Episoder
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A las 11 de la noche del 2 de octubre de 1985, al final de una aventura de cuatro noches en el Memorial Coliseum de Los Ángeles, Bruce Springsteen dio por terminada una de las giras de rock más rentables de la década.
Con una duración de 15 meses, 156 conciertos y 14 países visitados, terminaba la gira Born in the USA, que se presentó ante más de 5,3 millones de personas en arenas y estadios en los que no quedó ni una sola entrada sin vender.
Con una recaudación 80 millones de dólares (o 235 millones de dólares si se ajusta por la inflación a día de hoy), fue el circo ambulante más rentable de su época.
Sin embargo, a diferencia de los artistas reinantes de la época, el hijo de New Jersey de 36 años no era una estrella del pop por naturaleza. Más bien era un rockero. Incluso con su configuración de color al máximo, parecía extraño comparado con el brillante materialismo de los años ochenta.
Respaldado por la gran E Street Band, en el escenario de Los Ángeles, Springsteen habló en nombre de las organizaciones de ayuda que trabajan para los desempleados y de los peligros de los negocios en manos gubernamentales en Centroamérica.
Igualmente, algunos de sus mayores éxitos fueron por un lado completamente diferente, yendo hacia lo más profundamente personal.
“Por la noche, me despierto con las sábanas empapadas y un tren de carga pasando por medio de mi cabeza”, cantó en “I’m On Fire”, uno de los muchos singles extraídos del álbum Born in the USA.
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Tal como algunos lo siguen haciendo ahora, allá por 1985, la clase trabajadora consideraba a Bruce Springsteen como su representante en la canción. “El Jefe significa Estados Unidos”, dijo un asistente al Coliseum al periódico Los Angeles Times.
“Él no representa a los ricos ni a los lindos, ni a [Los Ángeles] ni a New York, sino a las otras personas, la gente común, la gente intermedia. Cuando canta, canta sobre el amor, Estados Unidos y el trabajo. Cuando está en el escenario, está ahí para todos, incluso para la gente de la última fila. Él no es condescendiente. Soy barman y él es el tipo de persona con el que puedes sentarte y tomar una cerveza”.
Nacer en Estados Unidos, mientras tanto, también ofrecía una posibilidad de esperanza.
“Me quitaré el mundo de encima”, prometió el narrador del exitoso sencillo inicial Dancing In The Dark.
Al entrar en el ritmo de la época, la canción estuvo acompañada de un video musical transmitido por MTV con el tipo de ubicuidad normalmente reservado para Madonna. Dirigido por Brian De Palma, el clip del concierto termina con Springsteen en el escenario bailando con una joven Courtney Cox.
Como si confirmara sus credenciales convencionales, Alfonso Ribeiro reveló más tarde que los movimientos de Cox sirvieron de inspiración para el baile de “Carlton", amado por su personaje en El príncipe de Bel-Air.
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Sin embargo, el punto de partida de todo esto estaba muy alejado de los directores de cine de Hollywood y las comedias de risas enlatadas. En 1981, mientras Bruce Springsteen estaba reuniendo el material para Nebraska, escribió siete canciones más que formarían la columna vertebral de su sucesor de alto perfil.
Los oyentes que puedan haber sido engañados por los videos musicales de las estrellas del pop o la foto de colores brillantes de Annie Leibovitz en la portada del álbum, podrían tener en cuenta que al menos una de estas composiciones confirmaría que las diferencias entre los dos LP eran más de presentación que sustantivas.
Con los pies sobre la mesa de café en su casa en Colts Neck, New Jersey, el proceso comenzó con Springsteen reflexionando sobre un trabajo en progreso inspirado en parte por un guión que le envió el escritor Paul Schrader. Escogiendo acordes de su guitarra acústica Gibson J200, luego giró la cabeza hacia unas cuantas líneas garabateadas en un cuaderno sobre la difícil situación de los veteranos que regresaban de la guerra de Vietnam. El título fue tomado del guión que tiene a su lado.
Se llamó Nacido en Estados Unidos.
Como escribiría más tarde en su autobiografía, Born To Run, de 2016, “Born in the USA sigue siendo una de mis mejores y más incomprendidas piezas musicales.”
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En una estrategia de marketing de la que fue pionera Thriller de Michael Jackson, el impulso del álbum se mantuvo gracias a un flujo constante de sencillos y vídeos musicales. Al lanzar la friolera de siete sencillos (Dancing In The Dark, I'm On Fire, Born in the USA, My Hometown, Glory Days, I'm Goin' Down y Cover Me), Columbia Records evidentemente no estuvo de acuerdo con la valoración del artista y de su manager, Jon Landau, de que el LP no debería generar más de dos singles
Desde el punto de vista comercial, los ejecutivos tuvieron razón, cada una de las siete canciones llegó al top 10 de Estados Unidos.
"Bruce Springsteen ha ampliado su antiguo culto de seguidores a proporciones inmensas", escribió Philip Elwood en un artículo para el San Francisco Examiner publicado en el otoño de 1984.
"[El promotor de conciertos] Bill Graham... me dijo esta semana que 'ofreció a la gente de Springsteen seis noches con entradas agotadas en el Área de la Bahía, algo que él nunca había hecho antes”.
En cambio, 150.000 personas solicitaron las 27.000 entradas disponibles para un par de fechas en el Oakland Coliseum Arena.
Cuando la gira Born In The U.S.A regresó al norte de California, en setiembre del año siguiente, The Boss actuó ante más de 100.000 personas con entradas agotadas durante dos noches en el estadio Oakland-Alameda County Coliseum, justo al lado.
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Cuatro años más tarde, en su reseña de la gira, el crítico Richard Williams señaló cómo “el miércoles por la noche, en la inmensidad del estadio de Wembley, [Springsteen] eligió un raro momento de calma hacia el final de su concierto de tres horas para recordar a los 72.000 asistentes de la importancia que concede a esa relación histórica [con Londres]. Fue una de varias señales de que, a pesar de su nuevo estatus como la sensación pop favorita, continúa respondiendo principalmente al susurro de su conciencia”.
Con el tiempo (de hecho, bastante rápido), estos susurros alejarían a Bruce Springsteen de la luz cegadora del estrellato pop. Seguiría siendo una megaestrella, por supuesto, pero se había divertido. En la etapa estadounidense de la gira de promoción del álbum Tunnel Of Love, de 1988, tocó en estadios en fechas que a veces se anunciaban con sólo unos días de antelación. Después de disolver la E Street Band, la antigua banda reunida en 1999, llegó incluso a reflexionar sobre su condición de “hombre rico con camisa de pobre”.
Sin embargo, la cuestión era que no se podía negar la autenticidad de todo aquello.
En ningún momento de los últimos 40 años ha publicado una canción que suene como si hubiera sido escrita por un millonario.
En realidad, es todo un truco, considerando el alcance de su fortuna.
Al final de su gira Born in the U.S.A., por primera vez en su vida, Springsteen se reunió con su contador.
“Le daría la mano a un tal Gerald Breslauer”, escribe en sus memorias, “que me diría que me había ganado una cifra que en aquel momento me pareció tan escandalosa que tuve que prohibirla en mi pensamiento... No podía contextualizarlo de alguna manera significativa. Entonces no lo hice. Mi primer lujo como ícono del rock exitoso sería el lujo de no pensar en mis lujos, de ignorarlos por completo.
Funcionó para mí”. -
Siendo un auténtico álbum debut, sólo precedido por dos singles, Dummy tuvo un gran impacto.
Para un trío de Bristol que recién comenzaba como banda, Portishead logró algo milagroso.
La voz única de Beth Gibbons es convincente y delicada, con un tono perfecto a pesar de apenas tener experiencia real en el canto antes de grabar el álbum ganador del Premio Mercury.
Los riffs de guitarra de Adrian Utley se fusionan con la producción pesimista y con muchos samples y capas de sonido de Geoff Barrow.
Cada arreglo es único pero de alguna manera es un complemento perfecto para los demás.
Surgiendo de la escena musical de Bristol a principios de los 90, el improbable trío creó un sonido arraigado en un collage de álbumes subestimados, encontrando una nueva vida a través de este estilo incipiente. Dicho eso, la historia no ha sido amable con el trip hop. El legado del álbum como música omnipresente de cafetería no le hace ningún favor al bajo influenciado por el dub que hace temblar la habitación en temas como “Strangers” o “Wandering Star”.
Una banda cuyo mal humor se habría sentido como en casa con Joy Division o Cocteau Twins, su desesperación ha sido durante mucho tiempo malinterpretada como música de fondo.
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La producción del álbum utiliza una serie de técnicas de hip hop, como samples, scratching y creación de loops (es decir, bucles musicales).
El álbum no fue grabado digitalmente, si bien tomaron muestras de música de otros discos, pero también grabaron su propia música original, que luego se grabó en discos de vinilo antes de manipularlos en platinas para samplearlos.
Para crear un sonido vintage, Barrow dijo que desgastaron los discos de vinilo que habían grabado "colocándolos en el piso del estudio, caminando sobre ellos y usándolos como patinetas", y también grabaron el sonido a través de un amplificador roto.
Para la canción "Sour Times", el álbum usa "The Danube Incident" de Lalo Schifrin y "Spin It Jig" de Smokey Brooks; para "Strangers", "Elegant People" de Weather Report; para "Wandering Star", "Magic Mountain" de War; para "Biscuit", "I'll Never Fall in Love Again" de Johnnie Ray; y para "Glory Box", "Ike's Rap II" de Isaac Hayes.
Dummy se lanzó en agosto de 1994 y ayudó a cimentar la reputación de Bristol como la capital mundial del trip hop, un género incipiente al que a menudo se hacía referencia simplemente como "el sonido de Bristol".
La portada del álbum es una imagen de la vocalista Beth Gibbons tomada de To Kill a Dead Man, el cortometraje que creó el grupo, cuya banda sonora compuesta por ella misma le valió a la Portishead su contrato discográfico.
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El contraste del que hablábamos, la banda sonora sexy contra la poesía solitaria, siempre está en juego en Dummy.
Es un álbum que se disfruta tanto que las letras sombrías y opacas a menudo se pasan por alto.
La apasionante emoción de su sonido parece anular sentimientos como: "¿Quién soy yo, qué y por qué / Porque todo lo que me queda son mis recuerdos de ayer / Oh, estos tiempos amargos".
“Sour Times” tiene un gancho enorme, que la mayoría de nosotros sin darnos cuenta, usaríamos sin dudar para "crear el ambiente" en una determinada situación.
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Si bien Dummy es un álbum electrónico mezclado por expertos en la materia, Barrow es mucho más un discípulo del hip-hop que de la próspera escena rave británica de 1994.
“Wandering Star” tiene los golpes sombríos y pesados del bajo y el scratching distintivo de los raperos minimalistas de los 80, como Eric B. y Rakim, pero con el melodioso arrullo de Gibbons que te canta "la oscuridad, la negrura, para siempre".
“Numb” es otra oda a la desesperanza, ambientada en escasos ritmos de hip-hop. Gibbons se lamenta, “pero esta soledad / simplemente no me dejará en paz ”, un sentimiento que generalmente se encuentra a kilómetros de distancia de las voces características interpretadas en temas de este estilo.
Y gracias a Beth por eso.
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“Glory Box”, el tema final de Dummy se ha convertido en una de las reliquias más reconocibles del apogeo del trip hop. Utilizada en varias películas, programas de televisión y comerciales, la canción captura perfectamente la compleja alquimia del trío. Los riffs retorcidos de Utley crean una tensión perfecta con los gruñidos y ronroneos de Gibbons, todo lo cual es arrebatado sin previo aviso, dejando al oyente con un loop de batería espeluznante y contundente.
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Incluso antes de que los programadores musicales de Hollywood tuvieran en sus manos al álbum Dummy, Portishead tenía una sentimiento cinematográfico.
El álbum abre con “Mysterons”, una canción alucinante que parece sacada directamente del set de una película de ciencia ficción de los años 60.
Por otro lado, el espeluznante sample de “Biscuit”, una repetición de la inquietante amenaza, “Nunca volveré a enamorarme”, tiene el sonido ralentizado de un monstruo de una película de terror.
Mientras Dummy se presta al cine, Portishead había creado su propio drama desde el principio.
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El álbum recibió elogios de la crítica y ganó el Mercury Music Prize de 1995.
A menudo se le atribuye la popularización del género trip hop y se le cita con frecuencia en las listas de los mejores álbumes de la década de 1990.
Dummy obtuvo la certificación como triple platino en el Reino Unido en febrero de 2019 y había vendido 920.000 copias en el país hasta septiembre de 2020.
En todo el mundo, el álbum había vendido 3,6 millones de copias en 2008, fecha de su última certificación.
Un álbum que definitivamente forma parte del canon del trip hop, Dummy es una expresión casi perfecta de un género de corta duración, con pocos grupos que hayan tenido el mismo impacto que Portishead.
Elogiada hasta el hartazgo por la crítica y exitosa comercialmente, la banda lanzó dos álbumes de estudio más, Portishead (1997) y Third (2008), en el transcurso de los 15 años siguientes.
Su sonido se ha mantenido consistente con el género que ayudaron a crear, pero de alguna manera sigue siendo relevante y fresco. Y aunque las partes son excepcionales por derecho propio, la suma es incluso mayor en este caso, y Dummy es el resultado de esta ecuación perfectamente equilibrada.
De esta forma, nos vamos yendo de este episodio.
Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo.
Esto fue Dummy, de Portishead, en Punto Muerto.
Nos despedimos con la excepcional “Roads”. -
Manglende episoder?
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En algún momento de los primeros meses del año 1990, salí caminando de casa hasta una disquería (El Palacio de la Música de 18 y Paraguay), sabiendo que quería cassettes de dos artistas: Guns N' Roses y Aerosmith. No tenía ningún detalle más allá de eso. Simplemente sabía que disfrutaba de Guns N' Roses, que escuchaba en mi walkman durante el recorrido (más precisamente el Appetite For Destruction) y sabía por entrevistas que Guns N' Roses amaba a Aerosmith.
Fui a la zona donde Appetite for Destruction todavía tenía un hogar, a pesar de que había estado disponible ya por años, y ya tenía su segundo álbum Lies.
Luego fui al sector de la letra A, donde vi el álbum Pump, con su portada mostrando un camión montado en la parte trasera de un camión más grande. No entendía las imágenes sexuales (y todavía no lo entiendo), pero en ese momento había escuchado y me había gustado "Love in an Elevator", así que tomé el cassette, sin molestarme en profundizar más en el catálogo de Aerosmith.
Pasé los siguientes cuatro años escuchando ambos álbumes yendo y viniendo del liceo.
Ése es el legado de Pump: su estatus como uno de los grandes álbumes de hard rock de los años 1980 y 1990.
Seguro que Guns N' Roses fueron influenciados por Aerosmith. Abrieron para Aerosmith en la gira Permanent Vacation (1987) y compartieron sello discográfico (Geffen), pero Aerosmith también estaba prestando atención a Guns N' Roses y a la industria musical en su conjunto.
Sabían que la supervivencia a largo plazo requería una actualización de su sonido que ya estaba funcionando en otras partes.
El sonido funciona porque Aerosmith, en esencia, se estaba influenciando a sí mismo.
La calidad de Pump es sorprendente.
Ellos estaban bastante avanzados en su carrera y no muchas bandas obtienen un segundo aire como Pump.
E incluso si contamos el renacimiento de la banda con el regreso de los guitarristas Joe Perry y Brad Whitford en 1984, Pump todavía está en lo más profundo de su catálogo. No fue un álbum de regreso. Era más bien una declaración de “todavía estamos juntos”.
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Aerosmith se descarriló en 1979, cuando el guitarrista principal Joe Perry dejó la banda. Whitford se fue un par de años después, dejando al grupo a la deriva. Ambos regresaron a la banda a mediados de los 80 para algunos álbumes en vivo y el disco Done with Mirrors (1985). Todos se pusieron sobrios y la banda hizo Permanent Vacation, lo que se consideró su gran regreso.
El álbum fue un éxito y dio lugar a Pump, uno de sus álbumes más vendidos.
También se habla mucho de cómo el renacimiento de Aerosmith los implicó trabajar con compositores externos.
Y Pump tiene algunas canciones geniales, pero no es lo único que lo convierte en un álbum tan sorprendente.
La energía del disco es igualmente importante. La voz del cantante Steven Tyler es positiva y maravillosamente irregular.
Tyler puede ser un líder frustrante. Es un cantante de rock más que capaz, pero entre sus bufandas, sus trajes ceñidos y su patológico complejo de Mick Jagger, puede degenerar fácilmente en la sátira.
Sin embargo, en Pump está tan sobrio y concentrado como puede hacerlo, cantando con desesperación, como si estuviera tratando de ganarse a una multitud hostil en un bar pequeño.
La banda parece seguir el ejemplo de Tyler, manteniendo su cabeza colectiva gacha y repasando las canciones con fuego interno.
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El álbum comienza con "Young Lust", coescrita por Tyler y Perry con el compositor externo Jim Vallance, está impulsada por un ritmo de batería maníaco de Joey Kramer y la voz de Tyler, que canta con gritos melódicos espectaculares. Hay toques de guitarra slide y armónica, pero esta pista de blues es implacablemente agresiva, como un automóvil sin frenos que se precipita cuesta abajo por una colina empinada. Esto indica inmediatamente que este no es el mismo Aerosmith que se recuerda en las cintas de ocho pistas.
