Эпизоды
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¿Qué tipo de historia de la música nos enseñaron a escuchar? En este episodio reflexiono sobre la voz, la intimidad del sonido y las formas en que construimos memoria a través de lo que oímos. A partir de un artículo de Egberto Bermúdez, revisito cómo nos han contado (y ocultado) las historias musicales, desde el eurocentrismo del siglo XIX hasta nuestras prácticas actuales. ¿Qué historia suena cuando suena la historia?
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Estas son las obras que escuchamos en este episodio:
REGINA COELI (BOHUSLAV MATEJ CHERNOHORSKY)
QUEM VIO UM MENINO BELLO (ANTONIO MARQUES LESBIO)
SOL RECEDIT IGNEUS (PAL ESTERHAZY)
AL DICHOSO NACER DE MI NIÑO (JUAN HIDALGO)
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Francesco Corselli escribió, durante cuarenta años, la música que resonó en la Capilla Real de Madrid. Nacido en Italia y formado en la tradición lírica de su tierra, supo entrelazar la solemnidad del culto con la teatralidad de la ópera. En este episodio, nos acercamos a su mundo sonoro: austero y ceremonial, pero también cargado de belleza. Y entenderemos algo de su estilo, de su constancia, y de ese raro equilibrio entre la devoción, la escena y el arte que definió su oficio, tan cercano a los primeros borbones.
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Estas son las obras de Francesco Corselli que escuchamos en este episodio:
REGINA COELI
OBERTURA DEL ORATORIO “SANTA CLOTILDE”
SONATA PARA VIOLIN
CHI MAI VIDE ALTROVE ANCORA (ARIA DE Achille in Sciro)
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Пропущенные эпизоды?
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¿Y si el piano, ese instrumento que hoy parece inseparable de la música clásica, hubiera nacido en el silencio de un taller florentino sin mucho revuelo? ¿Y qué dijo Bach? ¿Bach conoció el PIANO???? En este episodio seguimos el camino del fortepiano desde su invención por Cristofori hasta su consagración en Europa. Descubrimos cómo reaccionó Bach la primera vez que lo tocó, qué dijo de sus defectos y cómo esa crítica ayudó a perfeccionarlo. Del órgano al clave, del taller de Florencia a la corte de Prusia, un recorrido fascinante por los orígenes del piano y las tensiones entre tradición e innovación.
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Estas son las obras que escuchamos en este episodio:
TOCCATA Y FUGA BWV 565 (Bach)
SONATA 6, de “12 Sonate da cimbalo di piano e forte detto volgarmente di martelletti, Op. 1, 1732” (Giustini)
SONATA 27 (Dussek)
RICERCAR A 6 DE LA OFRENDA MUSICAL (Bach)
SONATINA No 3 EN DO MAYOR (Clementi)
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Firmaba sus obras como ‘humildísima sierva de Dios’, pero su música era cualquier cosa menos humilde. Isabella Leonarda, la monja compositora del Barroco, escondía una ambición brillante tras los muros de su convento: escribió más de 200 obras, desafió los límites impuestos a las mujeres y dedicó sus partituras a la Virgen... y a poderosos cardenales que aseguraron su legado. ¿Era su humildad una virtud o una estrategia? En este episodio, exploramos la vida de la ‘musa novarese’, sus sonatas audaces, sus dedicatorias calculadas y el olvido intencionado que siguió a su muerte. Una historia de talento, supervivencia y la ironía de ser llamada ‘modesta’ mientras se componía para la eternidad.”
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El 3 de mayo nos reunimos por Zoom los oyentes del podcast! Aquí está el enlace para inscribirse a esa reunión:
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El mar, esa vasta metáfora de lo sublime y lo incontrolable, se convirtió en el Barroco en un poderoso símbolo musical. Este episodio explora cómo compositores como Bach, Vivaldi y Händel transformaron el oleaje en emociones audibles, creando tormentas sonoras que reflejaban tanto las pasiones humanas como los dilemas espirituales. Desde las agitadas arias de ópera que retratan naufragios del alma hasta las serenas cantatas que prometen puertos de salvación, la música barroca navegó con maestría entre el caos y la redención. Nos detendremos en joyas como el aria 'Die schäumenden Wellen' de Bach -donde las olas de Belial amenazan la fe-, en las alegorías contrarreformistas de la Iglesia como nave salvadora (representadas en sorprendentes obras de América colonial), y en cómo esta tradición hunde sus raíces en Horacio y San Agustín.
