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A través de un recorrido sobre prácticas musicales gestadas en diversas localidades iberoamericanas, desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, 'Escenas Diversas: Drama, Humor y Música' hace de la diversidad de las escenas musicales, una de sus mayores fortalezas. En esta obra, el concepto de “escena” se convierte en un ámbito discursivo oportuno para construir aproximaciones dinámicas y flexibles sobre el quehacer musical, ya sea del pasado histórico o del accionar reciente.
Este volumen constituye un compendio de estudios de caso acontecidos en ciudades de España, Argentina, México, Cuba, Venezuela y Colombia, con el objetivo de contribuir a los debates actuales sobre escenas musicales desde su propia diversidad, asociada a elementos discursivos propios del drama social y el humor inteligente. Desde su individualidad, en cada capítulo se busca conciliar una mirada histórica a escenas pasadas y su pervivencia en documentos musicales de diversa índole. Además, se aborda la creciente virtualización y desterritorialización física de las escenas musicales de alcance glocal, a raíz de la actual situación pandémica.
De gran interés para todo aquel atraído por los estudios culturales, la música y los estudios latinoamericanos, 'Escenas Diversas' contribuye a la creación de nuevas y múltiples instancias comunicativas para la socialización de conocimientos especializados sobre nuestras escenas musicales.
Entrevista realizada por Irene Ceballos Benavides
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En noviembre del 2010 la pirekua fue considerada Patrimonio cultural inmaterial de la Humanidad por la UNESCO. Su nombramiento causó controversia al no haber sido ni consultados, ni informados los pirericha y músicos p’urhépecha por las instituciones de nivel federal, ni de nivel estatal. El proceso de patrimonialización evidenció la prevalencia de los intereses turísticos por encima de los comunitarios y por lo tanto un interés real institucional en su salvaguarda. No obstante en las comunidades, los músicos y pirericha realizan esfuerzos para que esta expresión -y forma de vida- mantenga su continuidad.
El presente libro aborda las formas de entender y de valorar la práctica del canto desde quienes lo crean y lo mantienen vivo en las comunidades: los pirericha y sus músicos. El libro hace un recorrido por las políticas culturales de distintos niveles enfocadas a las músicas tradicionales en México, los complejos contextos sociales del canto y las acciones y estrategias que los pirericha y los músicos imaginan, proponen o crean para mantener latiendo su larga tradición lírico-musical en condiciones sociales y económicas adversas.
Georgina Flores Mercado
Es doctora en Psicología social por la Universidad de Barcelona e investigadora en el Instituto de Investigaciones Sociales de la UNAM. Ha sido responsable de proyectos de investigación relacionados con la identidad, la memoria, la música tradicional y las políticas patrimoniales en pueblos indígenas y rurales de México. Es docente en los posgrados en Ciencias Políticas y Sociales y en Música ambos de la UNAM. Sus libros recientemente publicados son: Un futuro posible para la pirekua. Políticas patrimoniales, música tradicional e identidad p’urhépecha (2020). La pirekua como patrimonio cultural inmaterial. Efectos del nuevo paradigma patrimonial (2017) y junto con Fernando Nava, Identidades en venta. Músicas tradicionales y turismo en México (2016). Además de ser autora de diversos artículos relacionados con el tema, ha coordinado fonogramas como: Música y danza de Morelos. Los doce Pares de Francia de Totolapan, Morelos en la serie Testimonio Musical de México de la Fonoteca del INAH (2013).
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Este libro es el resultado de una fascinación: la fascinación de Patricia Iriarte por la música, por la tradición popular y por la figura de la cantadora Sonia Bazanta Vides, a quien el mundo identifica con el sonoro nombre de Totó La Momposina.
El alma guerrera de Totó está presente en cada página y los detalles son fascinantes. Su infancia, sus inicios, su conciencia temprana de ser una columna del folclor... y luego el viaje a Estocolmo, como parte de la comitiva que acompañó a Gabo a recibir el Premio Noboel, la atracción que los oyentes europeos sintieron por su presencia escénica y la manera como esa fuerza de los conciertos se vio replicada en una serie de discos que hoy son imprescindibles para comprender las músicas del Caribe colombiano.
