エピソード
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Damos inicio a nuestra cuarta temporada con una de las mejores películas del año: la coreana "Exhuma".
Como es habitual en el cine coreano, "Exhuma" trasciende las fronteras de un solo género. La trama se inicia de manera intrigante, presentando un misterio sobrenatural que envuelve a una acaudalada familia coreana residente en Los Ángeles. Convencidos de estar bajo una maldición, recurren a un reconocido chamán para investigar, desencadenando una serie de eventos que revelan oscuros secretos familiares.
Nos encontramos ante un complejo entramado de subtramas meticulosamente entrelazadas que se irán desarrollando hasta alcanzar un clímax sobresaliente. "Exhuma" logra fusionar a la perfección el folclore con la modernidad, como dos caras de una misma moneda: una visible y otra oculta.
La película se enriquece enormemente gracias a un elenco excepcional, que incluye tanto a actores legendarios como a talentos contemporáneos. Destacan especialmente las interpretaciones de Choi Min-sik como un geomante, Kim Go-eun en el papel de una chamana astuta e ingeniosa, y Lee Do-hyun como un talismán humano, evocando el espíritu de "Kwaidan".
La narrativa en torno a la tumba y los horrores que desencadena resulta impredecible, entretejiendo eventos históricos con elementos esotéricos de una manera raramente vista en otras películas del género.
Sean todos bienvenidos a la cuarta temporada del Invernadero Horror Podcast.
¡Los estábamos esperando!
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Con una seductora cinematografía en blanco y negro, Rainer Sarnet captura vívidamente estas vidas variopintas mientras se esfuerzan por existir, pero debe preguntarse si la existencia vale algo si carece de alma.
Una reinvención romántica del período posterior a la Gran Guerra del Norte proporciona su telón de fondo. Una época en la que Estonia cayó bajo el control burocrático de la nobleza alemana que hizo todo lo posible por reintroducir el feudalismo y la servidumbre mientras asimilaba la cultura local.
Pero en November la superstición se superpone al mundo cotidiano.
Sean todos bienvenidos al final de la temporada 3 del Invernadero Horror Podcast.
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エピソードを見逃しましたか？
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Dando los ultimos pasos de esta tercer temporada tenemos la grata oportunidad de hablar uno de nuestros directores favoritos : Yorgos Lanthimos.
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Aviso importante : el audio salio con eco, espero sepan disculpar. Se nos metió un embichado mientras grababamos 🤗
Volvimos!! Para gastar los últimos cartuchos de esta tercera temporada, está vez explorando cine local con Cuando Acecha la Maldad de Demian Rugna.Es digno de elogio presenciar la dedicación pura de un director empeñado en hacer que te retuerzas de angustia. Acompañado de un talentoso director de fotografía, cada imagen de esta película parece meticulosamente diseñada para desencadenar la inevitable fatalidad.En medio de cada imagen cruel, se entreteje sutilmente un comentario social, revelando cómo el sistema respalda y protege a los poderosos mientras deja sin respuestas a los olvidados y marginados. Rugna aborda de manera impactante la cruda realidad de los problemas generados por los pesticidas entre los trabajadores marginados de las cosechas. Extrapolando esta problemática de manera hiperbólica, nos sumerge en la pesadilla que surgiría si esa maldad se desatara en esos rincones remotos, esos lugares donde "nunca llega nadie", aquellos incidentes que leemos en las noticias, pero que olvidamos al día siguiente en el frenesí de la vida citadina.
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Volvemos al pais del sol naciente para explorar Kotoko, del cineasta de culto Shin'ya Tsukamoto.
La película plantea muchas preguntas, no solo sobre cómo las personas con enfermedades mentales perciben el mundo, sino también sobre cómo las percibe la sociedad japonesa y cómo esto puede empeorar significativamente las cosas.
Invita la audiencia a desarrollar una relación similar a la realidad como protagonista del metraje. Al principio, la distinción entre las personas reales y sus contrapartes malvadas parece simple, por lo que experimentamos la angustia del personaje al no poder ignorar las alucinaciones y enfocarnos en lo que es real.
Kotoko nos muestra la enfermedad mental desde adentro, dividiendo a los espectadores entre la simpatía por la protagonista y un nerviosismo persistente ante la posibilidad siempre presente de que lo que vemos que ella y otros hacen puede ser real en lugar de una mera ilusión.
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Luego de un breve receso estamos devuelta para hablar de uno de los estrenos mas comentados de este 2023 : la australiana Talk to Me.
Gran parte de la película se basa en las realidades de la Internet moderna: si, por ejemplo, alguien comenzara a pasar la mano recortada y embalsamada de un médium y afirmara que podía comunicarse con los muertos tocándola, se convertiría instantáneamente en una tendencia viral.