Si querés escuchar la playlist asociada a este episodio, podés hacer click en este enlace:
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⚠️⚠️⚠️ El 3 de mayo nos reunimos por Zoom los oyentes del podcast! Aquí está el enlace para inscribirse a esa reunión:
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En este episodio, planteo la síntesis final de contenidos y reflexiones sobre el libro The End of Early Music de Bruce Haynes, un análisis revelador sobre la evolución de la interpretación históricamente informada y los estilos musicales desde el Barroco hasta hoy. Haynes examina cómo los conceptos de autenticidad y práctica histórica han cambiado, desafiando las nociones “tradicionales” de la música antigua. A través de su mirada crítica, el libro invita a reflexionar sobre la relación entre el pasado y el presente en la música, cuestionando si alguna vez hubo un "final" real para la música antigua o simplemente una reinvención constante. Una síntesis esencial para entender la música desde una perspectiva histórica y cultural.
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Si querés escuchar la playlist asociada a este episodio, podés hacer click en este enlace:
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Cuando consideramos los escenarios de la música antigua, solemos olvidar lo que pasaba en los conventos femeninos. ¿Quién hacía música en los conventos?, ¿Se hacía música fuera del ámbito litúrgico en esas instituciones?. Para nuestra sorpresa, la actividad musical era inmensa y excedía los límites del templo, para llegar a situaciones mucho más profanas de lo que quizás imaginemos.
Bienvenidos a Mundo Monja, bienvenidos a la sorpresa.
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En este episodio escuchamos las siguientes obras:
O REGEM COELI (Victoria)
LOS QUE FUEREN DE BUEN GUSTO (anónimo, del Convento de la Encarnación, Puebla)
DEJENME, SEÑORES (anónimo, del mismo convento poblano)
JACARA DE LA TRENA (anónimo)
IN DEVOTIONE (Patiño)
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El debut de Handel en la escena operística de Londres fue con Rinaldo, una ópera con libreto de Giacomo Rossi, basada en La Gerusalemme Liberata, de Torquato Tasso.
El exitoso estreno fue en 1711. El público adoró los efectos y la temática entre real y mágica, y los especialistas se quejaron porque el libreto no era tan bueno, y además estaba en italiano.
Tan grande fue el éxito del estreno de Rinaldo, que la ópera se repitió quince veces en la misma temporada. Durante los años subsiguientes continuaron las repeticiones: nueve en 1712, dos en 1713, once en 1714. Como la ópera era un género vivo, cada temporada había cambios y ediciones a cargo del compositor, adaptándola a los diferentes elencos y posibilidades escénicas. En vida del compositor, esta ópera fue también interpretada en Dublin, Hamburgo (traducida al alemán) y Nápoles. Fue la obra de Handel que más se repitió en su vida.
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En este episodio escuchamos fragmentos de la ópera Rinaldo, de Handel:
VO FAR GUERRA
CARA SPOSA
BEL PIACERE
SIBILAR GLI ANGUI D’ALETTO
LASCIA CH’IO PIANGA
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Salí a correr y buscando qué escuchar, terminé con el Gloria de Vivaldi. Y volví a sentir el magnetismo de esa obra, a maravillarme ante su arrolladora sencillez.
¿Es una obra menor el Gloria de Vivaldi? (¿Qué hace que una obra musical sea “menor”?). En este episodio hablo de eso, y de las cosas sencillas y maravillosas, como el pan con manteca.
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En este episodio escuchamos las siguientes obras:
INCIPIT DEL GLORIA (Vivaldi)
CUM SANCTO SPIRITU (Giovanni Ruggieri)
GRATIAS AGIMUS TIBI (Vivaldi)
INTRODUCCIÓN AL GLORIA Y GLORIA (Vivaldi)
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Este episodio del podcast está dedicado a la melancolía, ilustrada con las increíbles canciones del Primer Libro de John Dowland, publicado en 1597. Música y poesía para mover a la melancolía, melodías hermosas pintando textos increíbles.
