagger le imprimía su sello personal a la interpretación vocal.
Este tema fue parte del repertorio en sus primeros conciertos y marcó el inicio de su conexión con el blues americano.
THE PRETTY THINGS: https://www.youtube.com/watch?v=bPRBR9Y8dII
Para su álbum debut, publicado en 1965, la banda londinense The Pretty Things decidieron incluir su propia versión de Road Runner, llevándola a un sonido aún más crudo y agresivo que el original.
Su interpretación tuvo tanto éxito en los Países Bajos que llegó al puesto 11 en las listas de éxitos. La banda, con su actitud desafiante y su estilo salvaje, fue una de las que más se acercó a la energía pura del Bo Diddley original.
THE ANIMALS: https://www.youtube.com/watch?v=m3XvRyULbdU
También en el año 1965, otro grupo británico como The Animals publica su segundo disco titulado Animal Tracks, en el que Eric Burdon y compañía dieron su propia visión del clásico.
A diferencia de otras versiones, la de The Animals se caracterizó por un tono más intenso y una base rítmica potente, con la inconfundible voz rasgada de Burdon llevándola a otro nivel.
Su amor por el blues y el rhythm & blues americano se reflejó claramente en esta interpretación.
THE WHO: https://www.youtube.com/watch?v=me-tMmqsZow
Durante sus conciertos en la década de los 70, The Who tocaban Road Runner en vivo con una energía arrolladora. En 1975, grabaron una versión en el Pontiac Silverdome, fusionándola con Join Together y My Generation Blues.
Esta interpretación se publicó en 1979 dentro del disco que acompañó la película The Kids Are Alright, mostrando su dominio del directo y su conexión con los clásicos del rock.
AEROSMITH: https://www.youtube.com/watch?v=rHk1vafrZ9o
En su álbum de versiones Honkin’ on Bobo publicado en 2002, Aerosmith rindió homenaje a sus raíces con una versión explosiva de Road Runner.
Steven Tyler y Joe Perry recuperaron el espíritu del blues-rock con una interpretación cargada de potencia y matices modernos.
El disco en sí fue un tributo a los grandes del blues, y esta canción destacó por su fidelidad al estilo original sin perder la marca distintiva de la banda.
THE PHANTOMS: https://www.youtube.com/watch?v=ZO3t_RVwzjI
El grupo alemán The Phantoms incluyó una versión del tema en su LP, llamado también, Roadrunner y lanzado en 1966.
A pesar de su origen europeo, su versión refleja la influencia de las bandas británicas de garage de la época. Con un enfoque crudo y energético, la banda mantuvo la estructura del blues de 12 compases, pero con un sonido de garage rock.
Este enfoque europeo mostró cómo la influencia de Bo Diddley cruzó fronteras, adaptándose al estilo propio del rock alemán de los 60s.
HURRIGANES: https://www.youtube.com/watch?v=hu67ysV6Qzc
En Finlandia, la banda Hurriganes hizo historia con su álbum Roadrunner publicado en 1974 y que tomó el nombre de la canción de Bo Diddley.
Su versión, con un sonido más cercano al rock clásico, se convirtió en un himno en el país y sigue siendo una de las versiones más icónicas de la canción fuera del mundo anglosajón.
En Finlandia, este álbum es considerado una obra clave del rock & roll.
JOHNNY WINTER: https://youtu.be/QogdraH6_E4?si=07XaVfCwbvE3smYJ
En 1970, el legendario guitarrista Johnny Winter, conocido por su virtuosismo en el blues, hizo su propia interpretación de Road Runner en su álbum Johnny Winter.
Su versión mantiene la esencia de Bo Diddley pero le añade su estilo único, con una guitarra potente y una energía cruda que eleva la canción a nuevas alturas.
Johnny Winter, con su inconfundible toque, fue capaz de hacer que esta pieza de Bo Diddley sonara fresca y revitalizada, a la vez que rendía homenaje a su influencia.
WAYNE FONTANA AND THE MINDBENDERS: https://www.youtube.com/watch?v=8HUgiPah4zo
En 1965, Wayne Fontana and The Mindbenders grabaron su propia versión de Road Runner.
Esta versión tiene una atmósfera británica marcada por el estilo de la época, con un enfoque más melódico que las versiones anteriores, pero manteniendo la energía imparable de la original.
Su interpretación de Road Runner refleja el auge de la invasión británica y tiene un toque más suave y pegajoso, que logró un gran éxito en el Reino Unido.
CONCLUSIONES
Road Runner es una de esas canciones que encapsulan la esencia del rock and roll, aportando velocidad, energía y un ritmo imparable.