Ahí es donde Pump se me vuelve interesante. Porque yo no tenía ningún conocimiento real de Aerosmith antes de Pump.
Claro, conocía los hits de la radio, pero aparte de eso, eran un lienzo en blanco para mi.
Pump fue un esfuerzo contemporáneo en ese momento de una banda de rock clásico. El sonido ciertamente ayudó, pero el otro ingrediente clave para arraigar a Pump en ese presente fueron sus videos. Aerosmith era una banda con visión de futuro que entendía la importancia de MTV y los videos, sobre todo después de que su clip de "Walk This Way" con Run-DMC se volviera lo que ahora llamaríamos viral.
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"Janie's Got a Gun" fue el gran vídeo de Pump. Era una canción extraña y atípica de Aerosmith que era todo bajo, cuerdas y estribillos grandilocuentes, y que no tenía mucho riff de guitarra. Sin embargo, el vídeo, dirigido por el eventual cineasta David Fincher, un críptico procedimiento policial fuertemente puntuado con la banda tocando desde un búnker subterráneo, encendió MTV.
Al mismo tiempo, el sketch de "Wayne's World" de Saturday Night Live estaba obsesionado con la banda, con "Love in an Elevator" de Pump apareciendo en los sketches y Aerosmith finalmente apareciendo en una parodia.
Un clásico instantáneo que, a diferencia de "Janie", suena puro Aerosmith, desde la guitarra imparable hasta las letras lascivas.
La banda añadió algunos vientos, un movimiento inusual para ellos, que sólo tocó ligeramente la melodía, pero no lo suficiente como para arruinarla.
La canción es muy pegadiza y la voz de Tyler tiene una forma poco común, ya que su voz ronca parece absorber casi todo el oxígeno de la grabación. Esa canción es la de un gran líder del rock and roll cumpliendo su destino final.
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Como ocurre con todos y cada uno de los álbumes de Aerosmith, Pump también incluyó baladas.
"What It Takes" me fascina porque suena como si hubiera un acordeón (nada menos que de manera prominente), pero no se menciona en los créditos del álbum. De hecho, al propio Tyler se le atribuyen los teclados.
Pero siempre me pregunté:
¿Eso incluye acordeón? ¿Por qué no se menciona? ¿O no es acordeón? Pero entonces, ¿qué es? Es uno de los grandes misterios que probablemente algún día se explorará exhaustivamente en otro podcast más entendido en la materia.
Sin embargo, hasta que llegue ese día, podremos disfrutar de Pump tal como está.
No hay mayor significado para el álbum. No tiene un significado particular para la banda más allá de sus fuertes ventas.
Es simplemente un gran álbum de rock de una banda que ajustó su rumbo en el momento justo.
En los días previos a Spotify y YouTube, comprar un nuevo álbum era un verdadero acto de fe.
Probablemente conocías los sencillos, pero todo lo demás era, como el acordeón "What It Takes", un misterio.
Pump y Aerosmith recompensaron mi fe, y he tratado de devolverla lo mejor que puedo, principalmente haciendo el sacrificio de ver Armageddon. -
Lanzado hace 40 años, Stop Making Sense de Talking Heads es uno de los mejores álbumes en vivo de todos los tiempos.
Por otro lado, también es la banda sonora de una película del mismo nombre, lo que la convierte en una de las mejores bandas sonoras de una de las mejores películas de conciertos de la historia.
Lo que significa que me enfrento al desafío de rendir un homenaje adecuado al álbum en sí, que es lo que hacemos aquí en Punto Muerto, en lugar de quedar atrapado y convertir esto en un homenaje solamente a la película.
Lo que hace esto aún más difícil es que la banda sonora y la película están lógicamente fuertemente vinculadas. Entonces, si bien voy a tratar de concentrarme en celebrar la calidad increíble y atemporal del álbum Stop Making Sense, me disculparán si dedico algo de tiempo a hablar sobre la calidad increíble y eterna de la película Stop Making Sense.
Los Talking Heads fueron realmente impresionantes y atemporales.
Etiquetados como una banda New Wave o Art Rock, se unieron mientras asistían a la Escuela de Diseño de Rhode Islan.
Compuesto por David Byrne (voz principal y guitarra), Tina Weymouth (bajo), Chris Frantz (batería) y Jerry Harrison (teclados y guitarra), el grupo comenzó a lanzar álbumes a finales de los años 1970.
A mediados de la década de 1980, habían obtenido una buena cantidad de éxito y reconocimiento, y pudieron realizar una gira por los EEUU muy innovadora.
Años antes de que la gente comenzara a describir las conciertos como “experiencias multimedia”, Talking Heads estaba a la vanguardia cuando se trataba de montar un espectáculo complejo que presentaba muchas partes móviles, además del grupo que tocaba muy buena música.
La discusión sobre la banda sonora de Stop Making Sense también es un poco complicada porque hay varias versiones del álbum. Y no todas las versiones fueron creadas de la misma forma.
La primera versión disponible comercialmente no dio del todo en el blanco: tiene solo ocho canciones, presenta versiones editadas/acortadas y está secuenciada fuera de orden.
El último de esos tres errores es especialmente atroz, considerando que el espectáculo escénico está estructurado de manera meticulosa; por lo que saltearse el orden natural frustra el propósito.
Afortunadamente, el álbum fue reeditado en 1999, con las canciones en el orden correcto tal como aparecen en la película, lo que lo convierte esencialmente en una versión en audio de la misma.
Este tributo refleja esencialmente esa versión de la banda sonora, que se reeditó nuevamente en 2023, para celebrar 40 aniversario y la restauración de la película.
Todas las canciones están remasterizadas y el álbum incluye dos temas que no aparecieron en la versión teatral de la película.
La película Stop Making Sense se centra únicamente en la actuación de Talking Heads en el escenario.
El director Jonathan Demme filmó cuatro de los shows del grupo en diciembre en el Hollywood Pantages Theatre y mantuvo toda la acción en el escenario.
No hay imágenes de entrevistas con el grupo ni de nadie más.
De hecho, apenas hay tomas del público.
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Talking Heads estaban de gira para promocionar su álbum Speaking in Tongues (1983), lanzado apenas seis meses antes.
Esto se refleja en el setlist del show, que incluye dos tercios del álbum.
Speaking in Tongues fue el lanzamiento más exitoso y de mayor acceso comercial del grupo, ampliando su atractivo para la generación MTV.
Los Talking Heads son conocidos por su estilo musical ecléctico que se basa en una amplia variedad de géneros, pero a lo largo de Stop Making Sense se apegan principalmente a su material más influenciado por el rock y el soul/funk. Suena muy bien, ya que dan nueva vida tanto a los temas establecidos como a los nuevos (en ese momento, claro está).
Junto con la formación principal, el grupo incorporó varios colaboradores dentro de las sesiones de grabación de Speaking In Tongues para la gira. El más destacado de ellos es Bernie Worrell, el mago del teclado que hizo su leyenda con Parliament-Funkadelic.
Alex Weir, un guitarrista y músico de sesión que frecuentemente grababa con los Brothers Johnson, también es parte integral del espectáculo, al igual que el talentoso percusionista Steve Scales.
Lynn Mabry y Edna Holt, quienes acompañaron a la banda a partir de esta gira, añaden sus potentes voces como coristas.
El álbum/película comienza con Byrne solo en un escenario desnudo, tocando una versión extremadamente minimalista de “Psycho Killer”, en la que solo él toca la guitarra acústica y una pista de batería tocada a través de un boombox (un radio grabador de aquella época) colocado a su lado, si bien los sonidos en realidad emanan de una máquina de ritmos a través de la mesa de mezclas del lugar.
De ahí surge el resto del grupo, con Weymouth uniéndose a Byrne para interpretar una versión exquisita de “Heaven” a dúo.
Franz y Harrison (a la guitarra) emergen para interpretar “Thank You For Sending Me An Angel”, y a medida que avanzan estas canciones, el equipo de escenario va armando gradualmente el mismo.
Así llega “Slippery People” que es uno de los primeros momentos destacados.
Harrison en teclados y Scales en percusión dan su mejor exhibición del concierto, demostrando ser un anclaje sólido para el grupo.
Mientras tanto, la banda se mueve con precisión, alimentándose de la respuesta del público.
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Las cosas van avanzando hasta que todo el grupo está en el escenario, lo que lleva a una interpretación atronadora de "Burning Down the House".
La canción es y fue el sencillo más exitoso del grupo, y personalmente prefiero esta versión en vivo a la que aparece en Speaking in Tongues. Mucho de eso tiene que ver con Worrell, cuyo trabajo en los teclados solo aumenta la atmósfera siniestra y la vibra severamente funky de la pista. La energía del grupo sale de los parlantes (y fuera de la pantalla), cautivando a la audiencia.
A veces, el aspecto visual contribuye mucho a la actuación. Escuchar la presentación en vivo de “Swamp” es bueno, pero se ve reforzado al ver a Byrne levantarse de una de las gradas como un zombi reanimado, tambaleándose por el escenario mientras está bañado en luz roja.
El grupo hace una interpretación sencilla de “This Must Be the Place”, una de las mejores y más hermosas canciones que jamás hayan grabado.
En la película, se traduce aún mejor, ya que Byrne ofrece esencialmente su actuación más perfecta del espectáculo, hasta el gran final, donde baila con una lámpara que sirve como una de las únicas fuentes de iluminación del escenario.
Las imágenes de la película son sin duda parte de por qué las interpretaciones de la banda de “Life During Wartime” y “Girlfriend Is Better” son tan apreciadas.
En “Life During Wartime”, Byrne se convierte en un desastre sudoroso, primero a través de sus maniobras de baile elásticas y luego corriendo en círculos alrededor del escenario mientras la banda alcanza su crescendo.
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“Girlfriend Is Better” proporciona a la película sus imágenes más icónicas, mientras Byrne retoza con un traje cómicamente grande.
En una entrevista con la revista Time, reveló que el traje estaba parcialmente inspirado en las representaciones de teatro Noh a las que asistió en Japón.
La versión de “Girlfriend Is Better” en la banda sonora también es superior a la versión del álbum, principalmente debido a Worrell.
Reduce esa especie de disonancia que estuvo presente en sus contribuciones a la canción en Speaking in Tongues, sonando más concentrado y metódico, si se quiere.
La interpretación de la banda de “Once in a Lifetime” también es memorable y sirvió como sencillo para promocionar el lanzamiento de la película y la banda sonora.
En la película, la cámara se enfoca principalmente en Byrne, centrándose en él durante una toma de más de cuatro minutos y medio mientras gesticula salvajemente, se mueve y se da una palmada en la frente. Worrell, Harrison y Weir brillan, pero Byrne, Mabry y Holt son la fuerza impulsora.
Todos dan su mejor interpretación vocal del álbum, imbuyendo a la canción de una sensación vertiginosa y de otro mundo.
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Stop Making Sense fue lanzado en setiembre de 1984 y presenta nueve pistas de la película, aunque con un tratamiento y edición especiales para el disco.
El álbum pasó más de dos años en la lista Billboard 200 y fue su primer álbum distribuido por EMI fuera de Norteamérica.
El álbum ocupó el puesto 345 en la lista de la revista Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
En el año 2000, fue votado en el puesto 394 en los 1000 mejores álbumes de todos los tiempos de Colin Larkin.
En 2012, Slant Magazine incluyó el álbum en el puesto 61 de su lista de "Mejores álbumes de la década de 1980".
La reedición por el cuarenta aniversario del álbum de 2023 incluye algunas canciones que no habían aparecido en ninguna versión de la banda sonora y solo en la versión LaserDisc de la película.
La primera de ellas es una interpretación sencilla de “Cities”, que es técnicamente la primera canción que presenta a todos los miembros de la banda extendida juntos en el escenario por primera vez.
Hacia el final del set/álbum también hay un mini popurrí de “Big Business” y “I Zimbra”.
Como conclusión, Stop Making Sense fue el punto culminante de Talking Heads. El grupo lanzó algunos álbumes más, tuvo algunas canciones de gran éxito y realizó algunas giras más. Dicho eso, todo salió perfecto para esta gira, álbum en vivo y película. Muchos han dicho que Talking Heads eventualmente se convirtió en una especie de campo de prueba para las ideas de Byrne, hasta que finalmente dejó la banda para dedicarse a ser solista.
En todo caso, Stop Making Sense demostró lo potentes que podían ser mientras trabajaban como una unidad de alto poder creativo, dejando a la audiencia gritando por más.
De esta forma, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo de este episodio.
Espero lo hayan disfrutado tanto como yo.
Esto fue Stop Making Sense, de los Talking Heads, en Punto Muerto. -
Los Redondos tocan el 22 de abril en Uruguay
Encontrar lugares para tocar viene siendo un problema para los Redonditos de Ricota. A una semana de que Poli anunciara que tocarían el 3 y 4 de mayo en River "si la comuna porteña lo autoriza", la manager confirmó a Clarín que Patricio Rey decidió cruzar el Río de la Plata. "Ya está abrochado. El recital se hace el domingo 22 de abril en el estadio Centenario de Montevideo. Es una alegría para nosotros. Nos encanta Uruguay y, además, Momo Sampler está inspirado en los carnavales y en la murga uruguaya", dijo Poli.
El escenario estará dispuesto frente a la tribuna Olímpica del estadio, lo que reducirá su capacidad de más de 50.000 espectadores a 20.000. El miércoles 18 hay una fecha de fútbol uruguayo: esa misma noche, apenas terminado el partido, se comenzará a armar el escenario de 32 metros de ancho.
Poli encuentra una ventaja extra para este recital, que tiene que ver con la seguridad. "El tema de tener que salir del país implica que los menores viajen con autorización de los padres y que todos deban mostrar documentos. Creo que va a ser un control interesante: va a desalentar a esa gente que tiene intenciones violentas y no de escuchar en paz un recital de rock and roll". La organización del megaevento corresponde a Radio El Espectador, una emisora que siempre tuvo buenas relaciones con la banda. Los Redondos ya habían actuado en Montevideo en 1991 (en el estadio Peñarol) y en 1992 (en el Teatro de Verano y en el bar de jazz La Esquina). Tienen allí una legión de seguidores que no es masiva pero sí fanática.
La masividad seguramente será aportada desde este lado del charco. El lunes se ponen en venta las entradas en la disquería Suite (Cabildo 1917) y en el sitio de internet www.forolatino.com.
Nota del diario argentino Clarín anunciando el show de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota del 22 de Abril del 2001.
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20 años de 'Momo sampler': cómo fue la presentación del último disco de los Redondos en Uruguay
Una nota de Claudio Kleiman para el diario argentino La Nación.
Sería el principio del fin, pero en ese momento nadie lo sabía. Lo que sí está claro, y más aún con la perspectiva de los 20 años transcurridos, es que Momo sampler representaba una divisoria de aguas. Si bien en ese momento no podía saberse si el disco era una "actualización doctrinaria" del sonido y la estética redonda de cara al nuevo siglo o el cierre de una etapa, hay en sus canciones cierto aire crepuscular. Y esto iba a quedar de manifiesto durante los shows con los que la banda estrenó el disco, en el estadio Centenario de Montevideo, Uruguay, el 22 y 23 de abril de 2001.
Los himnos triunfales de banderas al viento y baile colectivo quedan delimitados a los comienzos (de la primera y la segunda parte), el final y los bises, cuando emergen los clásicos y las huestes dan rienda suelta a los cánticos. En los demás, predomina cierto tono oscuro, ominoso, que el público absorbe con respeto, curiosidad, e incluso entusiasmo, pero sin festividad. Aunque por entonces las cosas no estaban tan claras, y lo que primaba era el júbilo por la celebración de una nueva "misa ricotera".
La banda estaba orgullosa de mostrar un flamante trabajo, y lo hacía saber con la audacia que los caracterizaba: interpretando el disco en su totalidad (¡11 canciones!), un gesto inusual para un show de estadios.
El folclore ricotero estuvo presente en toda su magnitud. Las bandas llegaron desde todos los lugares de Argentina y por todos los medios posibles, incluyendo el Buquebús, la lancha a Carmelo con ómnibus posterior, autos particulares, combis y micros fletados especialmente. A esto hay que sumarle la gran cantidad de público local, algunos muy jóvenes, que habían crecido escuchando sobre la leyenda redonda y no se iban a perder la oportunidad de experimentarla en carne y hueso.
Por eso el Indio, cuya relación con Uruguay había ido creciendo durante esos últimos años como lugar en el que se refugiaba frecuentemente, dijo a poco de comenzado el primer concierto: "Esta noche, tratemos de que no haya locales ni visitantes. Como siempre, acá en el recinto somos todos Redondos. Respeten un poco esta ciudad, la gente es muy hospitalaria, por favor, hagamos las cosas bien". El "paisito", sus costumbres y su cultura, se habían metido en la sensibilidad del cantante mucho más allá de lo meramente turístico, hasta inspirar buena parte de la lírica del nuevo trabajo, plena de referencias carnavaleras.
Seguramente ese también fue el motivo que primó en la elección del soporte, diferentes cada noche pero en ambos casos ligados a la percusión del candombe. Tribu Mandril, donde tocaba Nicolás Arnicho, fueron los encargados de abrir el domingo; y el lunes lo hicieron Zevelé, originarios del Barrio Sur.