Todos a llorar!
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Lista de obras que escuchamos en este capítulo:
GO CRYSTAL TEARES
COME HEAVY SLEEP
DEAR IF YOU CHANGE
IF MY COMPLAINTS COULD PASSIONS MOVE
CAN SHE EXCUSE MY WRONGS
(Todas son canciones de John Dowland)
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Este es el cuarto episodio del podcast dedicado a comentar el libro The End of Early Music, del músico e investigador norteamericano Bruce Haynes.
Este capítulo de llama “Mainstream Style”, y Haynes explica acá cómo era hacer música académica (antigua o no) a mediados del siglo XX, y cómo eso se vio modificado por las corrientes historicistas, que trajeron muchas y grandes novedades al volver a hacer interpretaciones basadas en la retórica.
Este libro es una buena guía para descubrir que la música que tanto nos gusta tuvo diferentes propuestas sonoras a lo largo del tiempo.
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Este es el cuarto episodio del podcast dedicado a comentar el libro The End of Early Music, del músico e investigador norteamericano Bruce Haynes.
Este capítulo de llama “La tosca caricia de la música clásica”, y está dedicado especialmente al tema del Canon en la música clásica, eso que Harnoncourt definió como “La selección miserable que hicieron nuestros tatarabuelos”. ¿Cuán liberados del canon podemos estar los que nos dedicamos a repertorios no canónicos? (¿Acaso es posible estar más allá de las normas del canon?)
Este libro nos ayuda a pensar en nuestra manera de hacer y de escuchar música antigua en nuestros días. Nos plantea ideas que parecen súper obvias, pero que nos sorprenden porque nunca antes las habíamos pensado de esa manera.
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Sigo comentando en el podcast el libro The End of Early Music, de Bruce Haynes. El capítulo número 11 se llama El arcoiris y el caleidoscopio, y habla sobre el fraseo barroco, comparándolo con el romántico.
Este libro nos ayuda a pensar en el rol que ocupan los estilos retóricos en nuestra vida musical. Nos plantea ideas que parecen súper obvias, pero que nos sorprenden porque nunca antes las habíamos pensado de esa manera.
Bienvenidos a escuchar, y a pensar.
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En este episodio escuchamos las siguientes obras:
LES HEREUX MOMENTS (Hotteterre)
FANTASÍA NÚMERO 9, A 4 PARTES (Purcell)
CHACONA (Bellinzani)
VIVACE DE LA SINFONÍA EN MI MENOR (Roman)
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Las Capillas de Música eran los centros neurálgicos de la producción musical española durante los siglos XVI al XVIII. Los mejores compositores e intérpretes eran habilmente reclutados por la iglesia, para aumentar la gloria divina y la gloria de catedrales, cabildos, obispos y prelados.
En este episodio planteo algunas cuestiones fundamentales en torno a los ensambles vocales e instrumentales de las catedrales, iglesias y conventos del Renacimiento al Clasicismo: ¿Quiénes formaban parte de las capillas de música? ¿Cuándo tenían obligación de tocar y cantar, y qué repertorio hacían? ¿Cómo se elegía al director musical de esos conjuntos?
En este episodio hago mención a mi blog de Maestros de Capilla de las colonias españolas en América. Pueden consultarlo en este link: https://maestrosdecapilla.blogspot.com
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Hoy exploramos una de las cumbres de la música sacra: La Pasión según San Mateo de Johann Sebastian Bach. Una obra maestra donde el dolor y la trascendencia se entrelazan a través de corales conmovedores, arias de desgarrada belleza y recitativos que narran el drama más profundo de la fe cristiana. Bach eleva el texto bíblico a una experiencia sonora que sigue resonando siglos después. Descubramos juntos esta obra, su estructura monumental y la emoción atemporal de esta creación monumental.
Si querés escuchar la playlist asociada a este episodio, podés hacer click en este enlace:
https://open.spotify.com/playlist/7epkEZOPUkeetL9F4uh9p0?si=sriJgnjDT26jIW2-56Jp3A&pi=JKfiAmuZQSCf0
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La colección Tafelmusik fue publicada por Georg Philipp Telemann en 1733. La obra combina la elegancia del barroco con el espíritu festivo de un banquete y fue diseñada como música para acompañar reuniones y cenas. Esta colección es un despliegue virtuoso de sonatas, conciertos y suites que alimenta el alma tanto como la sobremesa.