Esa aventura constante a ritmo de tambores, llevando por el mundo la bandera de su folclor, es narrado por Patricia con un tono poético que en ningún momento desatiende el rigor investigativo. Su base son entrevistas hechas a lo largo de varios años, no solo con la artista sino con su núcleo familiar, amigos, músicos, empresarios y críticos. La cantadora y periodista han sabido encontrarse: una vida que merecía ser contada encuentra, en esta edición revisada y ampliada, el complemento idóneo de la música. Totó La Momposina es cumbia, chalupa, chandé, pero para otros oídos más allá de las fronteras de su país es ""world music". Esta biografía acierta al combinar lo local con lo universal y termina dándole a Totó un estatus justo y merecido en la escena de los sonidos del mundo.
Juan Carlos Garay
Entrevista realizada por María Alejandra De Ávila López
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Si hablamos de música tropical son muchos los géneros musicales que saltan a la vista: el reggae, la salsa, o el reciente reguetón. Pero si hablamos de música tropical colombiana, podemos hablar de la cumbia o incluso del vallenato los cuales gozan de categoría propia en los Grammy Latino desde 2006, una muestra de cómo se han extendido los sonidos colombianos a través de Latinoamérica y cómo estos son géneros identitarios del país suramericano. Sin embargo, esto no siempre fue así y Peter Wade con su libro “Música, raza y nación. Música tropical en Colombia” nos muestra cómo fue ese proceso desde los años 40 y 50 del Siglo XX.
La música tropical colombiana, como ya lo hemos hablado en otro podcast con la cumbia[1], gozo desde mediados del siglo XX de un éxito rotundo el cual hizo que se expandiera a través de Latinoamérica y que incluso aún siga vigente. Sin embargo, ¿qué pasaba en la Colombia de mediados del Siglo XX con esta música? ¿Qué pasaba con la música del caribe en el resto del país? ¿Era aceptada la música del Caribe por los colombianos? ¿Era lo que las elites querían mostrar como nación? ¿Qué pasaba con su identidad colombiana y la música? Estos son algunos temas en donde Wade hace su contribución, desde la antropología, a finales de los años 90 y comienzos del 2000. El libro de Wade problematiza la música mostrando cuestiones de raza e identidad de nación en Colombia. Un libro ya clásico entre la bibliografía sobre relaciones étnicas y raciales en Colombia y Latinoamérica.
Peter Wade es antropólogo británico, doctor en antropología social por la Universidad de Cambridge y, actualmente, profesor de la Universidad de Manchester. Autor de numerosos libros y artículos sobre la categoría de raza, etnicidad y sexualidad en América Latina, entre los que se destacan “Raza y etnicidad en Latinoamérica” del año 2000, considerado un libro imprescindible para quienes estudian la región y el libro “Gente negra, nación mestiza” en el año 1997.
Presentador y anfitrión del podcast: Diego A Garzon-Forero
PARA TENER EN CUENTA: Cada vez que tengo la oportunidad de hablar sobre música y Ciencias Sociales o Humanas, los invito a que escuchen la conversación acompañada del contexto sonoro, quiero invitarlos a que, abran su cuenta en Spotify, Apple Music, o YouTube y reproduzcan música tropical colombiana de los 40 y los 50. Así se harán a un contexto sonoro de lo que vamos hablando.
[1] Ver podcast con Darío Blanco Arboleda: https://newbooksnetwork.com/es...
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Antes de comenzar a escuchar este podcast, le sugiero reproducir la lista de canciones que dejamos en esta publicación. Allí encontrará algunas canciones seleccionadas por el autor de este libro quien nos puede dar a conocer muchos sonidos de la cumbia. Hablar de música y de cumbia requiere que también la escuchemos, por ello le aconsejo reproducir la lista en un bajo tono mientras vamos hablando con Darío Blanco Arboleda, autor de “La cumbia como matriz sonora de Latinoamérica. Identidad y cultura continental”.
Playlist para acompañar el podcast.