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Durante el show del domingo, luego de una entrada ceremonial con "El pibe de los astilleros" y "Un ángel para tu soledad", vino una andanada de seis temas del reciente disco, solo interrumpidos por "Estás frito angelito", el único que tocaron del anterior, Último bondi a Finisterre.
Para destacar: la combinación de tracción a sangre, samples y batería electrónica en el dúo percusivo de Walter Sidotti y Hernán Aramberri en "Morta Punto Com", el expansivo solo de saxo de Sergio Dawi en "Pensando como una acelga", y los riff orientales de la guitarra de Skay en "Pool averna y papusa" (uno de los pocos temas de la nueva camada que recuerda la vieja época), y su magistral solo de "Rato Molhado", que cerró la primera parte.
Luego de subirse a la van que los conducía a camarines, ubicados en la otra punta del estadio, el esquema se repitió con pocas variantes cuando retornaron para la segunda mitad. Una apertura rocanrolera e inolvidable con "Vamos las bandas", "Mi perro dinamita" y "Ñam fri frufi fali fru", y luego una seguidilla de cinco temas de Momo sampler, entre ellos "Murga purga", donde se cuela una rítmica murguera filtrada por la sensibilidad redonda. Culminaron ese segmento con "Queso ruso" y nuevos elogios a sus anfitriones. "Bueno, aprovechemos para cantar esto que estamos en un país muy libertario, ¡los yoruguas son buena gente!", insistía Solari para dar paso a aquello de los "muchos marines de los mandarines", que custodian las puertas del nuevo cielo.
La recta final fue puro goce ricotero, con "Preso en mi ciudad"(espectacular vocal del Indio), "Tarea fina" y un momento especialmente emotivo en "Juguetes perdidos", dedicado a Walter Bulacio, cuando hacía poco se había cumplido el décimo aniversario de su muerte. Si bien el cantante dice "¡ya está!" con el fin de "Nueva Roma", todos saben que ese no es el final, que corresponde a un "Ji Ji Ji" con toda la fanfarria desplegada. "Agradecerles es redundante, porque cómo uno puede hacer para soportar el corazón así", decía el Indio, visiblemente conmovido. "Hemos pasado otra noche de puta madre".
El show del lunes 23 fue casi igual (solo hubo un cambio, "Las increíbles andanzas del Capitán Buscapina en Cybersiberia" en lugar de "Estás frito angelito" y algún que otro intercambio en el orden de los temas), con una cantidad algo menor de público. Fueron unos 20.000 el primer día y 15.000 el segundo, que era feriado en Uruguay, pero día laborable en Argentina. Como puede notarse en una grabación de consola del show con muy buena calidad de audio, subida recientemente a YouTube por "Redondos Subtitulados", la banda en esa última época poseía una musicalidad aplastante. Si bien había algunas señales en el aire, nadie se atrevía a pensar en un final tan próximo para semejante exhibición de magia. Ni ellos mismos. Por eso las palabras finales fueron "nos vemos pronto". Un futuro que no llegaría
Así concluía la nota de Claudio Kleiman sobre los ya legendarios shows de los Redondos en Montevideo en 2001.
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¿Cuántas bandas argentinas estrenaron su disco en otro país?
Puede que haya, pero yo no recuerdo ninguna.
Pasaron 22 años de la presentación que Los Redondos hicieron en el estadio Centenario del que sería su último trabajo, Momo Sampler, y este es un registro espectacular de aquellos noches que se recuerdan con cariño.
De esta forma, nos vamos yendo de este episodio.
Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo.
No lo soñé. -
El Zoo TV Tour fue una gira mundial de conciertos de la banda de rock irlandesa U2.
Organizada en apoyo de su álbum de 1991, Achtung Baby, la gira visitó arenas y estadios de 1992 a 1993 y su objetivo era reflejar la nueva dirección musical del grupo en ese disco.
En contraste con las austeras configuraciones escénicas de U2 en giras anteriores, el Zoo TV Tour fue un espectáculo multimedia revolucionario, satirizando la televisión y la sobresaturación de los medios al intentar inculcar una "sobrecarga sensorial" en su audiencia.
Para escapar de su reputación de ser rectos y demasiado serios, U2 adoptó una imagen más irónica y autocrítica durante la gira.
Hasta si se quiere más alegre.
Zoo TV y Achtung Baby fueron fundamentales para la reinvención del grupo en la década de 1990.
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El concepto de la gira se inspiró en la programación televisiva de la época, la cobertura de la Guerra del Golfo y el efecto desensibilizante de los medios de comunicación como el recién estrenado canal de noticias CNN.
Los escenarios presentaban docenas de grandes pantallas de video que mostraban efectos visuales, videoclips y frases de texto parpadeantes, junto con un sistema de iluminación fabricado parcialmente con automóviles Trabant, fabricados en la República Democrática Alemana.
Los shows incorporaron zapping de canales de TV, llamadas de broma, confesionarios en vídeo, una odalizca bailando la danza del vientre y hasta en un momento transmisiones vía satélite en vivo con Sarajevo devastada por la guerra.
En el escenario, Bono interpretó a varios personajes o alter egos que concibió específicamente para la gira, incluido el ególatra vestido de cuero "The Fly", el codicioso televangelista "Mirror Ball Man" y el diabólico "Mr MacPhisto".
A diferencia de otras giras de U2, cada uno de los shows de Zoo TV abrió con seis a ocho canciones nuevas consecutivas antes de que se tocara material más antiguo.
La gira, que constó de cinco legs y 157 shows, comenzó en Lakeland, Florida, el 29 de febrero de 1992 y finalizó en Tokio, Japón, el 10 de diciembre de 1993.
La gira alternó entre América del Norte y Europa durante los primeros cuatro legs antes de visitar Oceanía y Japón.
Después de dos legs en arenas, la producción del programa se amplió a los estadios para los tres legs finales, que se denominaron "Outside Broadcast", "Zooropa" y "Zoomerang/New Zooland", respectivamente.
Aunque la gira provocó diversas reacciones por parte de los críticos musicales, en general fue excelentemente bien recibida.
Fue la gira norteamericana más taquillera de 1992 y en total vendió alrededor de 5,3 millones de entradas y recaudó 151 millones de dólares.
El álbum de 1993 de la banda, Zooropa, se grabó durante una pausa en la gira y amplió sus temas sobre los medios de comunicación en vivo.
La gira fue representada en la película del concierto de 1994, ganadora del premio Grammy, Zoo TV: Live from Sydney.
Y los críticos consideran el Zoo TV Tour como una de las giras más memorables y revolucionarias de la historia del rock.
Tan es así, que en 2002 Tom Doyle de la revista Q la llamó "la gira de rock más espectacular hecha por cualquier banda".
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“Zoo TV Live in Dublin” es un EP de U2 que contiene temas de sus dos shows realizados en Dublín en la gira Zoo TV en 1993.
El EP se anunció el 25 de julio de 2024, aunque desde principios de mayo se rumoreaba su edición.
El EP se lanzó en vinilo amarillo (de 12 pulgadas), CD y formato digital, incluida una mezcla Dolby Atmos de las pistas.
El disco de 12 pulgadas y el CD se lanzaron en Universal Music Recordings y por supuesto están disponibles en todo el mundo.
El vinilo incluye “Zoo Station”, “Mysterious Ways” y “Tryin’ to Throw Your Arms Around the World” en la cara A del disco color amarillo neón, con cara B incluyendo las canciones “Stay (Faraway, So Close!)” y “Love is Blindness”.
En Japón también hubo un lanzamiento nacional en el formato SHM-CD que contendrá un tema extra especial, “The Fly”, extraído de los mismos conciertos.
Para promocionar el EP, la primera canción, “Mysterious Ways”, se lanzó como sencillo independiente en algunos servicios digitales, mientras que en otros se lanzó como un bono de reserva al comprar el EP completo.
Es decir, Tidal, Qobuz y Spotify lo tratan como un sencillo independiente, mientras que Amazon y Apple Music/iTunes lo incluyen como parte del propio EP.
Además, un comercial para promocionar el EP lanzado en redes sociales, muestra un Trabant azul claro filmado mientras conduce por Irlanda mientras suena “Mysterious Ways”.
Nosotros escucharemos la canción que cierra el EP, la extraordinaria “Love Is Blindness”.
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Tanto la portada como el CD indican que las pistas fueron grabadas el 28 de agosto de 1993.
El concierto del 28 de agosto fue grabado y transmitido por la radio Westwood One en el mismo 1993, y retransmitido para todo el mundo.
De hecho, recuerdo que en Uruguay fue transmitido por Océano FM.
Luego, se incluyeron tres canciones de ese show en varios lanzamientos a lo largo de los años.
“Tryin’ to Throw Your Arms Around the World” se lanzó en el álbum del club de fans de U2.com titulado Achtung Baby 30 Live.
"Even Better than the Real Thing" fue lanzado en la compilación Radio 1: FM Sessions.
Y por último, “Bullet the Blue Sky” se lanzó originalmente en el sencillo “Stay (Faraway, So Close!)”, pero no se incluyó en la reciente remasterización digital de 2024.
Sin embargo, no todas las pistas de este EP son de ese show, es más, la mayoría no lo son.
Lo cierto es que también se grabó el show del 27 de agosto, por lo que será la primera vez que habrá material oficial disponible de esa noche.
El primer lanzamiento del EP, "Mysterious Ways", está tomado de ese primer show en Dublín, al igual que "Zoo Station”, “Stay (Faraway So Close)” y “Love Is Blindness”.
De hecho, parece que la única canción extraída del segundo concierto de Dublín es “Tryin’ to Throw Your Arms Around the World”, que como decíamos antes, fue publicada anteriormente.
El bonus track de la versión japonesa, “The Fly”, también está extraído del segundo concierto del 28 de agosto de 1993.
Nosotros aprovecharemos para escuchar la canción extra que acompaña la edición japonesa, además de las otras dos canciones editadas oficialmente de esos shows.
Repasaremos “The Fly”, “Even Better Than The Real Thing” y “Bullet The Blue Sky”.
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El comunicado de prensa de este lanzamiento dice:
“Esta edición limitada exclusiva presenta cinco temas de una de las dos legendarias presentaciones al aire libre de U2 en el RDS Arena de Dublín en agosto de 1993, la presentación local de su gira mundial ZOO TV Tour que definió la industria de la música.
Si bien las muy solicitadas copias piratas del audio del show en el RDS han estado en circulación durante años, este es el primer lanzamiento oficial, lo que lo convierte en un objeto de colección muy codiciado tanto para los fanáticos como para los coleccionistas”.
En este caso, limitado se refiere a que es una sola impresión y el artículo no se mantendrá impreso después de que se agote.
Sin embargo, se desconoce el número total de unidades que se produjo.
La portada del EP es un diseño que se usó para carteles de gira y publicidad durante las fechas de 1993 de la gira de Zoo TV, y también se usó en camisetas, tanto en 1993, como más recientemente el diseño que se usó en camisetas en los shows en The Sphere en Las Vegas.
La foto, de Anton Corbijn, también se utilizó como portada del calendario de 1994 de la banda.
Además, cuando el EP se compre a través de Amazon en Japón, estará disponible una impresión especial tipo póster de 24 cm cuadrados, hasta agotar las unidades del formato SHM-CD.
Por último, ítems adicionales estuvieron disponibles para su compra a través de U2.com, incluidas tres camisetas, un canguro con capucha y un póster metálico de la imagen de portada.
De esta forma, nos vamos yendo de este episodio, pero nos pareció justo terminarlo con una canción extraída del bootleg original de aquel excepcional show en Dublín del año 1993 del ya legendario “Zoo TV Tour”.
Espero que hayan disfrutado de este programa tanto como yo.
Nos despedimos con “Ultra Violet”. -
En los años 80, los fans de los Rolling Stones se habían acostumbrado a la turbulencia que rodeaba a la banda.
Las consecuencias del álbum de 1986 del grupo, Dirty Work, fueron tan tóxicas que, durante un breve período, pareció que nunca encontrarían el camino de regreso.
Entre 1986 y 1988, los Stones estuvieron efectivamente en pausa mientras el núcleo creativo de la banda, Mick Jagger y Keith Richards, lanzaban discos en solitario e intercambiaban críticas en la prensa.
Dicho eso, si bien fue necesario mediar un poco, sus diferencias finalmente fueron superadas por el poder de su larga asociación y (si se quiere) amistad.
El 29 de agosto de 1989, llegó la prueba en forma de su álbum número 21 en los Estados Unidos, titulado Steel Wheels.
"Hemos estado juntos durante años y una de las consecuencias de la ruptura fue darnos cuenta de que estábamos unidos, nos gustara o no", se rió Richards más tarde.
"Me gusta que toque el arpa, hombre. Y me gusta ver su trasero frente a mí cuando toco la guitarra, haciendo sus cosas. Me gustan de él todas las cosas que probablemente odia de sí mismo".
Jagger estuvo de acuerdo: "Como lo hemos estado haciendo durante tanto tiempo, realmente no tenemos que discutirlo. Cuando se nos ocurre un lick, un riff o un estribillo, ya sabemos si está bien o mal"
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Jagger y Richards probaron el terreno en Barbados y se reunieron para intentar componer juntos a principios de 1988.
Como descubrieron rápidamente, el tiempo libre no había diluido su química creativa.
En poco tiempo, habían producido docenas de canciones nuevas.
"Acabamos de empezar. Y en dos días, nos dimos cuenta de que teníamos cinco o seis canciones en marcha", recordó Richards más tarde.
"Tuve que llevar a Mick a algunas discotecas, que no son mis lugares favoritos en el mundo, porque a Mick le gusta salir y bailar por la noche. Así que lo hice. Ese fue mi sacrificio. Le seguí la corriente. Y fue entonces cuando supe que podíamos trabajar juntos".
Incluso después de terminar Steel Wheels, Jagger sostuvo que las carreras en solitario de los distintos miembros eran esenciales para la supervivencia de los Rolling Stones, si bien según todas las apariencias, él necesitaba esa salida, esa especie de escape, más que nadie.
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"Si Keith hubiera vendido como lo hace Michael Jackson, aún así habría regresado a los Stones.
Lo habría dejado todo para volver", insistió el guitarrista Ron Wood, cuyos esfuerzos como intermediario entre los compositores en disputa fueron esenciales por ayudar a sanar la brecha entre ellos.
"Lo que me sorprendió fue que Mick no vendiera tanto”, añadió.
"Eso probablemente también lo sorprendió, y tal vez le hizo darse cuenta de la fuerza de la banda, pero una vez que él y Keith pasaron algún tiempo juntos en Barbados, se dieron cuenta de que la amistad era más larga y más fuerte que cualquier comentario en un periódico o una revista".
Después de incursionar con el productor Steve Lillywhite para el desparejo álbum (siendo benévolo) Dirty Work, la banda se reunió con su socio Chris Kimsey para coproducir Steel Wheels. Después de haber trabajado como ingeniero en Sticky Fingers y Some Girls, Kimsey conocía bien los puntos fuertes del grupo y ayudó a encaminarlos hacia lo que equivalía a un disco orientado a las raíces: grabado limpiamente y con algunos toques modernos, pero claramente un trabajo de los Rolling Stones.
"Lo que preocupa a la mayoría de la gente hoy en día no es el ritmo en sí, sino el sonido de lo que crea el ritmo. Tienen estos juguetes nuevos, cosas que se estrellan y hacen wooo-wooo, y lo que realmente falta es ritmo”, se quejaba Richards después del lanzamiento de Steel Wheels, explicando su enfoque para hacer música a finales de los 80.
"Toda esta mierda no me seduce. Es como una gran tienda en este momento y nadie puede salir de la sección de juguetes".
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Un lugar de Steel Wheels encontró a la banda ejerciendo su oficio de una manera relativamente de regreso a lo básico, pero el álbum no estuvo exento de alguna aventura, particularmente en la excepcional canción "Continental Drift", que contó con el conjunto marroquí Master Musicians of Joujouka.
Probablemente un guiño al fallecido cofundador de los Stones, Brian Jones, quien había grabado a Master Musicians en 1968 para el álbum Brian Jones Presents the Pipes of Pan at Joujouka.
"Nos convertimos en una banda de hard rock y nos sentimos muy contentos con eso.
Las baladas también quedaron un poco atrás. El hard rock simplemente fue ganando su lugar y perdimos un poco de sensibilidad y aventura", argumentó Jagger.
"Es aburrido tocar hard rock todo el tiempo. Tienes que regularlo un poco".
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Para el primer single del disco, fueron comercialmente inteligentes, y jugaron sobre seguro.
”Mixed Emotions" fue un puro tema de los Stones que surgió de la fuerza del sonido clásico del grupo y de un coro altísimo cuyo estribillo ("No eres el único con emociones encontradas / No eres el único barco a la deriva en el océano") parecía hablar del oscuro hechizo que la relación de sus coguionistas había capeado recientemente.
Era difícil no escuchar "Mixed Emotions" como un comentario sobre la disputa pública de Jagger y Richards.
”Me di cuenta de que lo que habíamos escrito allí tenía todos los ingredientes de una autobiografía interesante", dijo Richards más tarde a Rolling Stone.
Incluso cuando los Glimmer Twins renovaron su asociación, permanecieron algo irritables por la forma en que las cosas se desmoronaron después de Dirty Work, particularmente la negativa de Jagger a realizar una gira para promocionar ese disco.