El maquillaje manchado de negro ahumado en los espectros aviva una ansiedad enloquecedora, mientras que el rostro de una cara hinchada y astillada provoca náuseas de la mejor manera.
Estos componentes, junto con el trabajo de sonido en el que los gritos se apilan sobre los gritos, mas la una interpretacion fisicamente exigente y emocionalmente agotadora de Wilde, hace de esta pelicula una obra que sabe darle una frescura original a tropos ya transitados en tematicas similares.
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La película no es fácil de categorizar; no solo es enigmática, sino que está bellamente filmada con imágenes profundamente poéticas. Refleja el miedo a lo desconocido, experimentado por un chico en la cúspide de la adolescencia.
“Evolución” es un cuento de hadas de pesadilla sobre la infancia, la pubertad, la alienación, el abuso de los roles de género y la reproducción sexual.
Eso es bastante evidente, pero el enfoque de "mostrar, no decir" del cineasta exige algo de paciencia, una mentalidad contemplativa y un estómago fuerte para absorber las imágenes inquietantes.
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Por fin pudimos completar una entrada en cada uno de los continentes del planeta tierra, algo que queríamos hacer desde el principio del podcast y si bien el a;o pasado vimos (y disfrutamos) del a senegalesa Saloum, lamentablemente no pudimos grabar nuestra tercera temporada por cuestiones de agenda.
Gaia es una pelicula sudafricana del 2021 que captura muy bien el eco horror y la dualidad de la naturaleza, bella y cruel, aunque sean características antropomórficas que le asignamos a una serie de sistemas interconectados que no tienen razón y por ende ningún tipo de brújula moral.
Al mismo tiempo, Gaia explora de manera muy interesante la espada de Damocles que pende sobre el dogmatismo (religioso y no) y como en nuestra actualidad buscamos símbolos y deidades en lugares como la tecnología o la naturaleza.
Gaia se basa en gran medida en la narración visual para transmitir profundidad y sentimiento. Hay una cualidad casi abstracta en la narrativa a medida que revela lentamente los secretos del bosque
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Como es característico del estilo de dirección de Kurosawa, el misterio de “Retribution” no se resuelve solo, sino que se vuelve más surrealista y psicológicamente complejo a medida que avanza.
El mensaje de Kurosawa se dilucida cuando la película llega a su clímax: a veces, los fantasmas más aterradores acechan el futuro de un individuo en lugar de su pasado, y cuando ocurren estas premoniciones, el peso de la propia mente hace que la vida sea insoportable.
Al igual que sus otras películas "Cure" y "Séance", Kurosawa avanza en la narrativa de "Retribution" al mostrar las vidas de múltiples personas con problemas de una manera similar a un estudio de personajes. La película sigue a Yoshioka mientras interactúa con varias personas que están obsesionadas por una mujer espectral con un vestido rojo.
Sin embargo, lo paranormal no se manifiesta como una interrupción del pasado; en cambio, los fantasmas representan una ansiedad sobre lo que vendrá en el futuro personal y respectivo de aquellos que están embrujados.
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Luego de una pequeña pausa volvemos para explorar la ultima temporada de Black Mirror, centrandonos principalmente en los capitulos que mas se prestan a ser discutidos en el Invernadero : Loch Henry & Beyond the Sea.
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Acompañenos en este episodio a explorar lo que desde nuestra humilde morada consideramos el mejor slasher.
"Dream Home" utiliza la crisis de la vivienda como telón de fondo para examinar temas de desigualdad social, presiones económicas y hasta que punto pueden llegar las personas para lograr sus sueños, tomando acciones extremas que pueden surgir de una sensación de desesperanza y frustración.
Los ataques de Lai-sheung son tan largos y agotadores como brutales. Y con cada nueva víctima, su tensión física alcanza su agotamiento mental.
La compasión no es fácil en una película no lineal y retorcida , sin embargo, por cada vida que lleva Lai-sheung, se revela un poco más de su interioridad. Los tonos comienzan a chocar a medida que los espectadores se mueven entre el pasado y el presente tensionando los cables de nuestra brujula moral y empatica para ver hasta que punto somos capaces de comprender y empatizar con un personaje asi -
Cambiamos de medio pero no de género para desentrañar la icónica Uzumaki, del maestro del terror Junji Ito.
Un concepto que papel se reduce automáticamente al absurdo como lo puede ser que la forma de la espiral está progresivamente deformando toda la realidad de un peque;o pueblo, es llevado al extremo producto del imaginario del mangaka y de su incomparable talento para dibujar la imposibilidad : aquellas cosas que no deberían poder hacer, el lo hace posible
Claramente inspirado en el cosmicismo de Lovecraft vemos varios de los elementos recurrentes en las obras de este ultimo como la presencia de una entidad o una fuerza de otro mundo que desafía la explicación racional y atrapa a la gente del pueblo en sus garras. Las espirales y sus manifestaciones evocan una sensación de pavor cósmico, enfatizando la insignificancia y la impotencia de la humanidad.