Canciones de las diversas cumbias de Latinoamérica son “Cumbia sobre el rio” de Celso Piña en México… “Alza las manos” de Damas Gratis en Argentina… “La Danza de Los Mirlos” de Los Mirlos en Perú… o “La subienda” de Gabriel Romero en Colombia… Si usted reconoce alguna de estas canciones, lo invito o la invita a quedarse a escuchar todo este podcast porque seguro le va a interesar. Todas estas son canciones populares en cada uno de esos países, y la vez todas son representaciones nacionales de la cumbia. Un género musical que comúnmente tiene su ubicación inicial en Colombia, pero que se ha trasladado a toda Latinoamérica.
Claramente hay algo en la cumbia que no se quedó solo en Colombia, sino que se trasladó a otros países de Latinoamérica. El libro que exploraremos hoy trata de este tema, sobre la cumbia, y por qué la cumbia es un sonido común que nos identifica a los latinoamericanos. Una identidad que está ligada a los extractos populares de nuestras sociedades. Un género musical que ha luchado por mantenerse a través de los años y sigue muy vigente.
El sonido de la cumbia ha llegado a Japón (un gran ejemplo es la fusión de Frente Cumbiero, cuarteto colombiano con el grupo japones Minyo Crusaders: Minyo Cumbiero - Cumbia del Monte Fuji) y a Europa, a esta última en forma de música electrónica. Las nuevas generaciones podrán relacionar “Fuego” de Bomba Estéreo o el sonido del DJ ingles Quantic, y por qué no nombrar la incursión de la canción “Fiesta en Corraleja” mezclada en el Tomorrowland de 2019 por el DJ neerlandés Tiesto.
La cumbia como matriz sonora de Latinoamérica. Identidad y cultura continental, un libro publicado y editado en 2018 por la Editorial Universidad de Antioquia.
Para más información del libro.
Editorial UDEA
Documental de Darío: Colombias de Monterrey
Presentador y anfitrión del podcast: Diego A Garzon-Forero
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Inicialmente desarrollado a partir de la tradición de la contradanza europea, el danzón surgió como un género distinto de baile y de música entre los ejecutantes negros en Cuba del siglo XIX. A principios del siglo XX, su popularidad se extendió de manera sorprendente por todo el Golfo de México y la cuenca del Caribe. Un complejo de música fundamentalmente híbrida, refleja la fusión de elementos europeos y africanos, teniendo una influencia marcada en el desarrollo de otros bailes latinos y comparte muchos elementos estilísticos en común con el jazz temprano de Nueva Orleans. Danzón. Diálogos de música y baile por la cuenca del Caribe estudia la aparición, la influencia de alcance hemisférico y la importancia histórica y contemporánea de este género.
Alejandro L. Madrid y Robin D. Moore emplean un enfoque multidisciplinario a los procesos de apropiación del danzón en nuevos contextos, sus cambios de significado a través del tiempo, y su relación con otros géneros musicales. Exploran, además, su larga historia de popularización y controversia, su desarrollo estilístico, su glorificación en los discursos nacionales y posterior renacimiento en un proceso continuo de diálogo transnacional entre Cuba y México, al igual que con Nueva Orleans. De igual manera, consideran la producción y transformación de este “complejo de performance” afrodiaspórico en relación con los discursos ideológicos globales y locales. Enfocándose en las interacciones a través de la región como en escenas específicas, Madrid y Moore subrayan el alcance del intercambio cultural en las Américas. De esa forma, analizan el danzón y los varios discursos de identificación alrededor de él como elementos en procesos regionales más amplios. Danzón representa un aporte significativo a la literatura sobre la música, el baile, y la cultura expresiva latinoamericanas. Ha ganado premios de la American Musicological Society y la ASCAP. Será una fuente imprescindible de consulta para investigadores, alumnos y aficionados.
Presenta María Alejandra De Ávila López, doctora en Etnomusicología por el Programa de Maestría y Doctorado en Música de la Universidad Nacional Autónoma de México.