“El álbum no fue tan bueno", dijo Jagger a Rolling Stone en 1989.
"Estuvo bien. Ciertamente Dirty Work no fue un gran álbum de los Rolling Stones.
El sentimiento dentro de la banda también era muy malo. Las relaciones eran terribles.
La salud era diabólica. No estaba particularmente en buena forma.
El resto de la banda no podían cruzar los Campos Elíseos y mucho menos ir de gira.
Así que tuvimos esta larga y mala experiencia al hacer ese disco, y lo último que quería hacer era pasar otro año con la misma gente. Sólo quería escapar”.
Richards se encogió de hombros y dijo:
"Estaba muy enojado porque él no estaba realmente interesado en el álbum.
Yo quería salir de gira después de que lo termináramos. Y no obtuve una respuesta clara hasta que el disco estuvo acabado. Lo que era básicamente un “andá a la mierda” para mí.
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Steel Wheels fue un éxito a ambos lados del Atlántico, y en todo el mundo de hecho, estableciendo una importante gira mundial negociada detrás de un acuerdo récord que incrementó significativamente los resultados económicos de la banda.
Incluso en una era de patrocinio corporativo, los Stones fueron criticados por sacar provecho con tanto éxito, pero Jagger fue inequívoco al rechazar las acusaciones de que se habían vendido.
"Por supuesto, también lo hacemos por el dinero", señaló.
"Siempre lo hemos hecho por dinero. A la gente se le paga muy bien en el rock and roll.
Por eso es tan atractivo. Es como el boxeo. La gente no practica boxeo por nada.
Empiezan a hacerlo porque esperan llegar a la cima, porque cuando lleguen a la cima, ganarán mucho dinero. Quiero decir, eso es Estados Unidos".
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Como sería cada vez más el caso, Steel Wheels fue comparado favorablemente con esfuerzos recientes, lo que llevó a los gritos de los críticos de "su mejor desde (inserte aquí el álbum clásico de los Rolling Stones que prefiera)” junto con preguntas sobre cuánto tiempo podría continuar la banda.
Jagger, como siempre, no se comprometió.
"Se debe animar a Keith a hacer lo que quiera", dijo a la revista Rolling Stone.
"Y se me debería animar a hacer lo que prefiero hacer yo también.
Lo que es, no lo sé, pero se me debería animar a ir más allá. No quiero quedarme sólo con esto".
Richards, mientras tanto, estaba perfectamente contento de seguir rockeando con su banda.
"Lo curioso de esos riffs, esas canciones, es que si las toco es porque sigo sintiendo el mismo placer, ¿sabés?" dijo riendo en una entrevista de 1990 con Time Out.
"Hay riffs como 'Tumbling Dice' donde decís ‘Dios, es un riff genial. Este es el sentimiento que he estado buscando desde siempre. ¡Dios! ¿¡Soy YO!? LO HICE YO: ¡HEY, ESE SOY YO, BEBÉ, Y SUENO ASÍ!'"
De esta forma, vamos llegando al final de este episodio.
Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo.
Esto fue Steel Wheels, de los Rolling Stones, en Punto Muerto.
Nos despedimos con “Slipping Away”. -
La comunidad del heavy metal ya estaba presa de la fiebre de Iron Maiden cuando la banda lanzó su quinto álbum de estudio, Powerslave, el 3 de setiembre de 1984.
Desde The Number of the Beast de 1982, Maiden demostró ser una de las bandas más emocionantes e inteligentes que surgieron de la Nueva Ola del Heavy Metal británico.
Cuando lanzaron Powerslave, su mascota Eddie the Head era casi tan conocida entre los fans como los propios músicos, y la banda aprovechó al máximo el afecto de su público por Eddie, adornando la figura zombie con un tocado egipcio que recuerda al Rey Tut y presentando su imagen de dibujos animados en el arte de los sencillos “2 Minutes To Midnight” y “Aces High”.
Powerslave se destaca como el primer álbum de la banda que cuenta con la misma integración que su anterior lanzamiento de estudio.
De hecho, esta alineación permanecería intacta para dos lanzamientos de estudio más.
También es su último álbum hasta la fecha que incluye una pieza instrumental, y el único hasta Senjutsu (2021) en el que el miembro y guitarrista Dave Murray no tiene ningún crédito de composición.
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Lo que realmente hizo de Powerslave un lanzamiento magistral fue el trabajo del bajista y compositor Steve Harris, quien escribió cuatro de las ocho canciones, incluida la majestuosa “Rime of the Ancient Mariner”, una canción de casi 14 minutos de duración inspirada en el épic0 poema del mismo nombre de Samuel Taylor Coleridge.
La canción presentaba numerosos movimientos y citaba varias líneas del poema original, entre ellas: “Agua, agua por todas partes y todas las tablas se encogieron/ Agua, agua por todas partes ni una gota para beber”.
“Rime of the Ancient Mariner” fue el tema más largo de Maiden durante muchos años hasta que la banda lanzó la canción de 18 minutos “Empire of the Clouds” en su álbum de 2015 The Book of Souls.
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Para el álbum, Harris escribió canciones sobre una variedad de temas: la mitología del antiguo Egipto (“Powerslave”), los pilotos de combate de la Segunda Guerra Mundial (“Aces High”), la inutilidad y el sinsentido de tiroteos al estilo occidental (“The Duellists”), el poema de Coleridge antes mencionado (“Rime of the Ancient Mariner”) y la carrera armamentista (“2 Minutes to Midnight”) para brindar a los oyentes una nueva perspectiva de la banda que se extendía mucho más allá de las historias de venganza y lo oculto.
Por ejemplo, el título de la canción “2 Minutes to Midnight” hace referencia al Reloj del Juicio Final, el reloj simbólico utilizado por el Bulletin of the Atomic Scientists (Boletín de Científicos Atómicos), que representa una cuenta regresiva para una posible catástrofe global.
En septiembre de 1953, el reloj llegó a dos minutos para la medianoche, lo más cerca que estuvo jamás en el siglo XX, cuando Estados Unidos y la Unión Soviética probaron bombas de hidrógeno con nueve meses de diferencia.
El reloj atómico, fijado a los 12 minutos para la medianoche en 1972, retrocedió a partir de entonces entre las tensiones entre Estados Unidos y la Unión Soviética, llegando a tres minutos para la medianoche en 1984 (el año en que se lanzó esta canción) y en ese momento la lectura del reloj más peligrosa desde 1953.
Según Dickinson, la canción aborda críticamente "el romance de la guerra" en general y no la Guerra Fría en particular.
"Steve dice que si vuelve a oír que estamos atrapados en historias sobre Satanás y otras cosas, significará que la gente nunca entenderá a Iron Maiden", agregó el vocalista Bruce Dickinson a la revista Metal Attack en 1984.
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Iron Maiden comenzó a trabajar en Powerslave en febrero de 1984 y escribió canciones hasta marzo, cuando ingresaron a Compass Point Studios en Nassau, Bahamas, con el productor Martin Birch.
La banda terminó de grabar sus temas en mayo y mezcló el álbum en junio en Electric Lady Studios en la ciudad de New York.
Desde el momento en que empezaron a grabar, la banda supo que estaban creando algo especial.
“Powerslave tiene el poder y la energía de un álbum en vivo”, dijo Dickinson a la revista Metal Attack en 1984.
“Por eso es genial. [El baterista] Nicko [McBrain] aporta un toque de tecnicismo que es absolutamente fantástico.
Toca rápido y preciso y sonamos mejor que nunca”, agregó.
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Después de terminar Powerslave, Iron Maiden se reunió en Ft. Lauderdale, Florida, para comenzar a ensayar para el World Slavery Tour, que contó con un escenario de varios niveles que reflejaba los elementos visuales clave de la carátula del álbum.
El primer concierto de la gira fue en Polonia en agosto de 1984 y los shows se prolongaron hasta finales de 1985 en California.
Se realizaron grabaciones de audio y video en los shows en el Long Beach Arena de Los Ángeles y el Hammersmith Odeon de Londres.
Los mejores momentos de los conciertos fueron editados juntos para el álbum y vídeo Live After Death, uno de los álbumes de metal en vivo más aclamados de todos los tiempos.
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Powerslave debutó en el puesto 21 en la lista de álbumes de Billboard y, al igual que Number of the Beast y Piece of Mind, finalmente fue certificado como platino.
En 1995, Iron Maiden reeditó el álbum con un disco extra que contenía las caras B de los sencillos.
Las mismas son "Mission From 'Arry", una versión de "Rainbow Gold" de Beckett, una versión de "King of Twilight" de Nektar y una versión en vivo de “The Number of the Beast”.
Luego, Powerslave recibió una segunda reedición en 1998 con un disco que incluía los videos de "Aces High" y "2 Minutes to Midnight".
Igualmente, lo importante es que siempre recuerden:
“Llegaremos hasta el final, lucharemos en Francia, lucharemos en los mares y océanos, lucharemos con creciente confianza y creciente fuerza en el aire, defenderemos nuestra isla, cualquiera que sea el costo, lucharemos en las playas, lucharemos en las pistas de aterrizaje, lucharemos en los campos y en las calles, lucharemos en las colinas, ¡nunca nos rendiremos.” -
La génesis de los Blues Brothers se remonta a este momento en enero de 1976.
Poco después de unirse al elenco de SNL, Dan Akroyd alquiló el Holland Tunnel Blues Bar, que rápidamente se convirtió en el lugar frecuentado por los invitados, el elenco y los miembros del equipo del programa.
Con una rocola de discos repleta de canciones de blues y equipo musical disponible para cualquiera que tenga ganas de tocar, fue aquí donde nació el concepto Blues Brothers.
El arreglista musical de SNL, Paul Shaffer, fue contratado para ayudar a John Belushi y Dan Akroyd a formar su propia banda.
Los miembros de la banda SNL, Lou Marini y Tom Malone, ambos veteranos de la sección de metales de Blood, Sweat & Tears, fueron alistados de inmediato, al igual que el baterista de SNL, Steve Jordan.
Steve Cropper y Donald Dunn, la potencia de la guitarra y el bajo detrás de Booker T & The MGs y una larga lista de éxitos del sello Stax Records de Memphis, también se incorporaron por sugerencia de Shaffer.
Alan Rubin, formado en Juilliard, entró en la trompeta y Matt Murphy, un veterano guitarrista de blues que había tocado con Howlin Wolf, James Cotton y otras leyendas, también se incorporó al grupo.
También ingresó el baterista de Bar-Kays, Willie Hall, un amigo cercano de Cropper y Dunn, al igual que el pianista Murphy Dunne.
Una vez que este conjunto estelar de músicos estuvo vestido con trajes negros y lentes de sol Ray-Ban, la imagen estilística clásica de los Blues Brothers estuvo en su lugar.
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El repertorio del grupo se basaba firmemente en clásicos del R&B, el blues y el soul, pero con un sonido de rock distintivo que atraía al público más joven.
Uno de los principales modelos de Belushi y Akroyd fue Downchild Blues Band, con sede en Toronto, cofundada por los hermanos Donnie y Richard Walsh.
El grupo se especializó en un estilo alegre, estilo bar-band, de jump-band y blues al estilo de Chicago, que los Blues Brothers también seguirían, agregando varias de las canciones de Donnie Walsh a su repertorio y adoptando sus arreglos en varias otras.
Con una sección de trompeta que sobresalía en el sonido limpio con influencia del jazz de la ciudad de New York, el resto de la banda reflejaba el blues más valiente de Chicago y los sonidos soul de Memphis, Paul Shaffer comenzó a desarrollar arreglos de canciones adicionales para reforzar su repertorio.
Con todos estos recursos musicales a su disposición, Belushi y Akroyd sintetizaron estos elementos en su propio estilo distintivo, atenuando su estilo cómico y manteniendo una fuerte reverencia por la música. Muy diferente de la música predominantemente disco y dominada por la voz de 1977/78, los Blues Brothers fueron un soplo de aire fresco en medio de la música popular en ese momento.
La exposición televisiva adicional en Saturday Night Live pronto convirtió a los personajes escénicos de Joliet y Jake Blues en íconos de la cultura pop de la época e incluso condujo a un contrato para una película.
Mientras actuaban como teloneros del comediante Steve Martin en el Anfiteatro Universal en 1978, los Blues Brothers grabaron su álbum debut, Briefcase Full Of The Blues.
Esta grabación en vivo, que capturó la energía pura del grupo mucho mejor que cualquier grabación de estudio, demostró ser una decisión muy acertada, ya que el álbum se disparó al puesto número 1 y generó dos éxitos Top 40, con versiones de Isaac Hayes/Dave Porter con "Soul Man" y "Rubber Biscuit" de los Chips.
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Grabada varios meses después, cuando los Blues Brothers abrieron para Grateful Dead en la monumental noche de clausura de Winterland, esta grabación pirata captura una actuación completa e inédita del grupo en su mejor momento.
Con la ayuda de la fama rápidamente creciente de Belushi y Akroyd y una audiencia extremadamente receptiva, esta puede ser la actuación más emocionante que jamás hayan realizado.
Aunque es obvio que se toman esta música en serio, las habilidades cómicas innatas de Belushi y Akroyd para atraer al público equilibran su sincera reverencia por la música con una gran cantidad de diversión.
Con el final de manual de "Can't Turn You Loose", que sirve como introducción y cierre de este set, los Blues Brothers ofrecen casi una hora de temas calientes de R&B y blues a un ritmo rápido que nunca cesa.
Además de clásicos más antiguos como "Hey Bartender" de Willie Dixon, "Soul Man" (que Sam & Dave hizo famoso) y "Jailhouse Rock", el grupo agrega temas más esotéricos, como el irresistible "Groove Me" de King Floyd y "B Movie Box Car Blues" de Delbert McLinton.
También rinden un gran homenaje a Downchild Blues Band, copiando sus arreglos de "Messin' With The Kid", "Rubber Biscuit" y "Flip, Flop Fly", además de tocar dos de los originales de ese grupo, "(I Got Everything I Need) Almost" y "Shotgun Blues", ambos escritos por Donnie Walsh, que se mezclan perfectamente con el resto del set.
La combinación de las festividades de Año Nuevo, un evento histórico y la popularidad de SNL entre la audiencia de Dead-heads, crea una actuación apasionante que será recordada durante mucho tiempo como una de las aperturas más entretenidas jamás vistas en un concierto de Grateful Dead.
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El cierre de Winterland
Después de que Billy Graham cerró Fillmore West en 1971, realizó espectáculos en Winterland casi todos los fines de semana.
En 1972, los Rolling Stones ofrecieron cuatro actuaciones memorables en esta vieja sala destartalada. Peter Frampton grabó allí su exitoso álbum doble "Frampton Comes Alive".
The Band filmó "The Last Waltz" y los Sex Pistols cerraron la gira de la banda por Estados Unidos en Winterland.
Sin embargo, en casi todos los conciertos llovían trozos de yeso sobre las cabezas de los asistentes, y Graham estimó el costo de la reparación en más de 350.000 dólares, cantidad que sus propietarios se negaron a deducir del alquiler.
Hizo un emotivo llamamiento a Grateful Dead para que tocaran en fin de año y le cerraran la sala. Escribió una carta pidiéndole a la banda que ensayara para el concierto y que tocara algunos de sus viejos temas favoritos que habían sido eliminados del repertorio.
Como teloneros, contrató a la gran banda de fiesta del momento: los Blues Brothers con Dan Ackroyd y John Belushi, en el apogeo de la manía de "Saturday Night Live".
La velada prometía un rico subtexto emocional, incluso para los relativamente nada sentimentales Dead.
Sin embargo, en lugar de una despedida conmovedora, la velada desembocó en una bacanal desquiciada.
El lugar era un bar clandestino de cocaína.
"Hubo un pequeño golpe", se dijo en ese momento.
"Los Blues Brothers trajeron montones de cocaína. Creo que la desayunaron".
El público de "Saturday Night" (Bill Murray, el padre Guido Sarducci, Al Franken, Paul Shaffer (tocando en la banda Blues Brothers)) se mezclaba detrás del escenario con el psicodélico escritor Ken Kesey, la estrella de la NBA Bill Walton, el promotor musical Chet Helms y miembros de Jefferson Airplane. Después de su presentación, los Blues Brothers trasladaron su acto a una fiesta nocturna en la mansión Airplane en Fulton Street que duró toda la noche.
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Esta grabación de mesa de sonido proviene de un concierto celebrado en Winterland, San Francisco, el 31 de diciembre de 1978, en el que los Blues Brothers telonearon a los Grateful Dead.
Este pirata se ha publicado anteriormente con muchos otros títulos, incluidos 'The Closing Of Winterland', 'Live In The USA' y 'Winterland, San Francisco, CA'
De esta forma, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo de este episodio.
Espero lo hayan disfrutado tanto como yo.
Por último, no es necesario ser fanático de los Blues Brothers para apreciar esta música, pero sería útil que usaras lentes de sol oscuros para escucharlo. -
1994 fue uno de los años más interesantes que el mundo de la música haya presenciado en mucho tiempo.
La música de todos los géneros producida ese año nos dejó una huella imborrable que perdura hasta el día de hoy.
Ready to Die de The Notorious B.I.G., el MTV Unplugged de Nirvana en New York, Ill Communication de Beastie Boys y Vitalogy de Pearl Jam son sólo algunos de los grandes títulos que aparecieron en 1994.