Adicionalmente, se vislumbra con el correr de los capítulos como el mero conocimiento de lo que está ocurriendo , el intentar conocer esta cosa aparentemente oculta e incomprensible los vuelve cada vez más obsesivos volviéndose locos, prácticamente. Al mismo tiempo que vemos un creciente sentimiento de inevitabilidad y de convergencia hacia un solo posible desenlace (uno que no parece ser particularmente bueno).
Sean todos bienvenidos a esta espiral descendente hacia la locura mas extrema, espero que podamos salir cuerdos luego de este episodio.
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En el episodio de hoy nos trasladamos a Australia para analizar una pelicula que ya ha adquirido la categoría de culto.
Joel Anderson utiliza a la perfección las convenciones del documental para crear una obra que por momentos es prácticamente indistinguible de la realidad, uno se termina creyendo que está viendo relatos reales de una familia que luego de experimentar la tremenda pérdida de una hija y hermana comienzan a sentir y a percibir sucesos paranormales.
Esconde varias trampas y giros narrativos dentro de su historia que van recontextualizando lo que previamente creíamos como la verdad, enfatizando el hecho que a veces las apariencias engañan y que lo que por más que hayan risas y caras felices en la superficie, tal como en la profundidad de un lago, puede esconderse algo mucho más siniestro, triste y complejo.
Lago Mungo explora la necesidad humana de cierre y los extremos a los que puede llegar la gente para descubrir la verdad , pudiendo forzar cualquier tipo de plausibilidad a que tome carácter de verdad como una herramienta de supervivencia que tenemos codificada dentro nuestro. A medida que los Palmer profundizan en la vida de Alice y los misteriosos eventos que rodearon su muerte, se obsesionan cada vez más con encontrar respuestas. La película sugiere que la búsqueda de la verdad y el cierre puede ser difícil de alcanzar y que, a veces, la aceptación y el dejar ir son necesarios para la curación. -
En este episodio nos movemos al territorio escandinavo para analizar Koko Di Koko Da.
El título de la película proviene de una canción infantil y hace referencia al sonido de una caja de música, un elemento central en el film, una representación de la naturaleza cíclica del trauma y el duelo. La película explora temas de pérdida, duelo y las formas en que tratamos de escapar o sobrellevar nuestro dolor.
El drama deviene en un horror del que no parece haber escapatoria, que con cada repetición acrecienta más y más el núcleo del relato: la impotencia. Nyholm moldea los recursos del cine de terror para elaborar una metáfora de la pasividad, de aquella prisión en la que se convierte la mente cuando no consigue procesar la pérdida de un ser querido. -
Volvimos!! Luego de un breve receso de 2 semanas, donde recargamos pilas , volvimos a poner el pie en territorio surcoreano, uno que nos ha dado muchas alegrías para explorar la reverenciada obra de Na Hong-jin.
The Wailing logra no solo ser una excelente pelicula de genero (aunque al tratarse de una producción coreana, mezcla con total proeza el policial, el drama familiar, una pelicula de posesión y hasta le da tiempo para darnos unas pinceladas de zombies) sino que dentro de sus capas más profundas esconde una profunda reflexión acerca de nuestro sistema de creencias y como nos valemos de estas para intentar darle sentido a aquel caos que surge de la azarosidad de la vida, donde muchas veces las desgracias no parecen (ni tienen) una razón aparente para existir.
En general, la película explora el poder y la influencia de las creencias religiosas en la sociedad, destacando el potencial tanto para el bien como para el mal.
También puede interpretarse como un comentario sobre la impotencia y el miedo que sentimos ante la muerte y la incertidumbre.
A lo largo de la película, los personajes se enfrentan al misterio de los asesinatos y al mal sobrenatural que parece estar obrando en su comunidad. Son impotentes para detener los asesinatos, y su miedo e incertidumbre crecen a medida que aumenta el número de muertos.
Edit: el audio salio con un poco de eco, sepan disculpar :)
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Pongase un impermeable y un paraguas para evitar llenar de sangre al explorar la nueva entrada del universo Evil Dead.
Lee Cronin reconfigura la formula ya conocida del franquiicia, primero y principal quita la caracteristica ambientacion de una cabaña en el bosque, trasladandose a la gran ciudad, donde sigue a una familia atormentada por Deadites. A partir de esta configuracion puede ya explorar los temas que hemos visto en su debut Hole in the Ground: el terror de lo domestico, que aquel victimario quien ejerce la violencia no sea solo alguien que conoces, sino alguien que amas profundamente. La diferencia principal entre ambas peliculas es que en su debut este era un changelling haciendose pasar por un hijo y aca es una madre de 3 convertirta en un sadistico demonio.