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En The Performance of Authenticity...Teófilo Espada-Brignoni analiza las autobiografías de músicos como Baby Dodds, Sidney Bechet, Pops Foster y Lee Collins quienes a lo largo de sus textos construyen el jazz de Nueva Orleans como una auténtica expresión musical fundamentada en sus experiencias y cultura. El autor argumenta que las autobiografías reproducen y reinterpretan las concepciones modernistas de autenticidad para afirmar y afirmar la autoridad sobre las representaciones y discusiones públicas del jazz. A través del uso de ideas sobre la autenticidad por parte de los autobiógrafos, establecen el valor de sus narraciones, pero al mismo tiempo refuerzan algunas de las dinámicas de poder que se propusieron criticar. Sus narrativas también revelan la ética compleja que surgió durante las primeras décadas de la música y problematizan valores modernistas como el individualismo, la dicotomía del trabajo y la vida, así como el yo y lo social. El libro adopta perspectivas foucaultianas y socioconstructivistas, complementando el análisis de las autobiografías basándose en la teoría literaria, la psicología, la sociología y la erudición del jazz.
Entrevista realizada por Ruth Nina-Estrella: Psicóloga social, dedicada al estudio de las relaciones de pareja, familia y conflicto cultural.
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Cuentos fabulosos: La invención de la música incaica y el nacimiento de la música andina, como objeto de estudio etnomusicológico, constituye un aporte trascendental para la investigación musical en el Perú. Julio Mendívil propone un brillante análisis de cómo se construyó el discurso sobre la "música incaica", basado en el argumento de la existencia de una escala pentatónica. A partir del siglo XX, esta pentatonía se hallaría en la base de una nación imaginada por los estudiosos más sobresalientes de la "música andina" - otro concepto construido para entender la realidad peruana.
El autor comprende dentro de su estudio a los más distinguidos etnomusicólogos de este campo analizando, en profundidad, las principales premisas y estrategias de significación que utilizaron para imaginar el pasado musical andino. Tal problematización nos revela, asimismo, aspectos fundamentales acerca de las diferentes narrativas que se han esgrimido para explicar una identidad peruana e imaginar la nación desde la musicología comparada y la etnomusicología. La propuesta de análisis de Mendívil nos señala además, una ruta para futuras investigaciones sobre la música en el Perú y América Latina.
Entrevista por María Alejandra De Ávila López doctora en Etnomusicología por el Programa de Maestría y Doctorado en Música de la Universidad Nacional Autónoma de México
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¿Cómo se volvió “latinoamericana” la música? La heterogeneidad lingüística, étnica y geográfica de esta región también es musical. Entonces, ¿cómo puede un mismo término abarcar corrientes sonoras y poéticas de tradiciones tan diversas —nativas y migrantes, afroatlánticas, andinas, urbanas, rurales, comerciales, vanguardistas, religiosas y nacionales?
Pablo Palomino reconstruye la historia transnacional de la “música latinoamericana” durante la primera mitad del siglo XX con un enfoque regionalista que concibe las naciones individuales como agentes y a la vez resultado de fuerzas imperiales, económicas e ideológicas.
En ese recorrido, ilumina el rol crucial de los actores y las prácticas musicales —la educación musical, los rituales estatales, los mercados, las migraciones, los gremios, la industria del entretenimiento, la musicología, los escritos de los intelectuales y la diplomacia cultural— que postularon la existencia de una corriente particular, distinguible dentro de la polifonía del mundo, llamada música latinoamericana.
En La invención de la música latinoamericana. Una historia transnacional (Buenos Aires: Fondo de Cultura Económica, 2022), la exploración de la música latinoamericana conduce hacia la historia más amplia de la conceptua lización de la región. Tal como sostiene Palomino: “La música proporciona así un modelo para comprender ahora los mecanismos nacionales y transnacionales que siguen produciendo el lugar de América Latina en el marco de la cultura global conflictiva y fascinante que habitamos”.
Pablo Palomino (Buenos Aires, 1973) es licenciado en Historia por la Universidad de Buenos Aires y doctor por la University of California, Berkeley. Ha impartido clases en ambas instituciones y también en el Center for Latin American Studies and Department of History de la University of Chicago. Actualmente, es profesor de Estudios Latinoamericanos y del Caribe en el Oxford College de la Emory University. Sus investigaciones están centradas en la historia cultural transnacional de Argentina, Brasil y México, así como en la construcción de América Latina como región.