Sin embargo, la mayor sorpresa de ese año fue posiblemente el álbum debut de Jeff Buckley, Grace, aunque muchos de nosotros no pudimos darnos cuenta ni apreciarlo lo suficiente en ese momento. La mayor parte de la música de 1994 fue un rechazo absoluto del status quo y de todo lo que vino antes. Era ruidoso, a veces profano y crudo hasta los huesos. En medio de este dedo medio sónico hacia el mundo se encontraba el álbum Grace de Jeff Buckley, que transmitía una hermosa y suave crudeza a través de su voz angelical. Buckley venía de un lugar completamente diferente al de sus contemporáneos.
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Cuando escuché el álbum Grace por primera vez, estaba de compras en la ya extinta disquería Rarities, en la Galería Yaguarón del centro de Montevideo.
Cuando sonó "Last Goodbye", supe que estaba escuchando algo especial.
El rango de voz de Buckley fue una maravilla para el oído y le permitió ampliar los tipos de canciones que cantaba.
Ocho de las diez canciones del álbum son originales escritas por Buckley y una mezcla de coautores, y las dos canciones restantes son versiones de "Lilac Wine" y "Hallelujah".
La segunda un himno del álbum de 1984 de Leonard Cohen, Various Positions, y el primero fue cantado e inmortalizado por nada más y nada menos que Nina Simone.
Casi nada.
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"Hallelujah" cobró vida propia mucho después de la trágica muerte de Buckley.
Un punto sorprendente es que su interpretación de la canción se inspiró en la versión de John Cale en lugar de la versión de Cohen.
Por otro lado, en los EEUU, hubo un momento en el que la canción se hizo extremadamente popular.
Incluso Leonard Cohen dijo una vez en una entrevista de 2012 con The Guardian:
"Ha habido un par de ocasiones en las que otras personas han dicho: ¿podemos tener una moratoria, por favor, sobre 'Hallelujah?' Y una o dos veces he sentido que tal vez debería prestar mi voz para silenciarla, porque ya era demasiado, pero pensándolo mejor no, estoy muy feliz de que se esté cantando".
El éxito póstumo de la versión se debe directamente a la increíble interpretación de Buckley en la que hace completamente suya la canción.
Quizá un ejemplo similar es el de Aretha Franklin que tomó "Respect" de Otis Redding y la convirtió en una de las canciones emblemáticas de su discografía.
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La composición de Buckley tiende a quedar eclipsada por su increíble voz e interpretaciones, pero como artista tiene el don de siempre contar una historia con sus canciones.
Por ejemplo, la que da título al álbum es una canción inspirada en Buckley despidiéndose de su novia en el aeropuerto.
Una vez él mismo lo resumió diciendo:
"Se trata de no sentirte tan mal por tu propia mortalidad cuando tienes el amor verdadero".
Mientras que la separación fue temporal en "Grace", "Last Goodbye" es una historia de amantes que se separan permanentemente ("Este es nuestro último adiós / Odio sentir que el amor entre nosotros muere / Pero se acabó / Solo escucho esto y luego iré / Me diste más por qué vivir / Más de lo que jamás sabrás”).
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La canción que más llamó mi atención cuando escuché el álbum Grace por primera vez (y sigue siendo mi favorita hasta estos días) fue la oscura e inquietante "So Real", que originalmente no estaba pensada para estar en el álbum.
La belleza de esta canción es cómo se construye a partir de un suave rasgueo de la guitarra, luego la banda completa que nos transporta al coro y te termina depositando en esta maravillosa tierra de ensueño.
Además, "So Real" muestra todo el rango vocal de Buckley mientras toca notas altas hacia el final que te dejan sencillamente sin palabras.
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"Dream Brother" es otro gran ejemplo del don de Buckley para contar una historia vívida a través de una composición sólida. Está basada en una historia real sobre un amigo de Buckley que está pensando en abandonar a su novia embarazada y él (Buckley) lo está convenciendo de que no lo haga. Buckley le advierte que no cometa el mismo error que cometió su padre (el cantante Tim Buckley).
Conoció a su padre sólo una vez cuando tenía ocho años y no tenía ninguna relación con él.
“No seas como el que me hizo tan viejo / No seas como el que dejó atrás su nombre / Porque te están esperando como yo esperé al mío / Y nunca nadie vino”
"Dream Brother" es la canción más personal de Grace y cierra magníficamente la edición original del álbum.
En lanzamientos de aniversario posteriores, se agregó "Forget Her" al final del álbum.
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Grace es el único álbum de estudio del cantautor estadounidense Jeff Buckley, lanzado el 15 de agosto de 1994 en Europa y el 23 de agosto de 1994 en Estados Unidos por Columbia Records.
El álbum tuvo bajas ventas y recibió críticas no muy buenas en el momento de su lanzamiento.
Sin embargo, en los años posteriores a la muerte de Buckley, su reputación crítica ha aumentado drásticamente.
Tan es así, que suele ser citado en cada lista de mejores álbumes de todos los tiempos.
Ni hablar del tremendo impacto de su versión de “Hallelujah”.
Lo cierto es que Grace es una colección sencilla de canciones que te deja atónito, sin aliento y con ganas de más, excepto que sabés que eso desgraciadamente no va a suceder.
Lamentablemente, en mayo de 1997, Buckley se ahogó mientras nadaba por la noche en el río Mississippi.
Grace sería su único álbum de estudio, pero definitivamente consolidó su lugar en la historia de la música, obteniendo elogios de artistas como Robert Plant, David Bowie y Bob Dylan, quien una vez llamó a Buckley uno de los mejores compositores de la década.
Grace sigue siendo una gran escucha y cuando yo escucho el álbum, siempre me pregunto qué podría haber sido de él.
Jeff Buckley era un talento increíble que nos dejó demasiado pronto.
De esta forma, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo del episodio de hoy.
Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo.
Nos despedimos con la extraordinaria “Lover, You Should've Come Over”.
Esto fue Grace, de Jeff Buckley, en Punto Muerto. -
In Through The Out Door, de Led Zeppelin, es el canto del cisne de la banda.
Es un capítulo final agridulce de una de las bandas de rock más emblemáticas de la historia.
Este álbum marcó un alejamiento significativo de su trabajo anterior, reflejando no sólo las tendencias experimentales de la banda sino también los profundos desafíos personales y profesionales que enfrentaron durante ese período.
Para captar verdaderamente la esencia de In Through The Out Door, uno debe profundizar en las circunstancias que dieron forma a su creación.
El último gran álbum de la banda, Physical Graffiti (1975), obtuvo mucho éxito comercial y elogios de la crítica, lo que lo convirtió en uno de los favoritos entre muchos.
Luego llegó el accidente de tránsito de Robert Plant, lo que obligó a posponer la gira mundial planeada para 1975 y 1976.
Durante su periodo de convalecencia en Malibú, Plant y Jimmy Page habían escrito suficiente material como para empezar a trabajar en el SIR Studio de Hollywood.
El álbum fue grabado en tres semanas en los Musicland Studios de Múnich, Alemania, con Plant en una silla de ruedas.
Así llegó el irregular álbum Presence, “Achilles Last Stand” juega en otra liga, claro está.
Dos años después, la tragedia tocó la vida de Plant, cuando murió repentinamente su hijo Karac de cinco años de edad, lo que lógicamente redujo considerablemente las actividades de la banda en la segunda parte de los setenta.
La tragedia tuvo un profundo impacto en el vocalista principal, lo que resultó en una transformación completa de la música de la banda en términos de sus temas.
Por otro lado, Led Zeppelin, como muchos otros, se convirtieron en exiliados fiscales al residir fuera de su país de origen para evadir el pago de impuestos atrasados.
Debido a la política de altos impuestos del gobierno sobre sus ganancias, la banda no pudo actuar en Inglaterra durante dos años.
Los problemas de la banda se vieron agravados por la creciente adicción a la heroína del guitarrista Jimmy Page, que se estaba volviendo más preocupante y debilitante.
Para no quedarse atrás, el baterista John Bonham luchó contra una adicción a la heroína y un problemático consumo de alcohol.
A pesar de estos desafíos, Led Zeppelin perseveró y comenzó a trabajar en In Through The Out Door en los estudios Polar de ABBA en Estocolmo, Suecia, en setiembre de 1978.
La introducción de tecnología innovadora en este entorno abrió infinitas posibilidades para su música, transformando la forma en que crearon y capturaron su música y sonido.
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La grabación del álbum se produjo durante un período en el que los paisajes musicales estaban experimentando cambios importantes.
El punk rock, la new wave e incluso la música disco, que estaba siendo dejada de lado, eclipsaban al sonido del hard rock.
En lo que respecta a la música, In Through The Out Door se diferencia de las creaciones anteriores de Led Zeppelin. Este álbum se desvió de sus otros trabajos, incorporando una variedad de géneros musicales en lugar de depender únicamente de pesados riffs de guitarra, compás complejos y voces alucinantes.
El uso de sintetizadores, por ejemplo, muestra la voluntad de la banda de adoptar las tendencias musicales contemporáneas. De hecho, Van Halen intentó lo mismo con su álbum 1984.
El cambio en la dirección musical fue encabezado por el bajista y tecladista John Paul Jones, quien coescribió seis de las siete pistas del álbum.
La gran participación de Jones se debió a que el abuso de sustancias de Page lo convirtió en un miembro poco confiable del grupo, a menudo llegaba tarde o no llegaba a las sesiones.
En una entrevista con Mikal Gilmore de Rolling Stone, Jones dijo: "Había dos bandos distintos para entonces, y nosotros (Plant y yo) estábamos en el relativamente limpio".
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El hábil uso de los teclados en In Through The Out Door realza su atmósfera general y su naturaleza experimental. Utilizando sus habilidades como multiinstrumentista, John Paul Jones combina hábilmente las armonías de moogs, pianos y sintetizadores, lo que da como resultado un fascinante paisaje sonoro de diversas texturas.
Esto queda claro en temas como “All My Love”, que presenta melodías conmovedoras y letras sentidas que resumen el dolor de Plant por la muerte de su hijo.
Por otro lado, “Fool in the Rain” ejemplifica la combinación de géneros de jazz y ritmos latinos del álbum.
Definitivamente no es el típico disco de Led Zeppelin.
Las letras que aparecen en In Through The Out Door profundizan en temas de pérdida, anhelo e introspección. Canciones como “All My Love” y “I’m Gonna Crawl” revelan una vulnerabilidad que era un tanto atípica para Led Zeppelin.
Además, las pistas muestran los estilos de composición contrastantes de Jones y Page.
Por supuesto, la voz de Plant sigue siendo uno de los aspectos más destacados del álbum.
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El álbum fue un gran éxito comercial; llegó al número 1 en el Billboard 200 en su segunda semana en la lista estadounidense y también alcanzó el puesto número 1 en el Reino Unido, Canadá y Nueva Zelanda.
Cuando se lanzó, la respuesta de los críticos varió desde el entusiasmo hasta el desprecio.
La mordaz reseña de Charles M. Young de Rolling Stone, como no podía ser de otra forma en esa revista con respecto a Led Zeppelin, fue brutal para todos los involucrados.
Escribió: “Lamentablemente, la exuberancia de Bonham en In Through The Out Door sólo es comparable con el apetito de Robert Plant por la inanidad.
Plant, que nunca fue un gran escritor de letras, ha seguido un patrón simple en su canto: cuando Jimmy Page le dio excelentes riffs de guitarra para expresar, Plant fue genial. Cuando Page no lo hizo, Plant tampoco”.
En el lado positivo, Robert Christgau de The Village Voice dijo lo siguiente:
“La pompa melodiosa del sintetizador en la cara B confirma mi creencia arraigada de que se trata de una muy buena banda de art-rock, y su título durante los primeros diez minutos más o menos , 'Carouselambra', sugiere que esto les resulta tan gracioso como a mí.
Los ganchos en el lado A confirman la creencia arraigada en el mundo de que se trata de una banda de hard rock realmente buena. Laxo en el departamento de letras, como siempre, pero el mejor desde Houses Of The Holy”.
En mi opinión, In Through The Out Door demuestra la capacidad de Led Zeppelin para adaptarse y crecer, solidificando su legado perdurable.
Si bien puede que no tenga el mismo poder que Led Zeppelin IV o Physical Graffiti, In Through The Out Door se erige como una entrada importante en su discografía porque ofrece uno de esos "qué pasaría si" musicales.
Supongamos que Bonham no falleció trágicamente en 1980.
¿Habría continuado la banda por el camino que siguieron en In Through The Out Door o habría explorado el mismo territorio que en Physical Graffiti?
Una duda para la eternidad.
De esta forma, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo de este episodio.
Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo.
Esto fue In Through The Out Door, de Led Zeppelin, en Punto Muerto. -
Gordon Matthew Thomas Sumner (nacido el 2 de octubre de 1951 en Wallsend, Newcastle upon Tyne, Inglaterra), conocido por su nombre artístico Sting, es un músico, cantautor, multiinstrumentista, activista, actor y filántropo inglés.
Antes de comenzar su carrera en solitario, fue el compositor principal, cantante y bajista de la legendaria banda de rock The Police.
A lo largo de su carrera, Sting ha incorporado distintos elementos del jazz, reggae, clásica, New Age y world beat a su música.
Su primer álbum en solitario, The Dream of the Blue Turtles de 1985, contó con músicos destacados de jazz como Kenny Kirkland, Darryl Jones, Omar Hakim y Branford Marsalis.
Incluía los exitosos sencillos "If You Love Somebody Set Them Free", "Fortress Around Your Heart", "Love Is the Seventh Wave" y "Russians", el último de los cuales se basó en un tema de la Suite del teniente Kijé de Serguéi Prokófiev y se convirtió en su primer éxito solista número uno.
Entre el 16 de octubre de 1987 y el 21 de noviembre de 1988, Sting salió de gira bajo el nombre 'Nothing Like The Sun', presentando el álbum del mismo nombre recién editado.
En 1988, después de un año de giras ininterrumpidas por 18 países (el último fue Australia) ofreciendo 190 conciertos, su compañía facturó 8.187.921 libras esterlinas, con más de 5 millones en ventas de entradas.
Las regalías agregaron otras 2.189.100 libras esterlinas a los resultados finales de su empresa Steerpike.
Sting había disfrutado de una buena posición mientras tocaba con The Police, pero ahora era fabulosamente rico.
Este bootleg presenta una excelente grabación de mesa de sonido realizada durante su gira "Nothing From The Sun Tour" de 1987-88 mientras tocaba en la Arena de Verona, Italia, el 6 de mayo de 1988.
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En un concierto de dos horas que cumplió todo lo que prometió cuando dijo que "el espectáculo de esta noche va a ser un poco largo", Sting y su banda cautivaron a una multitud con entradas agotadas en el Anfiteatro Arena de Verona anoche.
Es sorprendente lo que un show en vivo puede hacer por el material grabado.
Nada sonaba rancio.
Al principio de esta gira 'Nothing Like the Sun' (título inspirado en Shakespeare), la banda se lo está pasando genial.
El show se basó poco en el espectáculo y mucho en la musicalidad, aunque Sting sabe la impresión que causa.
Sí, ser una estrella de rock bien vestida.
Le encanta lo que hace.
Subió a lo alto de las gradas del backstage y se sentó.
Él saludó y movió los dedos a modo de invitación para provocar más aplausos. Dirigió la banda.
Presentó hermosos perfiles y habló con la audiencia.
Además de encanto y una voz que vuela, Sting tiene el sentido musical para elegir excelentes artistas para estas grandes incursiones orquestales hacia el público: Tracy Wormworth, bajo; Branford Marsalis, saxofón; Kenny Kirkland, teclados; Delmar Brown, teclados; Jeff Campbell, guitarra; Mino Cinelu, percusión; y Jean-Paul Ceccarelli a la batería.
Kirkland y Marsalis, los dos únicos supervivientes de la última gira, guiaron a la impecable banda a través de las composiciones más recientes de Sting y dieron vida al álbum.
El concierto estuvo lleno de sorpresas y estallidos de instrumentación, influencias musicales desde el jazz hasta la canción popular, y estuvo impulsado por la seductora y musical percusión de Cinelu.
'Englishman in New York', es una pequeña canción teatral que muestra las mejores habilidades de composición de Sting, donde Kirkland lo pasó genial, mientras Marsalis estaba ocupado haciendo música excelsa con su saxo soprano.
‘Consider Me Gone' tiene al tecladista Brown, cuya voz es sorprendentemente parecida a la de Sting, cantando sus propias notas altas de sintetizador.
Brown es una verdadera caja de sorpresas con rastas.
Cuando no estaba tocando el teclado, saltaba arriba y abajo con alegría.
'Una de las canciones más bonitas, 'Fragile' condujo, con la guitarra acústica de Sting, al arreglo de Gil Evans de "Little Wing".
La guitarra estilo Hendrix de Campbell se estiró hasta lograr un momento único.
En algunos momentos lentos las canciones conducían a instrumentales demasiado quizá demasiado extendidos.
Por otro lado, 'They Dance Alone', un himno a las esposas, madres, hermanas e hijas de los desaparecidos políticos argentinos, habría tenido más sentido si no hubiera encabezado el segundo set.