Parrafo aparte para la interpretacion de Alyssa Sutherland como Ellie, ella ES la pelicula, una vez que se convierte en un no-muerto poseído por un demonio, Sutherland se metamorfosea en una criatura grotesca que infunde miedo en nuestros corazones pero aún es lo suficientemente humana como para ser inquietantemente reconocible. Juegos mentales estan a la hora del dia , a la vez que cualquier blasfemia o vulgaridad dirigida a su familia con el solo fin de infundir el mas profundo terror mientras intentan desesperadamente escapar de ese decriptio complejo departamental convertido momentanemante en una especie de portal infernal.
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Después de tanto tiempo, volvemos a nuestra segunda casa, el cine asiatico, en este episodio nos vamos a adentrar al tortuoso infierno del Terror Blanco, aquel periodo que sufrió la población de Taiwán teniendo que padecer por más de 40 años la más profunda represión, censura y todo acto atroz que es capaz de llevar a cabo un estado autoritario.
Detention es una pelicula estrenada en el 2019 que adapta un juego del mismo nombre que tomó dicho periodo para mostrar dos realidades igualmente terroríficas, un mundo pesadillesco que hará recordar a más de uno a Silent Hill y la cruenta realidad de lo que es vivir en completa paranoia dentro de un régimen militarizado.
Como suele ocurrir, sin importar lo detallado y hasta original que pueden ser las monstruosas creaciones que como dije previamente nos recuerdan a Silent Hill o hasta Fatal Frame, no pueden compararse con los elementos de horror genuinamente aterradores, aquellos que provienen de la humanidad misma: los terrores forjados por el odio, el miedo y la opresión
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Nos amarramos fuerte los borcegos para evitar salpicarse (demasiado) a la hora de taclear el pedazo de obra que es Manticora. Carlos Vermut en su afán provocador pero precioso como reloj suizo , se mete de lleno con uno de los tabúes más profundos de nuestra sociedad y con ello pretende generar una discusión acerca de la comunión entre los deseos, los impulsos y la realidad.
Hay una reflexión constante en la película acerca de la vinculación existente entre ficción y vida, ya sea a través de los videojuegos, la pintura, el cine o la propia imaginación, es decir, entre lo que deseamos y lo que realmente hacemos.
Vermut utiliza el oscurísimo secreto de Julian como una hipérbole de las sombras junguianas que tenemos y la tortuosa tarea de luchar contra nuestras bestias internas con el fin de mantenerlas controladas frente a una sociedad donde cada vez es más complicado presentar ninguna debilidad o flaqueza. -
En este episodio nos volvemos a reencontrar con las brujas y los aquelarres, nos toca explorar un remake hecho y derecho, o como le gusta decir a Luca Guadagnino, un cover de la Suspiria original.
Es de lo más interesante lo que logra Luca en esta pelicula, invierte constantemente todo lo que sabíamos de la original, desde el punto de vista estilístico con la paleta de colores hasta la caracterización de sus personajes e inclusive del final mismo. Pero al hacer esto logra crear un producto con valor propio, una interesantísima exploración acerca de la ambición, la maternidad, los conflictos de poder, la psicología y la culpa.
Acompáñenos a este viaje de delirio y autodescubrimiento que aborda temas serios con gran ironía e inteligencia. Explora las partes más profundas del alma de una persona y saca lo peor. Se trata de descubrir quién eres cuando te sacan del grupo y tienes que asumir la responsabilidad de las elecciones que haces. Se trata de aceptar las partes más feas de ti mismo, incluso si eso significa estar solo. Plantea preguntas sobre el bien y el mal e incluso cuestiona nuestras percepciones de la memoria y la realidad.
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En este episodio vamos a estar explorando el debut en largometraje de una dupla que admiramos profundamente: Justin Benson y Aaron Moorhead , dos alquimistas de lo finito, pudiendo maximizar sus presupuestos acotados sin que esto afecte en lo mas minimo tanto la calidad tecnica como narrativa.
Con Spring no solo logran mezclar exitosamente algunos generos que podrian parecer antagonicos como lo son el romance con el terror o la ciencia ficcion, sino que en el transcurso de dicho brebaje plantean preguntas filosoficas y hasta existenciales como el amor o la eternidad a la par que van introduciendo elementos de body horror increiblemente realizados.
Abrochense los cinturones para adentrarse junto con nosotros al mundo presentado en Spring, donde la belleza y lo grotesco confuyen ininterrumpidamente.
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