En este capítulo descubriremos cómo esta música trascendió las mesas del siglo XVIII para convertirse en un clásico imprescindible.
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En este episodio escuchamos las siguientes obras, todas de la coleccion Tafelmusik de Telemann:
- ALLEGRO DEL CONCIERTO PARA TRES VIOLINES, DE LA
- PRIMER MOVIMIENTO DE LA SONATA PARA OBOE EN SOL MENOR
- SEGUNDO MOVIMIENTO DEL CUARTETO DE LA SEGUNDA SUITE
- FINAL DE LA TERCERA PARTE (ÚLTIMO NÚMERO DE LA TAFELMUSIK)
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Bienvenidos y bienvenidas a un nuevo episodio de Disfrutar MÁS de la Música Antigua. Hoy exploraremos la idea de la música como un oficio, una labor que se construyó con manos, con oídos y con tiempo. Hoy nos adentramos en un tema fascinante: la evolución del concepto de artista a lo largo de la historia, y cómo esta idea ha transformado nuestra manera de entender y valorar la música. Desde los talleres renacentistas hasta los grandes escenarios contemporáneos, descubriremos que la música, antes que un producto de genios iluminados, fue durante siglos el resultado de un trabajo artesanal, meticuloso y profundamente humano.
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En este episodio escuchamos las siguientes obras:
CHI TEMEA GIOVE REGNANTE (Leonardo Vinci)
GLORIA (Anónimo, basado en un manuscritio de la Biblioteca Estense de Módena)
INICIO DE LA SUITE PARA CELLO Nro.2 (Johann Sebastian Bach)
PRAISE THE LORD WITH CHEERFUL NOISE (Georg Friedrich Handel)
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La capilla de música de San Marcos, la Cappella Marciana, era la institución musical más floreciente del barroco veneciano. San Marcos operaba como capilla del palacio ducal, y todo el lujo, el boato y la superficialidad veneciana se mostraban en su música.
Cavalli, Legrenzi, Biffi y Lotti son los grandes personajes de este episodio: músicos poderosísimos que ganaban mucho dinero por dar fasto a las ceremonias cívico-religiosas de la Repubblica di Venezia.
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Chiara Margarita Cozzolani fue una monja compositora tan talentosa que ni los (¿gruesos?) muros de un convento pudieron contenerlo.
Con melodías que mezclaban lo divino y lo terrenal, Cozzolani desafió las normas de su tiempo para crear música que emocionaba y sorprendía a todos los que la escuchaban. En este episodio, desentrañaremos la vida de esta superstar olvidada, y vamos a descubir cómo una mujer en la sombra logró brillar con luz propia a través de sus partituras.
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En este episodio escuchamos las siguientes obras, de Chiara Margarita Cozzolani:
DIXIT DOMINUS
LAUDATE PUERI
LAETATUS SUM
NISI DOMINUS
MAGNIFICAT PRIMO
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En este capítulo del podcast, exploramos la música profana de Marc-Antoine Charpentier, un compositor barroco francés cuya obra abarcó tanto lo sagrado como lo secular. Aunque Charpentier es más conocido por sus composiciones religiosas, como el famoso "Te Deum", su música profana revela una faceta igualmente fascinante y diversa. A través de piezas como óperas, cantatas y música instrumental, Charpentier demostró su habilidad para combinar la elegancia francesa con influencias italianas. Este episodio analiza algunas de sus piezas más destacadas, contextualizando su creación, fuera de la corte de Luis XIV y destacando cómo su música profana contribuyó a enriquecer el panorama musical del siglo XVII.
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En este episodio escuchamos las siguientes obras, de Marc Antoine Charpentier:
OBERTURA y FRAGMENTO DE LA PINTURA DE “LES ARTS FLORISSANTS”
MON COEUR AUTRE FOIS INTREPIDE y PRIMER CORO DE “ACTEON”
CONCERT POUR QUATRE PARTIES DE VIOLES
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