Los bises trajeron a ‘Fortress Around Your Heart' y 'Don't Stand So Close to Me', durante los cuales Sting se quitó la chaqueta y reveló los mejores brazos del rock'n'roll.
'Russians' y 'Message In A Bottle' cerraron el espectáculo.
En todo caso, esta gira muestra que Sting se relajó y se fue de compras.
Tenía un mundo de ideas musicales en su lista de compras.
Esta fue la reseña del día posterior al show de Sting en Verona del periódico italiano La Repubblica.
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La Arena de Verona es un anfiteatro romano en Piazza Bra en Verona, Italia, construido en el siglo I.
Todavía está en uso hoy en día y es famoso internacionalmente por las representaciones de ópera a gran escala que se ofrecen allí.
Es una de las estructuras antiguas mejor conservadas de su tipo. En la antigüedad, la capacidad del estadio era de casi 30.000 personas.
El escenario para conciertos y representaciones de ópera reduce las plazas disponibles a un máximo de 15.000. Se utilizará como ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2026 en Milán y Cortina d'Ampezzo.
En los últimos tiempos, el estadio también ha acogido numerosos conciertos de bandas internacionales de rock y pop, como Roger Waters, Bruce Springsteen, Pink Floyd, Alicia Keys, One Direction, Simple Minds, Duran Duran, Deep Purple, The Who, Dire Straits, Mike Oldfield, Rod Stewart, Paul McCartney, Pearl Jam y por supuesto Sting.
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Esta grabación pirata es de primera categoría y definitivamente salió directamente de la mesa de sonido, aunque lamentablemente, es solo la segunda mitad del concierto.
Otros lanzamientos piratas (es decir, 'Greetings From Verona' y 'Message from Verona') son conjuntos de CD dobles debido a la lista de canciones de 2 horas, sin embargo, la calidad de la primera mitad del concierto es pobre en comparación a lo que estamos escuchando.
Dicho eso, lo único que lamento es que las canciones del bis de 'Police' no estén incluidas aquí.
En todo caso, un gran bootleg.
De esta forma, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo de este episodio.
Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo.
Nos despedimos con “Russians”. -
Grabado en la primavera de 1984 en Caribou Ranch, en lo alto de las Montañas Rocosas (que se hizo famoso gracias a Elton John, quien nombró su álbum de 1974 con el nombre del estudio), las expectativas en torno al segundo álbum de Dio, The Last In Line, eran altas.
El álbum debut de Dio, Holy Diver, estaba en camino al estatus de platino en los EE. UU. y la sensación en el sello discográfico era que con sólo unos pequeños ajustes a su sucesor el éxito podría ser enorme.
Por esa razón, los jefes del sello querían que el productor de Van Halen, Ted Templeman, supervisara la grabación.
Ronnie James Dio, sin embargo, tenía otras ideas.
“Habíamos hecho todo en Holy Diver, desde la producción hasta la promoción, incluso hasta la portada del álbum.
Todo porque el sello no estaba realmente interesado.
Cuando esto tuvo tanto éxito, ahora todos querían participar en la acción.
Bueno, no. No iba a permitir que eso sucediera”.
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La idea de Dio como banda real no duró mucho tiempo, pero mientras Ronnie James Dio, Vivian Campbell, Vinnie Appice y Jimmy Bain estuvieron juntos, nos regalaron dos muy buenos álbumes.
Puede que The Last in Line no sea tan fuerte en general como su debut Holy Diver de 1983, pero está realmente muy cerca en su nivel y la canción que le da título al álbum bien podría ser uno de sus mayores logros como banda.
El cantante ya había decidido el título del disco, The Last In Line, tras uno de los nuevos temas en los que estaba trabajando la banda y que Dio consideraba “la perfecta canción de rock clásico”.
“Ya tenía la letra”, explicó. Sin embargo, la música fue en gran medida una colaboración de la banda, al igual que siete de las nueve pistas del álbum.
El guitarrista Vivian Campbell compuso la hermosa introducción de arpegio de 50 segundos, mientras que el bajista Jimmy Bain fue el creador “del riff monstruoso”, como lo describió Ronnie en aquellos días.
La reciente incorporación del tecladista de formación clásica Claude Schnell también añadió otra capa importante al sonido del álbum.
“Siempre fue mejor tener la pieza central del álbum en su lugar antes de que comenzara la grabación”, opinó Ronnie.
“Con la canción The Last In Line, supe que teníamos eso”.
El tema fue posteriormente versionado por Tenacious D de Jack Black para el álbum tributo a Dio de 2014 This Is Your Life, y no fue una broma. Jack es un fan acérrimo de la banda. Posteriormente ganó el Grammy a la Mejor Interpretación de Metal.
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El álbum abre con uno de los mejores temas de rock puro de la época, “We Rock”, escrito únicamente por Ronnie.
Por este tipo de canciones, para muchos fanáticos de Dio, The Last In Line sería considerado un logro aún mayor que Holy Diver.
“We Rock” trata de engaños, mentiras y decepciones. De gente que te venderá cualquier cosa que una mentira sea comprobada.
Dicho eso, según Ronnie, aquellos que creen y caen en la gracia de Dios triunfarán.
Ese es Dio: El profeta.
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Otro tema destacado en un álbum cargado de grandes momentos de su carrera, es Mystery, una de las canciones más pegadizas jamás grabadas por Dio, en un coro glorioso con versos sobre "una tormenta en el borde del cielo".
Un tema ciertamente imprescindible.
Aunque, quien curiosamente no estaba de acuerdo con esto es el propio Ronnie, quien declaró años después:
"Hay una canción, 'Mystery', que realmente odio. Está muy orientada al pop, y ahí no es donde reside mi fuerza. Siento que estoy vendiendo mis principios musicales al incluirla en el álbum [The Last in Line". ]. Pero a los otros chicos del grupo les gustó la canción, así que cedí, simplemente no quiero que los fans se me acerquen y me digan: ‘Hey, Dio, te vendiste. Quiero que sepan que 'Mystery' no fue idea mía, solo estaba siendo un buen tipo".
No le hagan caso, es un verdadero temazo y la prueba que los grandes también se equivocan.
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El álbum The Last In Line fue certificado como oro (500.000 unidades vendidas) por la RIAA el 12 de setiembre de 1984, y fue el primer álbum de Dio en ser certificado platino, logrando la hazaña el 3 de febrero de 1987.
En el Reino Unido, obtuvo la certificación Plata (60.000 unidades vendidas) por parte de la Industria Fonográfica Británica, logrando esto en enero de 1986, al mismo tiempo que Holy Diver.
Hasta la fecha, estos son los únicos dos álbumes de Dio que han obtenido al menos la certificación de platino.
Volviendo a lo musical, lo cierto es que cada pista estaba envuelta en una atmósfera: vientos del desierto, el aullido melancólico de un lobo, incluso el sonido de la respiración.
Todo ello dio como resultado uno de los álbumes de metal más trascendentales de los años 80. Algo se reflejó en el hecho de que se convirtió en un gran éxito mundial incluso mayor que Holy Diver.
Dio nunca volvería a ser tan grande, tan genial o tan francamente pesado.
El álbum también terminó con una canción épica fundamental de Dio en Egypt (The Chains Are On), de casi siete minutos de duración.
Esta vez los cuatro miembros originales recibieron el crédito de coautores, con Schnell en los teclados atmosféricos.
¿De qué se trata?
Bueno, para empezar, “la tierra del horizonte perdido”, donde “la magia era fuerte y azul”.
Esto fue The Last In Line de Dio. -
Famoso por su lanzamiento una semana después de la muerte de Kurt Cobain, el segundo álbum de Hole, Live Through This, siempre se ha sentido más profético de lo que nadie hubiera querido que fuera.
Es un álbum grunge en esencia, el furioso gemido de Courtney Love marca cada pista, la banda destroza cada canción como una manada de hienas de punk rock.
La alineación icónica de Live Through This era demasiado buena para durar.
Por un lado, Kristen Pfaff, la bajista de influencia hardcore reclutada por Love, quien murió dos meses después del lanzamiento, añadiendo otro fantasma al álbum.
Por el otro, el guitarrista y cofundador de Hole Eric Erlandson, una pareja menos fugaz, que en éste álbum se luce particularmente, que contiene algunas de las mejores colaboraciones entre Love y Erlandson hasta la fecha.
La portada, con una maníaca reina de belleza riendo y el nombre de la banda estilizado en una fuente tipo Barbie, es su advertencia sobre la supuesta contradicción de la ira femenina.
La foto de Ellen von Unwerth, fotógrafa famosa por su trabajo con las supermodelos de los años 90, es contundente y elegante al mismo tiempo.
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Es bueno poner un poco de contexto sobre la industria musical de 1994.
Estamos en al apogeo total del rock alternativo, dominando los medios junto al hip hop, desplazando casi todo lo que venía de los 80, aunque llegando a un límite de exposición que lo dejaba al borde del paroxismo.
Dicho eso, al igual que los pares grunge de Hole, el rock encabezado por mujeres estaba pasando por un gran momento.
Por poner un par de ejemplos cercanos, el histórico debut de Liz Phair con Exile In Guyville, que se editó el año anterior.
O las hermanas Kim y Kelley Deal de The Breeders (siendo la primera integrante fundamental de los Pixies) tuvieron un sencillo muy exitoso con "Cannonball".
Ni hablar que por aquel momento también comenzaba a asomar la gran PJ Harvey con sus excelentes Dry y Riid Of Me de 1992 y 1993 respectivamente.
Sin embargo, la intensidad de la energía furiosa de Courtney Love, articulada inteligentemente, se destacó en ese momento por sobre el resto.
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Ya conocedora de traumas inimaginables, el dolor de Love se enfoca más claramente en Live Through This.
Su tratamiento descarado de la violencia sexual tiene una cualidad inquietante y cómplice.
Su comprensión íntima de un tipo diferente de miseria es lo que distingue a Hole del resto.
¿Cuál de los contemporáneos del rock de Courtney Love podría cantar acerca de que el Departamento de Servicios para Niños y Familias se llevó a su hija?
Courtney y Kurt perdieron la custodia de su única hija Frances Bean, quien se quedó con su tía (hermana de Love) por varios meses.
Esto sucedió por una infames declaraciones de Love a la reviste Vanity Fair, donde según ella fue sacada de contexto cuando dijo que había consumido drogas durante el embarazo.
La serie de acontecimientos dolorosos en poco tiempo, sus adicciones y el circo mediático en que estaba envuelta hacen difícil de imaginar el lugar de padecimiento que estaba afrontando en ese momento.
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Es difícil hablar de Live Through This y Courtney Love sin mencionar a su marido aún más famoso.
La primera línea de la reseña del álbum que hizo Rolling Stone en 1994 implora al lector:
"Olvídate, sólo por un momento, de todo lo que has oído sobre Courtney Love durante los últimos tres años".
Plagado por rumores sobre la contribución no acreditada de Cobain y la sugerencia ocasional de que él escribió el álbum completo, el sonido tiene claras vibraciones al estilo de Nirvana, pero en los años posteriores, ha quedado más que claro que este es definitivamente el álbum de Courtney Love.
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Los temas para cantar a los gritos como “Miss World” son un vistazo al pulido pop de su próximo álbum, Celebrity Skin (1998).
Aunque dejando de lado lo pegadizo, la violenta guitarra de Erlandson, que funcionó tan bien en su LP debut producido por Kim Gordon, Pretty on the Inside (1991), está lejos de ser tímida.
La percusión gutural y agresiva de Patty Schemel sigue ahí, pero menos cruda, complemento de la elegante producción de esos años noventa.
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Live Through This es un álbum sonoramente pesado y líricamente denso.
Hay un nuevo demonio acechando detrás de cada esquina y las letras son apropiadamente oscuras.
No se habla de sexo con alusiones tímidas, sino con sangre, orina y vómito.
En “Asking For It”, una de varias canciones sobre violencia sexual, Love escupe excusas sórdidas, con la rabia ondeando en su acento.
El estribillo de “adelante, llévate todo, quiero que lo hagas” en “Violet” es una amenaza, no una invitación.
Hasta la relativamente optimista “Rock Star” todavía grita “me enfermas”.
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“Doll Parts”, “Violet” y “Miss World” llegaron a las listas y Live Through This fue nombrado “Álbum del año” por la revista Spin.
El deseo de ser temido en lugar de amado había estado reservado hasta ese momento a los hombres. La capacidad de sentir empatía por una mujer profundamente imperfecta siempre ha eludido a la sociedad, y el legado de Love es un testimonio de ello.
El increíble éxito de Hole a pesar de esta realidad es lo que los hace a ellos (y a Live Through This) legendarios.
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Live Through This fue recibido con elogios de la crítica y llegó a las listas de nueve países antes de convertirse en multiplatino en los EE. UU. en diciembre de 1994.
A pesar de esto, como comentábamos anteriormente, también fue objeto de cierta discusión pública sobre rumores sin fundamento de que el esposo de Love, Kurt Cobain, quien se suicidó una semana antes del lanzamiento del álbum, ayudó a escribirlo como un autor fantasma.
Esta afirmación ha sido cuestionada por los miembros de la banda, los productores y los biógrafos musicales, aunque la banda confirmó que Cobain cantó coros adicionales en dos pistas durante una visita al estudio.
También fue el único álbum de Hole que contó con la bajista Kristen Pfaff, y el último álbum que se lanzó durante su vida, ya que murió dos meses después del lanzamiento del mismo.
En los círculos críticos, Live Through This se considera un clásico contemporáneo y se incluyó en la lista actualizada de 2020 de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos en el puesto 106.
También ha aparecido en el libro 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir y en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de NME, donde ocupó el puesto 84.
Hablando de lo comercial, hasta la última certificación de 2010, Live Through This ha vendido más de 1.6 millones de copias en los Estados Unidos.
De esta forma, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo de este episodio.
Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo.
Esto fue Live Through This, de Hole, en Punto Muerto. -
Se suponía que este show sería en Los Ángeles, pero Pearl Jam estaba en plena guerra con la empresa de venta de entradas Ticketmaster (por sus precios abusivos) y por eso se negaron a hacer un show allí.
En su lugar se eligió el Empire Polo Fields en Indio, California.
Este show se volvió legendario por la diatriba que lanzó Eddie Vedder por el lanzamiento de zapatos.
La gente arrojaba a las bandas zapatos y cualquier otra cosa que pudieran encontrar.
Tan es así, que en un momento Eddie Vedder amenazó con esperar en la puerta y patear a quien estuviera descalzo.
Durante 'Porch', Eddie invita al público a escupirle y terminaron el espectáculo tocando detrás de sus amplificadores para mantenerse alejados de los muchos zapatos que se tiraban al escenario.
Este concierto también fue problemático con respecto al estacionamiento y las bajas temperaturas.
Una multitud fanática ya hacía pogo en la fila durante la prueba de sonido, lo que trajo inconvenientes entre los espectadores, y antes de que comenzara Pearl Jam, un roadie hizo un muy comentado e histérico cover de la canción 'Copa Cabana'.
El público lanzó zapatos al escenario incluso antes y durante los shows de los teloneros.
De hecho, durante el set del grupo Eleven, un zapato golpeó el bombo de Jack Irons, por lo que este detuvo la canción muy enojado y dijo que si descubría quién lo tiró le haría pagar los daños.
Finalmente, Pearl Jam sube al escenario, con el público comportándose escandalosamente mal.
Antes de tocar "Deep", Eddie gritó: "Mata a tu violador local, pero tortúralo primero y luego sírvelo a tu enemigo para cenar".
Más tarde dijo: “El primer chico que conocí hoy me dio este libro y me preguntó si quería saber el secreto para vivir para siempre”. Arrojándolo a la multitud, agregó: "¿Por qué mierda querría vivir para siempre?".
La banda finalmente terminó tocando detrás de sus amplificadores para que los zapatos voladores no los golpeen. Una audiencia que fue horrible.
La grabación de "Blood" de este show se publicó en el sencillo "Daughter" y” Fuck Me in the Brain" se lanzó más tarde en el tercer sencillo del club de fans (como "Ramblings").
Los muchachos de Pearl Jam merecían una medalla por tocar tanto tiempo y tan bien a pesar del alboroto del espantoso público en Indio.
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Temprano en el concierto de Pearl Jam el viernes en el Empire Polo Club en esta ciudad desértica, el cantante Eddie Vedder, comentando sobre la ubicación apartada, dijo a la enorme audiencia:
"Debes correr bastante lejos para conseguir algo de espacio para ti en estos días”.
Pero incluso Vedder, a pesar de todos sus comentarios recientes sobre las presiones del estrellato, probablemente nunca imaginó que más tarde él y sus compañeros de banda tendrían que buscar espacio detrás de los amplificadores, corriendo para protegerse de una andanada de zapatos que les arrojó una parte del público con cerebro de guisante.
Vedder y la banda aprovecharon esto al máximo, escondiéndose de la multitud mientras interpretaban la vieja canción punk de los Dead Boys, “Sonic Reducer”, en un momento memorable de teatro de rock no planificado en el concierto más grande de Pearl Jam hasta el momento en su nueva gira.
Sin embargo, ni el retiro irónico ni el resto del espectáculo respondieron realmente si Pearl Jam, con sus récords de ventas de álbumes, es una banda para todas las edades o solamente la banda del momento.