Entrevista realizada por José Antonio Galindo estudiante del programa de doctorado en historia de El Colegio de México
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Los diferentes porros en Colombia, que incluye un libro de partituras y tres CD de audio, es producto de un proyecto de investigación-creación financiado por la convocatoria InvestigARTE del Ministerio de Ciencia y Tecnología de Colombia. Este proyecto se propuso, a partir de la comprensión de los diferentes tipos de música llamados porro en Colombia, componer, arreglar y producir 29 porros en estudio. Con estas piezas se pretendía dar cuenta de cómo son los porros tradicionales, así como explorar y proponer nuevas posibilidades estéticas de creación.
El libro presenta la transcripción de partituras de 95 porros colombianos, divididos en cuatro categorías: porros de banda sabanera, porros de orquesta de salón, porros de gaitas largas y porros parranderos. Antes de las transcripciones de cada categoría se presenta una descripción y análisis básico de las características musicales de cada uno de estos tipos de músicas denominadas porros. Además, incluye las partituras de las piezas originales creadas en el marco del proyecto. Finalmente, presenta un registro del proceso de creación y producción de 11 nuevas piezas enmarcadas estilísticamente en las categorías mencionadas, así como de los arreglos de 18 porros clásicos, en los que se usan lenguajes o recursos poco convencionales dentro de estas categorías (10 de ellos en formato de voz y guitarra, y los 8 restantes usando el estudio de grabación como instrumento principal). El lector y melómano podrá acercarse así a la comprensión de las músicas denominadas porros tanto desde los escritural como desde lo sonoro, desde lo analítico y lo sensorial.
Presenta María Alejandra De Ávila López, Doctora en Etnomusicología por el Programa de Maestría y Doctorado en Música de la Universidad Nacional Autónoma de México
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La "invención" de la música indigena de México. Antropología e historia de las políticas culturales del siglo XX aborda la práctica de la investigación de esas músicas que recibieron el impulso de políticas y programas culturales por parte del Estado mexicano, desde el proyecto posrevolucionario hasta su modificación en formas neoliberales de concebir las sociedades y sus expresiones culturales. Aunque sí existía como realidad, la categoría de música indígena no exístia antes del siglo pasado, , de manera que el concepto de "invención" no desconoce la preexistencia de tradiciones musicales indígenas, sino que ahonda en el proceso por medio del cual el Estado ha promovido las que considera propiamente indígenas conforme a lo que, se cree, debiera ser lo indígena. Después del neozapatismo, el reconocimiento constitucional a la multiculturalidad sustentada en los pueblos originarios reconfiguró el imaginario del carácter diverso de México. No se transformaron, sin embargo, las ideas en torno a dichas sociedades (las mentalidades –dice Fernand Braudel– son prisiones de larga duración), de manera que buena parte de los cambios de las ideas y los imaginarios no se han materializado debido a que son coyunturalmente funcionales para los gobiernos y sus políticas en materia de cultura.
Entrevista realizada por María Alejandra de Ávila López, Doctora en Etnomusicología por el Programa de Maestría y Doctorado en Música de la Universidad Nacional Autónoma de México
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Las músicas norteñas son expresiones que han crecido en los diferentes “nortes” de México como resultado de la densificación y complejización de las relaciones económicas, culturales y de poder desarrolladas en la región en los últimos 35 años. La música de conjunto norteño, la de banda sinaloense, la duranguense, la tecnobanda, la norteño-banda y el movimiento alterado son algunos de los ejemplos de estas expresiones de la música popular. Economías de las músicas norteñas (Ciudad de México: Centro de Investigaciones y Estudios Superiores en Antropología Social , 2021) ofrece un panorama sobre sus diferentes economías, a partir de diversos trabajos, fundamentalmente etnográficos, con amplias contextualizaciones sociohistóricas y geográficas. Estas bases nos ayudan a entender el papel de la circulación de los conocimientos para la fabricación del bajo sexto, el lugar de las emociones y la identidad en la precarización de los músicos, el uso diferenciado de recursos entre los músicos para huir de la violencia armada o la esquizofrénica realidad alrededor de la censura al narcocorrido. Este libro es parte de un proyecto amplio de investigación que busca conocer cuáles son las negociaciones y acomodos que vive la música popular del norte de México frente al avance de la piratería, el crimen organizado y las nuevas tecnologías.
Entrevista por María Alejandra de Avila López, doctora en Etnomusicología por el Programa de Maestría y Doctorado en Música de la Universidad Nacional Autónoma de México
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