Bo Diddley dejó un legado imborrable y esta canción sigue corriendo sin frenos por la historia de la música.
Así que, la próxima vez que escuches Road Runner, recuerda que no solo es el correcaminos, ¡es todo un legado de rock and roll que sigue corriendo a la velocidad de la luz! -
En esta octogésima segunda entrega de entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo Pedro A. Luis nos hablará de la canción «Little Wing», un tema de «Jimi Hendrix».
THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE - LITTLE WING: https://www.youtube.com/watch?v=35luFxHO5E0
SANTANA: https://www.youtube.com/watch?v=4dOnxRMq388
STING: https://www.youtube.com/watch?v=JcdNcLYH47c
PAPPO BLUES - PEQUEÑA ALA: https://www.youtube.com/watch?v=WvxQFm-ZHVY
CASANDRA LANGE: https://www.youtube.com/watch?v=z4KqJQbY_1s
RAIMUNDO AMADOR: https://www.youtube.com/watch?v=OIjbnXkkgoc -
Hola amigos, soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones vamos a descubrir la historia de una canción que cruzó fronteras, escenarios y estilos… y que, en realidad, nació de algo tan pequeño como un papel de fumar.
Sí, hoy nos adentramos en la canción Bolleré, de Raimundo Amador… o mejor dicho, con Bolloré, de Cathy Claret, su autora original
CATHY CLARET - BOLLORÉ (VERSIÓN ORIGINAL)
https://youtu.be/zrLYESYGr54?feature=shared
Cathy Claret y el papel Bolloré
Todo el mundo cree que Bolleré es de Raimundo Amador, pero la historia empieza con la música francesa Cathy Claret.
En mayo de 1991 publica su segundo LP, Soleil y locura, y en este disco aparece un tema curioso, cantado en español pero con acento francés y aires de flamenco fusionado con Bossa nova: Bolloré.
La canción está dedicada a un papel de fumar muy especial: OCB Bolloré. Si lo mirabas al trasluz, se podía leer esa palabra, Bolloré, y Cathy, que viajaba a menudo de Francia a Sevilla, lo traía para sus amigos de las 3.000 viviendas, porque en España no se conseguía. Para ellos era casi un tesoro.
Raimundo, por aquel entonces, la acompañaba en sus actuaciones. Así que conocía la canción desde dentro, antes de que se convirtiera en un himno.
ARRAJATABLA: https://youtu.be/naMNwUm25ww?feature=shared
Un año después, Raimundo Amador deja Pata Negra y forma Arrajatabla junto a Juan Reina en la voz, Luis Cobo Manglis en la guitarra y Diego Amador en los teclados.
Publican en 1992 su único disco: Sevilla Blues.
En este álbum aparece Bolleré, ya adaptado al acento sevillano de Raimundo. Es la primera vez que el tema se graba con un sonido más cercano al flamenco-blues, alejándose del aire juguetón y minimalista de la versión original de Cathy.
CATHY CLARET (SUSSURANDO): https://youtu.be/WOgreNbyGwI?feature=shared
En 2003, Cathy Claret la regrabó en su disco Sussurando, acercándose más al estilo que popularizó Raimundo, pero conservando su frescura.
RAIMUNDO (GERUNDINA): https://youtu.be/5ik_0_KnTYs?feature=shared
En 1995, Raimundo da un paso decisivo: lanza su primer disco en solitario, Gerundina, llamada así por una de sus guitarras. En Bolleré, cuenta con un invitado de lujo: nada menos que BB King.
Aquí la canción gana cuerpo, sobre todo con ese diálogo eléctrico entre el blues de BB King y el compás de Raimundo. Una fusión tan natural que parece que hubieran tocado juntos toda la vida.
RAIMUNDO Y BB KING (NOCHES DE FLAMENCO Y BLUES): https://www.youtube.com/watch?v=rzr6KZ23NwU
Si la versión de estudio ya era espectacular, la del directo de 1998, en el disco Noche de flamenco y blues, es pura magia. Raimundo y BB King sobre el escenario, mirándose, retándose y disfrutando. Es el momento en que Bolleré se convierte definitivamente en un clásico.
CONCLUSIONES
Bolleré es más que una canción: es un puente entre culturas, un guiño privado convertido en himno, y un ejemplo de cómo una idea aparentemente pequeña puede crecer y recorrer el mundo.
Gracias a Cathy Claret, a Raimundo Amador y a todos los que la han hecho suya, hoy podemos seguir escuchando ese estribillo que, entre compases de flamenco y blues, nos recuerda que la música no tiene fronteras… - Montre plus