Vedder no deja dudas sobre su propio talento, y su intensidad carismática no pierde nada en este vasto escenario, donde 25.000 personas se encontraban en medio del desierto de California cantando himnos de alienación juvenil, suicidio y supervivencia.
Se estima que 15.000 de estos concurrentes han conducido las dos horas desde el área de Los Ángeles, que la banda está evitando por ahora.
Vedder se comunicaba claramente con sus fans, y canciones como las nuevas “Daughter” y “Animal” y las ahora clásicas “Alive” y “Jeremy”, retratos de jóvenes atormentados por la traición familiar y un mundo sin reglas básicas, sonaron sólidamente.
La banda, sin embargo, no parecía lista para saltar a la arena y al estatus de cabeza de cartel del estadio, mostrando descuidos ocasionales que podrían haber sido electrizantes en un entorno más pequeño, pero que realmente no se transmitieron al aire libre.
Tal vez sea bueno que, a pesar de todo su impacto, Pearl Jam tenga espacio (y tiempo) para crecer.
El sitio en sí (esencialmente un césped realmente grande, bordeado de palmeras) resultó en general un éxito, acomodando a una gran multitud con relativamente pocos problemas de tráfico y estacionamiento.
Sin duda, fue mucho mejor que los espectáculos de “Lollapalooza” del verano pasado en el Área Recreativa de la Presa de Santa Fe en esos aspectos.
Reseña del periodista Steve Hochman, para el periódico Los Ángeles Times, del concierto del 8 de Noviembre de 1993 que estamos escuchando.
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Este bootleg, llamado “Unauthorised - Jeremy” en particular es uno de los pocos que tiene la fecha de lanzamiento correcta en la portada y es la primera mitad del concierto original.
Sospecho que la segunda mitad del concierto fue lanzada bajo el título “Unauthorised - Blood”, que aún no he localizado, pero espero hacerlo en algún momento.
Este concierto en particular no comienza bien y, para ser honesto, no disfruté mucho las dos primeras pistas.
Las cosas empiezan a mejorar cuando tocan "Animal", aunque no es hasta que tocan "Jeremy" que empiezan a brillar.
En mi opinión, este es, con diferencia, el mejor tema interpretado del show, seguido de cerca por "Daughter" y "Alive".
Para que la experiencia auditiva sea más placentera, me tomé la libertad de mejorar el volumen en todas las canciones y también eliminar el primer minuto de la pista inicial "Release", ya que solo contenía unos pocos clics y golpes mientras la banda sube al escenario.
De esta forma, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo del programa.
Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo.
Nos despedimos con “Reaview Mirror”. -
"Nada en este mundo es gratis", canta Jack White en el tema de apertura de su sexto álbum solista lanzado por sorpresa, marcado como "No Name" en el disco.
Luego del ambicioso par de álbumes de White en 2022, Fear of the Dawn y Entering Heaven Alive, No Name es un disco más estridente que el último de base acústica y algo más crudo que el primero recién nombrado.
Este es un disco cargado con el tipo de rock feroz que sus fanáticos anhelan.
Su energía es inagotable, su dinámica explosiva y, en algunos puntos, sofisticado y sorprendente.
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Con su nuevo álbum, Jack White nos pide que juguemos a fingir amnesia, de alguna manera.
Otros artistas quieren imaginar que son un extraterrestre que visita la Tierra, o un vaquero en el campo, pero con este título y lanzamiento, White planteó una pregunta diferente:
¿Qué pasaría si nunca hubieras oído hablar de Jack White? ¿Qué pasaría si pudieras escuchar su nuevo álbum en solitario sin contexto, sin comparar cada riff con “Icky Thump” o “Seven Nation Army”, como si el proyecto ni siquiera tuviera nombre?
Algunos suscriptores al sello de Jack White, Third Man Records, tuvieron una pequeña muestra de esa experiencia el 19 de julio, cuando junto con sus compras, recibieron vinilos crípticos, blancos como una página excepto por las palabras "No Name”, pero sabiendo del fundador de Third Man Records, la mayoría de ellos debieron haber sospechado del autor de 49 años mucho antes de dejar caer la aguja.
Para cuando White canta las palabras iniciales, "Jackie dijo que te advirtió" en “Old Scratch Blues” que abre el álbum, no podía haber ninguna duda.
La voz de White ya es icónica y sus riffs de guitarra son tan conocidos que han inspirado a muchos.
Ahora lanzado oficialmente en vinilo, con portada de White y sus hijos Scarlett y Henry, con los títulos oficiales para cada canción, todo fan de Jack White simplemente debe buscar por No Name para encontrarlo.
Aún así, si aceptás que los actores empiezan a cantar durante los musicales, o que los policías en los programas de televisión son buenos en su trabajo a pesar de que muchas personas parecen morir después de empezar a investigar, podés seguir el juego con el vinilo blanco de White.
El que no tiene nombre, si querés.
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El álbum es oscuro, pesado, emocionante y hermoso.
La implacable “Bless Yourself”, que acabamos de escuchar, canaliza el poder contundente del primer álbum de Shellac (la banda de Steve Albini) y también del Presence de Led Zeppelin.
Bless Yourself es un ataque complejo, furioso e irónico contra el narcisismo moderno, en el que White grita "Dios a la orden / Dios a la carta / Si Dios está demasiado ocupado, me bendeciré a mí mismo", mientras que en la canción “Archbishop Harold Holmes”, el católico White respira fuego y azufre, y muy al estilo del Antiguo Testamento grita: “¡Al igual que Josué y los legendarios muros de Jericó, estoy aquí para derribar la institución!”
Suena justo, declamatorio y desquiciado.
Como lo describió el periodista Stevie Chick en The Guardian, “suena como Jerry Lee Lewis renacido como rapero, sublime y ridículo en las cantidades justas.”
Si no supieras nada sobre Jack, averiguarías rápidamente que este tipo te puede conmover.
No Name comienza con una línea de guitarra de blues con una melodía que recuerda a J.S. Bach si se quiere, con densas variaciones de algunas ideas que se suceden a lo largo de los trastes.
Las guitarras de la segunda canción “Bless Yourself” no podrían ser más diferentes, como con gruesos cortes de motosierra, mientras que el tema “That's How I'm Feeling” es de una simplicidad sedosa con cuatro notas afinadas que podrían haber impulsado un infierno. Un éxito pop, de hecho, excepto que en lugar de un gancho pop, crea una explosión de garage rock.
No Name es una carta de amor a la guitarra, con algunos de los riffs más creativos en un buen tiempo.
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Las letras van desde lo sencillo hasta lo surrealista y lo entretenidamente astuto.
En “It’s Rough On Rats” canta:
“Por más malo que sea, seguro que debe ser duro para las ratas
El mundo es peor que cuando lo encontramos
Seguro que debe ser duro para las ratas”.
Su voz se desliza y cruje como un látigo en llamas mientras agrega:
"Pero debería dejar de quejarme cada vez que llueve/ ¡Porque todavía no soy comida para gatos!".
Incluso cuando la letra puede parecer más ambigua, el estado de ánimo se transmite.
Un buen ejemplo es el primer verso de “What’s the Rumpus?"
“Se siente como si su reputación volviera a estar en juego
No importa a quién conoces
Hice una promesa
Que mi amor por él era honesto
No está fuera de contexto
Nuestro amor no es un concurso”
Al escuchar esto, podrías pensar que el tono es preocupado o cariñoso.
Sin embargo sólo con escuchar el riff vibrante entendemos que White está marchando hacia la batalla en contra de la posverdad.
“Tengo la sensación de que la verdad se ha convertido en opinión estos días
Ese tren ha salido de la estación pero nuestro amor crecerá”
Jack suena enojado y dispuesto a proteger ese pensamiento.
No es obvio cómo esa energía se traslada al segundo verso que lo encuentra escuchando “Voodoo Woman” de Simon Stokes & The Night Hawks y restaurando un amplificador Sansui muerto, antes de que volvamos a que la verdad se convierta en opinión nuevamente.
¿Cómo se une todo? Con esa línea de guitarra que te hace mover los pies, así que es posible que no tengas tiempo ni ganas de preguntártelo.
Además, esos "¡Oh!" en el puente van a ser muy divertidos de gritar en vivo.
Porque por muy divertido que sea aceptar el cierto vacío conceptual que implica No Name más allá de su sonido, existe dentro de un contexto: una discografía histórica de uno de los últimos Dioses de la guitarra con d mayúscula.
Canciones como “What's the Rumpus?”, “That’s How I’m Feeling”, “Bless Yourself” e “It's Rough on Rats (If You're Asking)” se interpretarán en muchos conciertos de Jack White, donde probablemente vuelen el techo del lugar.
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El agradable y ligeramente menos inspirado Lado B de No Name tiene una estética tan clara y con su influencia que ha sido tan vasta que todo, excepto las canciones más memorables, pueden resultar un poco familiares: la misma familiaridad que No Name buscaba evitar, pero después de décadas de escucharte Jack, eso es imposible.
Para ser claros, hay mucho que apreciar en el lado B como el riff elegante que impulsa “Underground” que escuchamos como segunda canción del programa, la reverberación texturizada y el estribillo de aplausos de “Morning to Midnight” y los gritos llenos de adrenalina de “Missionary”.
El sentimiento de los White Stripes está definitivamente ahí.
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Dicho sin rodeos, No Name es un disco de rock increíblemente satisfactorio.
Suena más a White Stripes que a cualquier cosa que White haya grabado desde la desaparición de la banda.
Sus 13 canciones están impulsadas por el blues, su interpretación evoca a la de Elmore James y Jimmy Page, oscilando entre riffs con los nudillos desnudos y una dulce guitarra slide con un filo de navaja.
La instrumentación se reduce a lo que importa, a lo que es necesario.
Además, la batería a menudo canaliza aquel golpe mágico primordial de la interpretación poética y simple de la profundamente extrañada Meg White.
Escuchamos “Tonight (Was A Long Time Ago)” y “Number One With A Bullet”.
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Nos vamos yendo, nos vamos despidiendo con el tema final, “Terminal Archenemy Endling”, que encuentra un agradable contraste entre versos melancólicos y un estribillo violento en el que White reflexiona “Pensé que lo sabía todo, pensé que lo sabía todo”.
Lo cierto es que no van a encontrar ninguna canción para saltearse en los 43 minutos de duración del trabajo.
Además, No Name se siente muy pesado en el mejor de los sentidos.
Claro, la mejor escena de “Salvar al soldado Ryan” es la primera.
Si bien es cierto que la primera parte del disco supera a la última, No Name tiene temas estelares y, en conjunto, es probablemente el álbum en solitario más divertido de Jack White desde Blunderbuss.
Es posible que la gente siga dándole vueltas dentro de unas décadas, o puede que no, pero preocuparse por el legado es definitivamente pensar demasiado en las cosas.
La mejor manera de disfrutar de No Name es dejar la mente en blanco, como la primera presentación que tuvo, y simplemente presionar “play”.
Esto fue No Name, de Jack White, en Punto Muerto. -
Bon Jovi es una banda de rock estadounidense de Sayreville, New Jersey.
Formados en 1983, Bon Jovi está integrado por el cantante principal y homónimo Jon Bon Jovi, el pianista y tecladista David Bryan y el baterista Tico Torres.
La formación de la banda se ha mantenido mayormente estática durante su historia, con las únicas excepciones del despido en 1994 del bajista Alec John Such, quien fue reemplazado extraoficialmente por Hugh McDonald, y la partida del guitarrista y co-compositor Richie Sambora en 2013.
En 1986, Bon Jovi logró un amplio reconocimiento mundial con su tercer álbum, Slippery When Wet.
Luego, el cuarto álbum de la banda, New Jersey, tuvo el mismo éxito y popularidad en 1988.
Después de realizar giras y grabar sin parar a finales de los 80, la banda hizo una pausa tras la gira de presentación de New Jersey en 1990, tiempo durante el cual Jon Bon Jovi y Richie Sambora lanzaron con éxito álbumes en solitario.
“Blaze Of Glory” el de Jon y Stranger in This Town el de Richie
En 1992, la banda regresó con el muy exitoso álbum Keep the Faith.
Keep the Faith alcanzó el puesto número cinco en la lista Billboard 200 de EE. UU. y fue certificado como doble platino por la Recording Industry Association of America (RIAA).
El álbum produjo varios éxitos para la banda, incluidos "Keep the Faith", "Bed of Roses" e "In These Arms".
Keep the Faith es el tercer álbum más representado en las listas de conciertos de Bon Jovi detrás de Slippery When Wet y New Jersey.
Nosotros escucharemos el show que Bon Jovi ofreció en Inglaterra, más precisamente en el Milton Keynes National Bowl, el 19 de setiembre de 1993.
Ahí vamos.
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La gira 'I'll Sleep When I'm Dead', que fue la que sucedió a la de “Keep The Faith”, promocionaron al álbum del mismo nombre, realizándose durante la segunda mitad de 1993 y es de esta gira que se tomó la grabación pirata que estamos escuchando en el Milton Keynes National Bowl, en Inglaterra, el 18 y 19 de setiembre de 1993.
La gira fue una extensión del 'Keep the Faith Tour' que promocionaba el álbum multiplatino de 1992 'Keep the Faith'.
La gira regresó a Europa, Asia y América del Norte y también visitó países como Australia y Argentina, que no fueron visitados durante la gira inicial de Keep the Faith a principios de año.
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Este es un excelente concierto de Bon Jovi en su gira I'll Sleep When I'm Dead en apoyo de su álbum Keep The Faith.
Fue grabado en vivo para Radio 1 de la BBC en el Reino Unido, por lo que este es un gran pirata del concierto, de gran calidad de sonido. Cinco estrellas.
Bon Jovi estaba en un momento consistente en vivo, por lo que en esta época era difícil verles un mal show.
Eran profesionales de antaño en 1993, después de estar juntos durante una década y superar las secuelas del gigantesco éxito de Slippery/Jersey.
Nosotros nos vamos yendo de éste episodio con I'll Be There For You.
Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo.
“Elvis is still in the building, goodnight Montevideo City.” -
El álbum Bleach, de Nirvana, se grabó por sólo 606 dólares, una cantidad frugal para el trío formado por Kurt Cobain, Krist Novoselic y el entonces baterista Chad Channing.
Nirvana pasó por una serie de bateristas, cuatro en total, antes de que Dave Grohl se quedara definitivamente con el puesto.
El álbum fue grabado en los estudios Reciprocal Recording, que estaba ubicado en el vecindario Ballard en Seattle.
El pequeño estudio triangular, dirigido por Chris Hanzsek, Jack Endino y Rich Hinklin, sigue siendo icónico por las grabaciones de bandas indies de todo Estados Unidos en aquellos días, la mayoría de las cuales eran artistas asociados con C/Z Records, Twin Tone, Amphetamine, Reptile y por supuesto por Sub Pop; el sello de Nirvana en aquel entonces.
Aunque, más que nada, el estudio es conocido por ser el lugar de nacimiento de la música "grunge", habiendo grabado los primeros álbumes de bandas como Soundgarden, Mudhoney y Green River.
El 23 de enero de 1989, Nirvana grabó su primer demo con Jack Endino, quien luego envió una copia a Sub Pop.
Unos meses más tarde, Nirvana regresó al estudio para grabar Bleach para el sello.
Un comienzo humilde para un disco que ha vendido más de dos millones de copias y sigue siendo el lanzamiento más vendido de Sub Pop.
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Siempre sentí que Bleach, más que cualquier otro álbum, era el sonido de la ciudad de Seattle y su gente.
A lo largo de 35 años, Bleach ha sido evaluado y analizado una y otra vez, considerado por algunos como el álbum grunge definitivo y por la mayoría como un disco fundamental en el género.
Dicho eso, siempre pensé que el grunge no es un género musical, sino una subcultura, definida por ciertos rasgos emocionales y muy influenciada por el entorno del que surgió.
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Como la mayoría de las personas, no experimenté Bleach en su totalidad hasta dos o tres años después de su lanzamiento inicial.
Cuando era adolescente, me hice familiar con Nirvana gracias a verlos en el programa del canal 10 uruguayo que te pasaba un resumen diario de lo mejor de MTV o escucharlos en un par de radios de Montevideo (las viejas El Dorado y Emisora Del Palacio), donde “Smells Like Teen Spirit” sonaba casi que una vez por hora.
Luego aparecieron “Lithium” y “Come As You Are”, lo que hizo que a mediados de 1992 me comprara el álbum Nevermind en cassette.
Mucho después se vio la icónica camiseta con la cara sonriente de Nirvana en todas partes y se conoció el nombre de la banda de manera más popular, además de su mensaje.
Fue Nevermind de Nirvana lo que atrajo la atención del grunge a las masas, y por más revolucionario que fuera ese disco (no creo que nadie esté discutiendo eso), fue su predecesor embrionario el que realmente resume lo que significa ser "grunge".
Bleach, no Nevermind, evoca el noroeste del Pacífico en EEUU.
No, no representa a los hipsters veganos que elaboran cerveza, ni ningún cliché ahora asociado con esa otra subcultura que también se asocian con la región.
Bleach representa esa especie de ambiente triste y lúgubre del noroeste del Pacífico, ese sentimiento que tan bien se trasladó al resto del mundo, que millones de adolescentes (dejando su apatía de lado) hicieron suyo.
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Bleach suena crudo, auténtico, emotivo, lleno de ansiedad (una combinación perfecta para la personalidad neurótica, deprimida y muy ansiosa de la generación X) y no solamente como un producto del mismo entorno que dio forma a los habitantes de la región, sino que a los jóvenes de toda una época.
En ese noroeste del Pacífico de los EEUU, el adolescente pasivo, apático y privado de derechos crece hasta convertirse en el mismo adulto, como resultado de haber sido criado y permanecer en una tierra de lluvia perpetua donde se ve más oscuridad que luz.
Algo con lo que esa generación X se vería muy representada, sin importar el clima en que se viviese.
La magnificencia pop que todos escucharon en Nevermind fue la versión más pulida y más fácilmente digerible del sentimiento en Bleach.
Nevermind tenía los mismos gemidos guturales de frustración y aislamiento sin estar enterrado en el barro, pero inteligentemente para su venta, no tenía la verdadera sensibilidad de angustia adolescente que se encuentra en Bleach.
Cuando escucho a Kurt Cobain armonizar consigo mismo en la furiosa canción punk “Negative Creep”, o hacer eco a través del, “You're in high school again/ You're in high school again”, en “School”, se siente al instante una dolorosa autoconciencia y ansiedad, la misma que sentí cuando era adolescente al escuchar el disco por primera vez y darme cuenta, como alude “School”, de que en realidad nunca dejás la secundaria (el liceo, como decimos acá) y que el mundo cae en una especie de caos.
Los mismos patrones inútiles, sin importar dónde estés o qué edad tengas, un sentimiento que realmente me ha seguido hasta mi vida adulta.
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La música y las letras de Bleach suenan como si estuvieran siendo masticadas y escupidas, y hay una tensión y agresión con la que nos identificamos, un tipo que difiere del espíritu de la época capturado en Nevermind y el resto de la discografía de Nirvana, que el mundo reclamaron para sí mismos cuando Seattle explotó.
La idea detrás de canciones como “Smells Like Teen Spirit” y “Come as You Are” es que la juventud de la época sólo podía encogerse de hombros y murmurar, y gracias a un buen oído para los estribillos y las letras del pop, con esta banda de punk que pudo resumir a toda una generación de jóvenes frustrados e insatisfechos.
Sin embargo, lo que esta retrospectiva no logra entender es que incluso después de que el sonido de Seattle y todo lo que vino con él, incluidas las hordas de imitadores u oportunistas, se desvanecieron a finales de los años 90, los sentimientos suscitados por Nirvana siguen muy vivos con el paso del tiempo.
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Bleach captura algo más que el fragmento social del grunge con sus tempos más lentos, armonías disonantes, instrumentación compleja y letras llenas de angustia que a menudo abordan temas de alienación social, apatía, confinamiento y deseo de libertad, temas que surgen de vivir en un lugar donde hay más árboles que personas y donde se hereda la sensación de asfixia por el paisaje.
Bleach es un estilo de vida, un sonido, una cultura, que se creó a partir del sentimiento de ese lugar, de gente que está repleta con esa inexplicable energía del noroeste del Pacífico de los Estados Unidos.
Gente que creció con el frío, la lluvia y los cielos nublados.
Bleach entiende estar atrapado en casa y no tener otra forma de liberar el deseo de autodestrucción que hacer un montón de ruido, golpear algunos instrumentos y gritar.
Ese sentimiento, esa sensación de ahogo, quedó demostrado que no tenía que ver solamente con la geografía. Era el sentimiento de una generación hija de Vietnam en el norte e hija de las dictaduras en el sur.
Había que gritar y hacer ruido, porque sino lo hacíamos, íbamos a implosionar.
Escrito y relatado con material de Consequence of Sound, Rolling Stone y Albumism. -
De pie en el escenario del Ed Sullivan Show en Studio 50 (ahora llamado Ed Sullivan Theatre) el 9 de febrero de 1964, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr estaban felizmente inconscientes del profundo impacto que estaban a punto de tener en las vidas de innumerables adolescentes.
Los niños corrieron a su tienda de música local, ansiosos por comprar una guitarra y formar su propia banda.
Cinco meses después, The Beatles estrenaron A Hard Day’s Night, que coincidió con su primer largometraje del mismo nombre, dirigido por Richard Lester. Con el lanzamiento del LP, quedó claro que no sólo su música había evolucionado, sino que la Beatlemanía estaba arraigada y no mostraba signos de desvanecerse en el corto plazo. Su popularidad se había extendido mucho más allá de las fronteras de Gran Bretaña.
A diferencia de sus álbumes anteriores, A Hard Day's Night mostró el talento de la banda como compositores y todas las pistas fueron compuestas por Lennon y McCartney.
La primera canción del LP es la canción principal, que presenta uno de los acordes iniciales más identificables de la música rock.
El título del álbum y de la película fue creación accidental de Starr.
En una entrevista de 1964 con el disc jockey de Los Ángeles, Dave Hull, dijo: “Fuimos a hacer un trabajo, trabajamos todo el día y casualmente trabajamos toda la noche. Llegué todavía pensando que era de día, supongo, y dije: 'Ha sido un día difícil...' y miré a mi alrededor y vi que estaba oscuro, así que agregué: '... ¡de noche!'
Así que llegamos a 'A Hard Day's Night'. .'”
John Lennon usó la frase "A hard day's night" en su libro In His Own Write antes de que se usara como título de una canción o una película y fue quien escribió esta canción, que contiene notas largas y repetidas que son poco comunes en la música pop.
Albert Goldman escribió en su libro de 1980 Las vidas de John Lennon: "Toda la composición está escrita en clave mixolídica, una clave antigua que fue abandonada a principios del siglo XVII, pero que se mantiene en la música folclórica inglesa e irlandesa".
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Cuando “I Should Have Known Better” llega a su fin, queda claro que se muestra el talento incipiente de Lennon y McCartney como compositores, ya que fusionaron los mundos del rock 'n' roll y la música pop de una manera que es a la vez innovadora y agradable.
El dúo demostró que estaban en camino de convertirse en dupla compositiva imbatible.
El tema se usó en una escena de la película “A Hard Day’s Night” donde Los Beatles se la cantan a un grupo de chicas en el vagón de equipaje de un tren, una de las cuales fue interpretada por una actriz llamada Pattie Boyd.
Esta fue la primera vez que George Harrison la vio; se enamoró y se casó con ella unos años después.
Se divorciaron en 1977 y Pattie se casó con el amigo de Harrison, Eric Clapton, en 1979. Ese matrimonio también terminó en divorcio, pero en el camino, Pattie inspiró algunas de las canciones más famosas de todos los tiempos, incluidas "Something" de The Beatles y "Layla" de Eric Clapton.
Por otro lado, la utilización magistral por parte de Harrison de la guitarra Rickenbacker de 12 cuerdas es uno de los elementos más destacados de este álbum. Su sonido de repique se convirtió en una característica definitoria en temas como “A Hard Day’s Night” y “I Should Have Known Better”, añadiendo una calidad inaudita en la música convencional de la época.
El sonido, que fue utilizado sobre todo por The Byrds, se convirtió en una parte integral del género folk-rock.
Les insto a que escuchen atentamente la canción “Turn, Turn, Turn” para confirmarlo.
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“If I Fell” pasa a un tono más suave, mientras las intrincadas armonías vocales de Lennon y McCartney profundizan delicadamente en las complejidades de la vulnerabilidad en las relaciones.
John Lennon escribió esta canción, que pudo haber sido influenciada por la ambivalencia que sintió durante su primer matrimonio.
Lennon la llamó "mi primer intento de balada, es semi autobiográfica, pero no conscientemente".
Lennon y McCartney cantaron juntos en el mismo micrófono al grabar “If I Fell”.
John cantó la voz principal en la introducción, luego Paul cantó en voz alta mientras John cantaba en armonía.
La estructura de la canción es bastante novedosa.
Se abre con una introducción que no contiene elementos musicales que se encuentran en el resto de la canción, y el cuerpo del tema no tiene una estructura real de verso/estribillo, solo dos versos que giran a la mitad en un acorde inesperado.
Con “And I Love Her” de McCartney, un ritmo de inspiración latina (donde Ringo toca los bongoes) ocupa un lugar central, mientras que “Tell Me Why” de Lennon regresa con tempos animados y ganchos pegadizos.
Al escuchar estas pistas, comenzás a notar las firmas musicales únicas de cada compositor.
Sobre “And I Love Her”, en una entrevista de 1984 con la revista Playboy, Paul afirmó: "Es sólo una canción de amor; no, no era para nadie en particular".
Probablemente eso fue lo más caballeroso, ya que para entonces llevaba 15 años casado con Linda.
Cuando escribió la canción, estaba saliendo con una actriz llamada Jane Asher.
Durante un tiempo fueron la pareja más popular de Inglaterra.
Después de que se separaron en 1968, McCartney se casó con Linda Eastman en 1969.
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En cada álbum, Harrison recibe una o dos canciones, mostrando su estilo musical único y su profundidad lírica.
Supongo que si estás en una banda con Lennon y McCartney, será mejor que aproveches esa oportunidad al máximo. Con “I’m Happy Just to Dance With You”, Harrison aprovecha la oportunidad para mostrar su talento, inyectando una energía vibrante en la canción que complementa perfectamente la vibra alegre del álbum.
Sin embargo, sería muy injusto quedarse solamente con ese aporte de George al álbum.
En “A Hard Day’s Night”, Harrison comienza a mostrar un estilo característico y ampliamente influyente en el resto de la música pop de los 60.
Un gran ejemplo del sonido Harrison es la canción “You Can't Do That”, que fue grabada en nueve tomas, justamente el día del cumpleaños número 21 de George Harrison el 25 de Febrero de 1964 (en la misma sesión que "And I Love Her" y "I Should Have Known Better"), aunque en mayo, el productor George Martin sobregrabó un piano haciendo una décima toma que fue no fue usada.
La que vio la luz del día fue la toma número 9.
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Otro clásico de McCartney, “Can’t Buy Me Love”, logró la notable hazaña de dispararse del puesto 27 al 1 en las listas de Billboard. Fue el mayor salto de cualquier sencillo antes de que comenzara la era SoundScan en 1991.
A pesar de los rumores en sentido contrario, Paul afirmó que no se trataba de una prostituta.
Más bien, la canción hace una declaración simple pero profunda sobre las cosas más importantes en la vida.
Esta canción fue grabada el 29 de enero de 1964 en París, aunque cuando Los Beatles regresaron a Gran Bretaña, George Harrison decidió sobregrabar otra parte de guitarra solista en Londres.
Igualmente, el solo original todavía se escucha de fondo.
Por otro lado, como se menciona en el libro Money for Nothing de Saul Austerlitz, la canción ocupa el puesto 33 en la lista de videos musicales más influyentes, siendo su parte en el film “A Hard Day’s Night” uno de los momentos más divertidos y originales de la cinta.
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Con temas más escondidos como “Any Time at All” y “Things We Said Today”, la banda ataca emociones más profundas, bellamente capturadas por la pulida producción de George Martin.
“Any Time at All” es una de esas canciones que se terminó "sobre la marcha", por así decirlo.
John Lennon la tenía a medio escribir cuando entraron al estudio y simplemente la terminó y la grabó allí.
El propio Lennon la llamó "Un esfuerzo por escribir 'It Won’t Be Long', pero conmigo gritando".
Luego escucharemos “Things We Said Today”, que Paul McCartney escribió en un yate mientras estaba de vacaciones en Las Bahamas y lejos de su novia.
Junto con McCartney en el viaje en yate estaban Ringo Starr y su novia y futura esposa Maureen.
"Things We Said Today" se grabó en los legendarios Abbey Road Studios, hogar de los Beatles durante la mayor parte de su carrera juntos y al que luego se le rindió homenaje en el álbum Abbey Road de 1969.
Abbey Road comenzó como una casa de nueve habitaciones construida en 1930 antes de convertirse en apartamentos. Gramophone compró la propiedad después y la convirtió en un estudio.
La primera canción de rock and roll europea grabada allí fue "Move It" de Cliff Richard, lanzada en 1958.
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El lado introspectivo de Lennon emerge en temas como “I’ll Cry Instead”, que examina sus sentimientos de frustración y resiliencia.
No dejen que la alegre melodía de rockabilly los engañe, la canción es bastante triste, con John Lennon castigándose a sí mismo porque perdió a su chica.
Le gustaría encerrarse, pero como no puede, se conforma con un buen llanto.
Este tema se explora más a fondo en su legendario sencillo de 1965 titulado "Help!"
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A Hard Day's Night no sólo logró un éxito comercial extraordinario, sino que también sirvió como un momento crucial en la carrera de The Beatles, mostrando su crecimiento y evolución.
El álbum captura la evolución de la banda desde sus días de gira en Hamburgo, además de destacar su transición hacia un sonido pop más refinado.
Esto queda claro en las impecables armonías e innovadoras progresiones de acordes de Lennon y McCartney, que inspirarían a una innumerable cantidad de artistas.
Ni hablar del sonido de la Rickenbacker de 12 cuerdas de George Harrison, que marcó un antes y un después en la forma de tocar la guitarra.
A Hard Day's Night fue una instantánea duradera de Los Beatles en un momento en el que todavía estaban a punto de desatar su verdadera destreza artística.
Con la bellísima “I’ll Be Back”, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo de este episodio.
Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo.
Esto fue A Hard Day's Night, de los Beatles, en Punto Muerto. -
Los Young Marble Giants se originaron en Cardiff, Gales durante 1978.
Su minimalismo fue influenciado por la escena punk, pero en marcado contraste, despojaron su sonido a lo básico, creando música basada en la voz de Alison Statton y la escasa instrumentación de los hermanos Philip y Stuart Moxham.
Siendo otra de las bandas favoritas de John Peel, el legendario DJ, que comenzó a pasar su música en Radio 1 de la BBC después del lanzamiento de su álbum Colossal Youth.
Presentó su sonido a una audiencia más amplia en el Reino Unido, habiendo una grabación de noventa minutos del programa transmitido el martes 26 de agosto de 1980, disponible en John Peel Wiki que incluye la sesión de Young Marble Giants, que también les recomiendo escuchar.
La banda lanzó su debut y único álbum de estudio, Colossal Youth, en febrero de 1980.
El sencillo debut 'Final Day' fue lanzado en abril de 1980 y dos de los temas 'Radio Silents' y 'Colossal Youth' se incluyeron en este set en vivo que vamos a repasar.
Esta grabación fue realizada y conservada por el coleccionista/ingeniero Terry Hammer, para su transmisión en la estación KALX de la Universidad de California de Berkeley, una de muchas otras del período 1979-1981.
Terry obtenía una señal decente de la mesa de mezclas de sonido y luego mezclaba directamente en carrete a carrete de 2 pistas (y platina de casete para respaldo y uso personal) usando auriculares.
Se mezcló utilizando una mesa de mezclas con uno o dos micrófonos de audiencia adicionales en la misma.
Estas grabaciones se publicaron en el sitio de torrents Dime y provocaron una tormenta de interés.
Se encuentran fácilmente bajo el título 'Terry Hammer Tape Project' o THTP para abreviar.
Así que viajamos al 26 de Octubre de 1980, más precisamente al Civic Center en la ciudad de San Francisco, para escuchar a Young Marble Giants.
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Los miembros de Young Marble Giants habían estado anteriormente en una banda llamada True Wheel.
La novia de Stuart Moxham, Wendy Smith, le prestó el dinero para comprar su Rickenbacker.
Smith, una estudiante de arte en Cardiff en el momento en que se formaron Young Marble Giants, fotografió la gira de la banda por Estados Unidos y también diseñó la portada de varios sencillos y álbumes de Weekend (la banda posterior a la separación de Young Marble Giants de la cantante Alison Statton).
Muy temprano en su existencia, hubo un cuarto miembro de la banda, Peter Joyce, que era primo de los hermanos Moxham.
Joyce era ingeniero y experto en electrónica, y había fabricado su propio sintetizador a partir de un kit.
Hizo sonidos similares a los sintetizadores de Eno en los primeros años de Roxy Music y Kraftwerk, los cuales empleaban electrónica similar de "baja y alta tecnología".
Los Young Marble Giants utilizaron grabaciones de la caja de ritmos casera de Joyce, ya que no querían tener un baterista en ese momento.
También se interesaron por los dispositivos de efectos como moduladores en anillo y unidades de reverberación, poniendo siempre énfasis en la simplicidad.
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Su primer lanzamiento en vinilo fue en el LP recopilatorio Is the War Over? en el sello DYS de Cardiff, Z Block Records, en octubre de 1979.
Luego, mientras firmaban con el sello discográfico independiente del Reino Unido, Rough Trade Records, los YMG lanzaron dos EP, Final Day y Testcard, y el álbum, Colossal Youth (una referencia a las estatuas de mármol griegas 'Kouroi', de las cuales los YMG se inspiraron para su nombre).
La banda realizó una gira por Europa y América del Norte y tocó en Berlín, Los Ángeles, San Francisco, Vancouver y New York. Los compañeros de gira incluyeron la banda Cabaret Voltaire.
En septiembre de 1980, tocaron en el festival Futurama de rock gótico en Leeds.
Se separaron en 1981, tomando diferentes caminos musicales, para reunirse en 2007.
De esta forma, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo de este episodio.
Espero lo hayan disfrutado tanto como.
“Elvis is still in the building, goodnight Montevideo City.” - Vis mere
